Cosas extremadamente góticas quinceañeras: los peluches de esqueletos, el merchandising de Pesadilla Antes de Navidad, los animales disecados, Dita Von Teese o el vodka negro. A esa lista mental que todos podemos hacer gracias a esa parte de nuestra adolescencia que queremos olvidar esos conocidos de nuestra juventud que se dejaron arrastrar por el lado más oscuro habría que añadirle ahora un nuevo artista, Stephen Gammell.

Sus dibujos son la materialización del tenebrismo que hace temblar a Neil Gaiman, Tim Burton o Guillermo del Toro. Este último ejemplo no es fortuito, pues parece que el director mexicano estuvo en negociaciones de adaptar una novela que Gammell ilustró a la gran pantalla.

Porque este dibujante es conocido en el mundo anglosajón principalmente por ser el ilustrador de la serie de libros Scary Stories to Tell in the Dark (Historias Escalofriantes que contar en la oscuridad).

Él y Alvin Schwartz confeccionaron mano a mano tres volúmenes de cuentos terroríficos que se basaban en folklore regional y leyendas urbanas… en ediciones para niños. Viendo los dibujos de espantapájaros, payasos deformes o sombras indefinidas que acompañaban a los relatos podemos entender que muchos de ellos acabasen escondiéndose por las noches debajo de la cama. Eso si no temían que hubiese ya un bicho ahí abajo antes. Estos volúmenes son especialmente populares en Gran Bretaña y Estados Unidos.

Como reconoce aquí un antiguo lector de los cuentos, lo que le mantuvo en vilo durante buena parte de su infancia y el motivo por el que sigue recordando aquellos libros fue el trabajo de Gammell, más efectivo en muchos casos que las propias palabras. El detallismo y surrealismo de sus lápices, que casi simulan ser un Dalí reconvertido al pulp, despiertan en nosotros el morbo mortífero de los que han jugueteado con el lado oscuro de la vida.

Años después la editorial Harper & Row quiso cambiar de tercio y sustituyó a Gammell por Brett Helquist, el dibujante de Una serie de catastróficas desdichas, pero se encontraron con el rechazo de la mayoría de su audiencia. En cualquier caso, sus dibujos se han mantenido en el recuerdo y hoy podemos disfrutar de ellos.

A la séptima temporada de 'Juego de Tronos' sólo le queda un episodio para terminarse. Ha sido más corta de lo habitual, pero estos seis capítulos emitidos (o filtrados) han concentrado tantas revelaciones y tantos avances, y a tal velocidad, que da la sensación de que hemos visto el doble de episodios. Ya no hay tiempo que perder para que veamos el enfrentamiento definitivo (y tal vez también la unión) entre el Hielo y el Fuego.

Por eso, esta séptima temporada de 'Juego de Tronos' ha confirmado bastantes teorías que los fans llevaban años comentando y ha revelado otras cosas que probablemente ni siquiera habían llegado a plantearse. No nos referimos sólo a la importancia de la política fiscal en Poniente, si no a asuntos menos glamourosos como líneas sucesorias, maneras de matar a un ejército de soldados ya muertos y cómo entrenar a un dragón. Y no al estilo de los dibujos animados. Ni qué decir tiene que, si no vais al día, descubriréis que este artículo es oscuro y está lleno de spoilers.

1. Jon es Targaryen

La sexta temporada ya confirmó que Jon Snow era, en realidad, el hijo de Lyanna Stark y Rhaegar Targaryen, al que Ned crió como si fuera suyo por la promesa que le hizo a su hermana en su lecho de muerte. Todos asumimos que era bastardo; al fin y al cabo, Rhaegar estaba casado con Elia Martell, princesa de Dorne. Pero en el cuarto capítulo de esta séptima temporada, Gilly le lee a Sam algo muy interesante en uno de los libros del septón Maynard de Desembarco del Rey:

"Maynard dice aquí que escribió una anulación para el príncipe Rhaegar y que lo casó de nuevo con otra persona, al mismo tiempo, en una ceremonia secreta en Dorne".

Así, con una frase que Sam descarta porque está harto de leer las cuentas minuciosas de los septones y maestres muertos hace años y siglos, 'Juego de Tronos' desvela que Jon Snow Tagaryen es hijo legítimo de Rhaegar y, por tanto, es el heredero al Trono de Hierro por delante de su tía Daenerys, que era la hermana pequeña de su padre. El vodevil está servido.

2. Las confesiones de Lady Olenna

Siempre estuvo claro que no fue Tyrion (ni Sansa) quien envenenó el vino de Joffrey en su boda con Margaery. De hecho, los espectadores sabíamos que la culpable había sido Lady Olenna Tyrell, incapaz de soportar que su nieta se casara con aquel pequeño psicópata. Sin embargo, Jaime Lannister lo desconocía. Y la Reina de las Espinas no va a morir sin contarle antes un par de verdades, incluyendo que Cersei ha estado persiguiendo todo el tiempo a los asesinos equivocados. Diana Rigg no iba a despedirse de la serie así como así.

3. Nymeria, supongo

Los lobos huargo de los Stark hace tiempo que dejaron de tener alguna importancia en 'Juego de Tronos', si es que de verdad fueron relevantes más allá de la primera temporada. Sin embargo, siempre nos quedó la duda de si Arya se reuniría alguna vez con Nymeria, su loba, a la que tuvo que echar de su lado para evitar que los Lannister la mataran. Su conexión con ella es intensa en los libros, pero no así en la serie.

Sin embargo, la séptima temporada está recuperando personajes y tramas de las primeras entregas, y entre ellos se encontraba Nymeria. El animal reconoce a Arya, pero ya no es la loba que se marchó de su lado. Se ha convertido en otra cosa, del mismo modo que su antigua ama ya no es la que era. Lo que nos lleva a...

4. Mi nombre es Stark, Arya Stark

La asesina más fría y despiadada de todo Poniente. Arya ha demostrado que aprendió bien todas las enseñanzas de Jaqen H'qhar y que está dispuesta a seguir tachando nombres de su lista de la venganza. Su regreso a Invernalia está creando algunos de los momentos más tensos, momentos que se veían venir tras su exterminio de la casa Frey al mejor estilo 'Misión imposible'.

El desprecio que siente por su hermana Sansa debería hacernos temer que las cosas pueden torcerse mucho, y muy rápidamente, en Invernalia antes de que nadie pueda recitar "mi nombre es Íñigo Montoya".

5. ¿Dorne? ¿Serpientes de Arena? ¿Qué es eso?

No es una revelación de la trama, sino el reconocimiento por parte de la serie de que esta subtrama nunca funcionó. La entrada en el juego de Dorne y las Serpientes de Arena fue una de las principales equivocaciones de la quinta temporada (no su introducción, sino la manera en la que fue tratada), y la rápida manera en la que se despachan confirma que David Benioff y D.B. Weiss se dieron cuenta también de ello.

Deberían haber sido unas aliadas formidables para Daenerys, pero Euron Greyjoy las captura y las mata con facilidad. Lo que sí dejan es una de las formas de tortura más creativas y crueles de las que Cersei Lannister es capaz. Y nos ha demostrado que tiene bastante imaginación en ese aspecto.

6. La verdadera Reina en el Norte

Esta temporada de 'Juego de Tronos' ha consolidado la evolución (y la redención) de uno de los personajes más despreciados por los fans: Sansa Stark. Algunos siguen odiándola, atascados en el retrato de la niña ingenua de la primera temporada (lo que parece ser también el caso de Arya), pero la mayor de los Stark ha demostrado ser una gobernante con las ideas bastante más claras de lo que parecía.

Se dedica a preparar Invernalia para resistir al invierno y a intentar mantener las alianzas, no demasiado fuertes, que Jon ha conseguido con las otras familias norteñas. Mientras su hermano está ya metido de lleno en la lucha contra los Caminantes Blancos, ella tiene que asegurarse de que el norte podrá sobrevivir a la escasez de cosechas, por ejemplo, para poder plantar cara al ejército de los muertos.

7. Los modales del Cuervo de Tres Ojos

La "feliz" reunión de los Stark que quedan vivos en Invernalia ha permitido también descubrir que, ahora que Bran es el Cuervo de Tres Ojos, no sólo sabe muchas cosas, sino que ya no está atado a ningún tipo de código de buenas maneras, de modales o de empatía. Su papel en el gran esquema de la serie está por determinar (él mismo reconoce que aún está aprendiendo a manejar sus poderes), pero ya ha dejado claro que está por encima de las ataduras normales del plano terrestre.

Ser capaz de asustar a Meñique no es moco de pavo, pero herir tan gratuitamente a Sansa recordándole lo "hermosa" que estaba en su noche de bodas con Ramsay confirma que Bran ya no es Bran. ¿Será el Señor de las Tinieblas del Espacio?

8. Las minas de Rocadragón

Rocadragón, el castillo familiar de Daenerys, esconde unas cuantas sorpresas. Para empezar, está asentado sobre un yacimiento de obsidiana, o lo que es lo mismo, vidriagón, material que resulta fundamental en la lucha contra los Caminantes Blancos. El propio Stannis Baratheon se lo dijo a Sam en la quinta temporada, y éste lo confirma en los libros de la Ciudadela. Sin embargo, las cuevas bajo el castillo todavía guardan más secretos.

Por ejemplo, una exposición de arte rupestre de Poniente, es decir, grabados de los habitantes del lugar miles de años atrás, cuando los Niños del Bosque y los Primeros Hombres compartieron la tierra, pelearon y acabaron uniéndose para combatir a los Caminantes Blancos que los mismos Niños habían creado. La historia pasada va a volverse muy importante en el final de la serie.

9. En 'Juego de tronos' aún hay hueco para el amor

De vez en cuando, no viene mal que 'Juego de tronos' nos recuerde que, entre sus personajes manipuladores, crueles y movidos casi más por la ambición de poder que por ideales más o menos puros, hay espacio para historias en las que no hay agendas ocultas ni se pretende tergiversar la situación para una ganancia personal. La consumación de la relación entre Missandei y Gusano Gris puede ser lo más tierno que la serie esté dispuesta a darnos a estas alturas.

10. La unión del Hielo y el Fuego

Uno de los momentos más esperados de esta séptima temporada era el encuentro entre Jon Nieve y Daenerys Targaryen. En teoría, son los dos personajes cruciales de toda la saga, el Hielo y el Fuego con los que George R.R. Martin nombró todos sus libros, y si dejamos de lado una posible trama romántica (que llevamos algunos episodios en los que no hace más que insinuarse), la alianza entre ambos es lo que puede dar a Poniente una oportunidad de sobrevivir a la Larga Noche del invierno.

Los fans han tenido muchas teorías sobre ellos, bastantes de las cuales implican una relación romántica, pero lo único confirmado por 'Juego de Tronos' (además de que son familia) es que ambos están en el mismo bando.

11. Euron Greyjoy es terrible

Hay un nuevo enfant terrible en Poniente. Se llama Euron Greyjoy y, además de gustarle vestir por completo de cuero negro, es toda una estrella del rock. Es malo, lo sabe y lo disfruta, y es el mejor (y único) aliado que tiene Cersei Lannister por ahora. Él solo desarbola a media flota de Daenerys y es totalmente imprevisible. Hay algunos fans que no están demasiado contentos con él, pero aporta el carisma del "villano de la temporada" que hacía falta sin Ramsay en el juego.

Es la wild card, el elemento incontrolable que se mueve por Poniente haciendo sólo lo que él quiere. Euron Greyjoy funciona, como diría Andrés Montes, por el artículo 34: hago lo que quiero, cuando quiero y como me da la gana.

12. Pero Cersei es aún peor

Evidentemente, entre tanta charla de que los Caminantes Blancos tienen que ser derrotados y de que el invierno ya está aquí, Cersei sigue sentada en el Trono de Hierro y dispuesta a masacrar a quien haga falta para seguir en él, y para garantizar que los Lannister no seguirán el mismo camino que los Baratheon, los Tyrell o, más recientemente, los Tarly.

Tiene apoyo financiero y su absoluta seguridad en que va a ganar esta guerra. Y ha demostrado, por si no había quedado claro con anterioridad, que nadie la supera a la hora de ser brutalmente eficaz en conseguir sus objetivos. Y en vengarse de todos los que alguna vez le hicieron daño a ella o a su familia.

13. El Rey de la Noche tiene poder

'Juego de tronos' lleva preparando la gran entrada del Rey de la Noche desde la segunda temporada, cuando vimos lo que hacían los Caminantes Blancos con los bebés repudiados por Craster. En la sexta descubrimos que tenía la capacidad de ver y de tocar a Bran cuando éste se encontraba en uno de sus viajes astrales y, gracias al penúltimo episodio de la séptima, hemos descubierto algo todavía más importante; si matas a un Caminante, se desintegran los muertos que estaban asociados a él.

El Rey de la Noche es quien levantó a todos los fallecidos en Casa Austera y es quien resucita a Viserion (esto lo dejamos para más adelante), por lo que la clave para acabar de un plumazo con todo el ejército de los zombies congelados es matarlo a él. Lo que, por supuesto, es mucho más sencillo decirlo que hacerlo. Lo de Eowyn con el Rey Brujo en 'El retorno del rey' va a ser pan comido en comparación.

14. El dragón de hielo

Pobre Viserion. Drogon se ha llevado toda la atención de Daenerys porque la sacó del reñidero de Meereen, pero nadie queríamos ver morir a uno de sus "hijos". Eso sí, uno tenía que caer para que 'Juego de Tronos' mostrara otra de las teorías que los fans llevan años esperando a que se hagan realidad: la aparición del dragón de hielo.

Ya el ataque al convoy de provisiones de los Lannister nos enseñó que los dragones pueden ser muy poderosos, pero que no son invencibles, y la lanza de hielo que atraviesa a Viserion termina de confirmarlo. Ahora, el Rey de la Noche ha conseguido su arma más letal, y ya sólo quedan dos dragones para hacer frente a su amenaza.

15. Las muertes de Melisandre y Varys

"Tengo que morir en este país extraño. Como tú". La frase con la que Melisandre se despide de Varys en Rocadragón, al principio de la temporada, es uno de esos comentarios de la sacerdotisa roja que uno no sabe bien cómo tomarlo. Sí, se equivocó al apoyar a Stannis como el Príncipe que fue Prometido, pero también ha quedado claro que realmente tiene algún tipo de poder. Y que, de vez en cuando, sus sentencias sí son un poco proféticas.

Le dijo a Arya que veía en ella algo oscuro cuando se la encontró, allá por la segunda temporada, y si le dice a Varys que ambos van a encontrar sus muertes en Poniente, casi podemos dar por seguro que va a ser así. El cómo y el cuándo es lo que no es revelado por el Señor de la Luz.

16. ¿Un bebé Lannister?

Una de las consecuencias de que Cersei se sienta confiada de su poder como reina de Poniente es que ya no le importa que vean su hermano Jaime compartir su cama. Y que está dispuesta a reconocerlo como padre del bebé que está esperando. Al menos, eso le cuenta a Jaime en el quinto episodio, con lo que la casa Lannister tiene todavía una oportunidad de sobrevivir a tanta carnicería.

Hay quien no se fía de las palabras de Cersei. El maestre Qyburn se ofrece a prescribirle algo, pero ella se niega. ¿Está embarazada, o le aflige alguna dolencia que no quiere contar? ¿Puede ser ésa su debilidad? ¿Puede estar tan obsesionada con mantener el legado de los Lannister en el Trono de Hierro porque sabe que le queda poco tiempo para conseguirlo?

17. Y más profecías: las de Daenerys

Esto no es una revelación de la séptima temporada de 'Juego de Tronos', pero con el gusto que le están pillando Benioff y Weiss a recuperar historias, personajes e hilos argumentales de temporadas anteriores (hola, Gendry, hijo bastardo de Robert Baratheon), resulta curioso que no haya vuelta a aparecer la visión que Daenerys tiene en la Casa de los Eternos de Qarth, en la segunda temporada.

Ve el salón del Trono de Hierro quemado, sin techo, cubierto por la nieve. El mismo Trono está nevado y vacío, pero Dany no se sienta en él. Pasa de largo porque escucha algo que le llama la atención (el llanto de su hijo no nacido con Drogo). Bran tiene la misma visión en la sexta temporada. ¿Cuánto tardaremos en verla convertirse en realidad?

Jerry Lewis falleció ayer a los 91 años de edad rodeado de su familia en su domicilio de Las Vegas. Lewis ha sido uno de los cómicos más importantes de la historia del cine, de los que han entrado a ese exclusivo pedestal en el que se encuentran titanes como Chaplin o Keaton, y cualquiera que haya visto alguno de los números cómicos de entre sus decenas de películas habrá comprendido su capacidad de sublimación del espasmo y la pantomima, el territorio donde más a gusto se encontraba esta mente privilegiada de la creatividad cinematográfica.

Pero hubo un tiempo en su carrera donde quiso, al mismo tiempo, ponerse serio sin quitarse el traje de payaso.

El Holocausto como materia dramática... y cómica

A principios de los años 70 un productor húngaro hizo llegar a las manos de Lewis el guión de un filme dramático. Puso todas las condiciones para rodarlo, incluidas estrellas del cine europeo. Lewis estaba inmensamente motivado, ya que quería demostrarle al mundo (y a los Oscar, todo sea dicho) que podía salir de su zona de confort.

Cuando el productor se desvaneció llevándose también todo el material, el actor puso el dinero y ocupó los mandos de una obra que ya se había convertido para él en algo personal.

El problema, y la razón por la que se consideraba el proyecto irrealizable por mucha gente de la industria, es que es una película sobre el holocausto en la que su protagonista (encarnado por Lewis, que era judío) era un payaso condenado por el régimen del Führer que ayudaba con sus bromas a conducir a los niños a las cámaras de gas de Auschwitz.

Es decir, ejecutar las mismas intenciones artísticas y políticas de El Gran Dictador de Chaplin (banalizar uno de los episodios más temibles de la historia como forma de desactivar su poder) pero aplicándolo a una narración en la que se glorifica el trabajo de las llamadas vacas judas en los mataderos (los animales que conducen a sus semejantes por la maquinaria que les va a dar la descarga de gracia).

Cuando Lewis perdió su magia

Lewis terminó y montó The Day the Clown Cried confiado de que había logrado sus objetivos artísticos, pero ciertos baches se opusieron a su exhibición. Hubo problemas para llegar a unos positivos términos empresariales con el productor, a pesar de que Lewis había aportado la mayoría de financiación in extremis de su bolsillo. Pero más difícil aún, los guionistas Charles Denton y Joan O'Brien dijeron que el cómico había alterado tanto el libreto original que ya no se trataba de su historia, y no llegaron con él a buen término sobre sus derechos intelectuales.

Estaba previsto que la película se estrenase en Cannes en 1973 y que de ahí saltase unos meses más tarde al circuito estadounidense. Pero algo ocurrió. Alguien debió avisar a Lewis con suficiente convicción como para hacerle ver que había realizado una película de un gusto nefasto, con un humor negro tan incomprensible, que si la viese el público repercutiría muy negativamente sobre su imagen pública. Conservó su copia férreamente sin dejar que la viera absolutamente nadie, pero al parecer en 1979 hizo una excepción, un pase privado para unos pocos amigos de confianza.

Entre ellos estaba Harry Shearer, quien la describió como una cinta "perfecta en su monstruosidad". Más tarde, en 1992 y para la Spy Magazine el mismo Shearer diría de The Day the Clown Cried: “era un objeto perfecto. Esta película es tan drásticamente errónea, está tan equivocada, su espíritu y su humor están tan salvajemente fuera de lugar que nadie podría, ni en una fantasía de lo que podría ser idealmente, mejorarla. 'Oh, dios mío' es todo lo que puedes decir después de verla”.

"Es muy mala. No vais a verla. Nunca nadie la verá"

La leyenda de la cinta fue creciendo, tanto que Lewis se iba sintiendo cada vez más incómodo con la insistencia de distintos medios a lo largo del tiempo pidiendo más explicaciones sobre la cinta y su futuro. Ya en sus últimos años, en 2016, apareció en las redes un clip de 31 minutos de montaje del making of y algunas escenas completas de la obra.

Lewis ha defendido distintas posiciones sobre su preferencia acerca del destino de la cinta. Durante casi toda su vida mantuvo que aquello fue un error y que lo que él desearía es que nadie la viese, tal y como afirmaba en 2013. Siete meses después, sin embargo, afirmó que, aunque no sacaría a la luz la película, había estado orgulloso de ella.

Además de esto, en 2009 Lewis declaró para Entertainment Weekly: "¿quién sabe qué pasara con ella cuando me muera? Lo único que me importa, lo que siempre me saca una risa, es que en algún momento habrá por ahí algún chico joven e inteligente al que va a llegarle la inspiración y va a acabar proyectando la película. Y me encantaría. ¡Porque entonces iba a ver una película de la hostia!”.

En 2013 Lewis vendió la única copia existente de la obra a la Librería del Congreso de Estados Unidos, con una condición: que el filme no se proyecte hasta dentro de 10 años, siendo probablemente consciente de que para cuando el público pudiese ver la película él ya no estaría entre nosotros. Así que, mientras el artista no haya dejado alguna voluntad final en contra de su exhibición, es probable que la Library’s Packard Campus for Audio Visual Conservation de Culpeper permita la proyección del filme maldito en 2024.

Lo que sí podemos hacer en estos años es seguir disfrutando de su ingenio en las más de 40 películas en las que apareció. Como en El Profesor Chiflado, donde convertía la cámara subjetiva en el artefacto perfecto para la ambigüedad en el mensaje. También en El Terror de las Chicas, cuyos decorados nada tenían que envidiarle a los de Jacques Tati.

Tampoco en sus dúos cómicos con Dean Martin, donde la rutina del alocado y patoso Lewis encontró un contrapeso ideal en el galán italiano de voz de oro. O en las innumerables películas donde jugaba con el gag sonoro mediante playbacks (sus películas se disfrutan tanto en lo visual como en lo sonoro) donde alguien podía tocar una máquina de escribir invisible o el sonido de unas pisadas continuaba incluso después de que el personaje se quitase los zapatos.

Cientos de momentos de éxtasis para la gran pantalla que ninguna película desafortunada podrían arrebatarle su estatus de maestro del cine.

En la historia de la televisión en España hubo una era oscura a principios de los 90 que ahora, 27 años después, igual nos costaría reconocer. La combinación de los primeros años de las televisiones autonómicas con el amanecer de las privadas dio lugar a una explosión de programas de bajo presupuesto que buscaban atraer al público con un arma que en la televisión italiana ya había demostrado su eficacia: azafatas en bikini.

¿Quién no se acuerda de las Mama Chicho, aquel cuerpo de baile explosivo que amenizaba los programas de variedades de Telecinco? El truco era enseñar todo lo posible a chicas ligeras de ropa, con las excusas más inverosímiles. Si hacía falta, hasta se inventaba un concurso en el que había que adivinar que frutas llevaban en sus pezones. ¿No os lo créeis? Os presentamos 'Ay, qué calor'.

Telecinco y las azafatas "frutitas"

"En la pista dando brincos, la colección de tetas que hacen bulto en Telecinco". Es un verso de una canción de Joaquín Sabina publicada en 1992, y que resumía perfectamente la estrategia de la cadena en sus inicios. 'Ay, qué calor' la encarnaba al 100%, tal y como recordaba en Twitter el dibujante de El Jueves Rául Salazar, que diseccionó en un hilo su primer programa.

Para empezar un poco de poesía WTF para dar paso al presentador más cuñado de la historia de la TV. #AyQuéCalor (2/17) pic.twitter.com/ONdeW4XYUf

— Raúl Salazar (@respetocanas) 21 de agosto de 2017

Salida y entrada de anuncios. MEMORABLE DESPELOTE totalmente gratuito de las “Chicas Chin Chin” #AyQuéCalor (5/17) pic.twitter.com/6vyoiYfrHW

— Raúl Salazar (@respetocanas) 21 de agosto de 2017

Primer juego. Eliges una chica y hay que adivinar qué lleva EN LOS PEZONES.
Todo muy normal. #AyQuéCalor (7/17) pic.twitter.com/QcewnbnjiK

— Raúl Salazar (@respetocanas) 21 de agosto de 2017

Él sigue jugando y eligiendo chicas para que salgan a bailar con su “CARROCERÍA MARAVILLOSA” #AyQuéCalor (12/17) pic.twitter.com/aaxEEvTCg8

— Raúl Salazar (@respetocanas) 21 de agosto de 2017

En realidad, 'Ay, qué calor' era una adaptación de un formato importado, cómo no, desde la Telecino italiana, titulado 'Colpo grosso'. Su mecánica era la misma: dos concursantes participaban en un juego de preguntas y respuestas cuya finalidad última era que las azafatas enseñaran las tetas todas las veces humanamente posibles. ¿Cómo? Cada concursante tenía que adivinar qué fruta llevaban pegada en los pezones. Ni en 'El tiempo es oro'. Éxito asegurado.

La cadena española se animó a producir su propia versión después de que la emisión del original fuera un éxito en las madrugadas, y se buscó a sus propios presentadores, Luis Cantero (vestido de capitán de crucero entre 'Vacaciones en el mar' y los Carnavales de Cádiz) y la ex Miss España Eva Pedraza. Porque Telecinco también emitía las galas de elección de Miss España. Y presumía del cuerpo de baile más atómico de la tele: las Cacao Maravillao.

Las azafatas que se dedicaban al strip-tease más gratuito de la televisión (con desnudo integral incluido) española eran las Chicas Chin Chin, y todo aquel invento se emitió durante un sólo verano, el de 1991, primero en las madrugadas de los jueves y, después, en las de los sábados.

Aquel horario era el de lo erótico festivo en la televisión española a principios de los 90. Y lo casi porno fue un arma muy utilizada en la competencia entre todas las cadenas por despuntar en un panorama en el que, de repente, ya no existían sólo los dos canales de TVE. Hasta ésta se subió al carro con el strip-tease que finalizaba el espacio de entrevistas 'Un día es un día', presentado por Ángel Casas (Javier Sardá y 'Crónicas marcianas' no inventaron nada en ese aspecto).

Luis Cantero justificaba que 'Ay, qué calor' fuera más soft porn disfrazado de concurso al decir que "éste es un programa polémico como todos los relacionados con el sexo. Y eso es lo que queremos. Hay mucho hipócrita para los que la crítica es sólo una excusa para ver lo que creen que no se debe ver. A mí el hecho de que la gente se desnude me parece muy bien; al fin y al cabo todos nacemos desnudos. Yo mismo tengo una foto desnudo a doble página en un libro que publiqué hace tiempo". Y 'Ay, qué calor' no era el único programa que utilizaba a chicas medio desnudas como principal reclamo.

De las Mama Chicho a las "monleonetes"

De hecho, Telecinco llenaba de azafatas en bikini hasta sus espacios deportivos. Porque una de las ideas más locas de la cadena fue poner a Manolo Escobar y Loreto Valverde a presentar un programa que resumiera la jornada de la Liga de fútbol, rodeados, cómo no, de chicas ligeras de ropa y con el clarísimo título de 'Goles son amores'. Sólo duró una temporada, la de 1992/93, en la medianoche de los lunes. ¿Cómo pudo fracasar semejante idea?

No quedaba ahí el asunto. Los principios de los 90 eran terreno fértil en la cadena amiga para ideas todavía más estrafalarias. Como darle a Jesús Gil un ¿talk show? que presentaba metido en un jacuzzi con varias chicas en bikini. 'Las noches de tal y tal', se llamaba, y también se emitió en el mismo verano de 1991 que fue un Big Bang de locuras en Telecinco.

Si pensáis que Telecinco no podía ir más allá, os equivocáis. El gran exponente de esa erotización y objetificación de las azafatas totalmente gratuita era 'Tutti Frutti', un programa de humor que combinaba sketches, actuaciones musicales, vídeos caseros y que amenizaban las bailarinas más famosas de España en aquella época: las Mama Chicho. La cadena las metía hasta en especiales navideños.

'Tutti Frutti' era la gran apuesta de la cadena en sus inicios. Llegó a emitirse incluso después de 'Sensación de vivir', y las labores de presentación se las llegaron a repartir Raúl Sender, Pepe Viyuela, Esperanza Roy y Cruz y Raya. Una alineación imparable.

Sin embargo, había una cadena capaz de competir de igual a igual con Telecinco en cuanto a sexismo gratuito y festivo, Canal 9. Su carta de presentación, 'El show de Joan Monleón', era un concurso-varieté con sus propias azafatas, las monleonetes, que aparecían de esta guisa.

Sí, eso eran huchas simulando ser tetas. No tengo nada más que añadir, Señoría.

Internet es un lugar increíble, un lugar donde todo es posible sin importar que medios oficiales hayan desmentido algo, ya que si la mayoría de tus contactos lo comparte, entonces es real y eso le da credibilidad. Todo un fenómeno digno de estudio.

El más reciente ejemplo es la supuesta serie que prepara Netflix acerca de 'The Legend of Zelda', un rumor que surgió en febrero de 2015 y que a las pocas horas fue desmentido por Nintendo, matando así todas las ilusiones de millones de fans de la saga. Ahora, muchas personas están compartiendo un "tráiler" de esta serie, la cual aparentemente fue cancelada, pero que alimenta la teoría de que Zelda llegará, algún día, al cine o a la televisión. Pues nuevamente sentimos decirles que no, esto no es verdad.

Una broma de 'Aprils' Fool' que reaparece nueve años después

El tráiler ya ha ido desapareciendo de algunas páginas en Facebook debido a los reclamos por derechos de autor, pero todavía hay algunos que han logrado evitar dichos reclamos, como el siguiente:

Una de las teorías es que Netflix encargó el tráiler y un piloto para presentarlo a Nintendo, quien inmediatamente se negó a ceder los derechos de la historia pero no puedo evitar la filtración del tráiler, el cual se ha ido esparciendo por varios sitios especializados en el universo de Zelda y los videojuegos.

La realidad detrás de este vídeo es que fue creado para hacer otra broma, pero en 2008, cuando el sitio IGN, una de las webs más importantes en el sector de los videojuegos, creó un tráiler para lanzar la noticia de que Zelda tendría película y este era el primer avance.

El tráiler fue lanzado un primer de abril de 2008 durante el 'April Fools' Day', que es el equivalente en los países anglosajones a nuestro día de los Santos Inocentes. Lo importante de esto es que la producción era tan buena que muchos cayeron sin darse cuenta que era April Fools', hasta que el medio tuvo que salir a aclarar que todo era una broma y que la película de Zelda en realidad no existía.

Este es el tráiler ficticio que ha desatado todo.

Otras propuestas al universo Zelda creadas por fans

Hay ganas de ver una serie o película de Zelda, eso es un hecho, y para muestra sólo es necesario ver la gran cantidad de proyectos creados por fans, quienes han creado diversos vídeos que adaptan parte de la saga con resultados por demás destacables. Incluso se ha jugado con la posibilidad de hacer mashups donde se mezcla a Zelda ya sea con 'Game of Thrones' o bajo la estética del Studio Ghibli.

Estas son algunas de las propuestas más destacables:

• 'Majora's Mask - Terrible Fate', la mejor animación que se ha hecho en torno a Zelda

• Zelda por Studio Ghibli

• 'Game of Hyrule': un mashup de 'Game of Thrones' y 'The Legend of Zelda'

• 'The Legend of Zelda', tráiler hecho por fans

En Magnet | Este siniestro y brutal corto basado en Majora's Mask es el mejor homenaje jamas realizado a Zelda

Creo que hasta este punto todos sabemos de qué va 'Stranger Things' ¿verdad? Bueno, para quienes no sepan de qué hablamos sólo basta decir que es una de las series de más importantes de los últimos años, ya que supo mezclar y homenajear como nadie el cine de terror de los 80, toda una oda a la nostalgia y las obras de Spielberg y Stephen King.

El próximo 27 de octubre llegará a Netflix la segunda temporada de 'Stranger Things', de la que ya se confirmaron una tercera y cuarta temporada. Es decir, estamos en momento ideal para alimentar el hype con imágenes, rumores, adelantos y por supuesto pósters, que en esta ocasión se están convirtiendo en un recurso usado de forma magistral por Netflix.

Netflix está preparando el estreno para una de sus series más exitosas, lo saben, y por ello la campaña de lanzamiento está haciendo uso de diversos recursos virales aprovechando el éxito que han tenido en redes sociales, que va dirigido tanto a nuevas generaciones como a aquellas un poco más viejas, donde se siguen explotando las referencias al cine de los 80.

En este caso, Netflix está retomando viejos pósters de películas de aquella época, que ahora están sirviendo para promocionar 'Stranger Things' y de paso rendir un homenaje a estas películas. Hasta el momento sólo han lanzado cuatro pósters, pero el resultado ha llamado tanto la atención que probablemente se publiquen más de aquí a que se estrene la segunda temporada.

'A Nightmare on Elm Street' (1984)

'The Running Man' (1987)

'Stand by Me' (1987)

'Alien' (1979)

Sí, sí, 'Alien' no es de los 80, pero como si lo fuera.

Algunos piensan que estos pósters no sólo son un homenaje, sino también son pistas de lo que veremos en la segunda temporada de 'Stranger Things' en forma de guiños y claves en cada uno de los capítulos.

Avances de la segunda temporada

Y ya para terminar, es un buen momento para dar un repaso por los avances que han salido hasta la fecha.

En Magnet | Las 11 referencias de Stranger Things al cine de los 80 En Xataka | 17 películas que puedes ver si te quedaste con ganas de más 'Stranger Things'

Ya oigo cómo tu daga de acero valyrio clama por mi sangre. Cualquiera diría que hablar de 'Juego de Tronos' en otro tono que no sea laudatorio merece una ejecución muy pública y muy gráfica, pero en serio: tenemos que hablar de lo que está pasando con la serie de la HBO y creo que 'Despacito' puede ser la metáfora perfecta para ello. Así que no me mates. Aún.

Una advertencia: este artículo contiene destripes importantes de la serie de televisión 'Juego de Tronos' hasta el episodio sexto de la séptima temporada y de la canción 'Despacito' de Luís Fonsi.

¿Por qué funciona Despacito?

¿Y por qué demonios estoy hablando de la canción del verano para referirme a 'Juego de Tronos'? Porque el tema de Luís Fonsi es un troyano musical, diseñado específicamente para que se te quede pegado, y la estrategia que usa para enganchar es muy parecida a la que usa la serie de los maestres David Benioff y D.B.Weiss.

No lo digo yo: se ha estudiado cómo de pegadizo es el dichoso tema. Gente con un conocimiento más amplio que el mío, de música y de producción musical, ha diseccionado el fenómeno.

Por un lado, está un aparente error en el tempo de la canción, justo antes del primer estribillo. Si te soy sincero, suena como si el músico contuviera la respiración o se acabara de atragantar comiendo garrapiñadas, pero una vez entra el “Des-pa-cito” ya se te ha grabado en el cerebro como las iniciales de un idiota en la corteza de un árbol.

Os he hecho un croquis para que entendáis visualmente dónde reside la MAGIA de la parada del Despacito. De nada. pic.twitter.com/I6ckZwuCze

— Nahúm García (@nahum) 3 de julio de 2017

Este asunto no se le escapó al tuitero Nahúm García, músico y productor, que señala que Despacito “hackea” tu cerebro al traicionar, de forma subliminal, tus expectativas sobre cómo continuará la canción.

Por el otro, su pegajosidad pop, fruto de estratagemas habituales como el ritmo o una letra que junta metáforas alambicadas y exabruptos de obrero. Otras son más sutiles, como ese Des-pa-cito en lugar de Des-pa-ci-to, que la elevan de canción para enseñar las sílabas a reina de la pista de baile. Y no está de más recordar que combina balada y reggeaton sin despeinarse y como demuestra el* gin tonic*, eso de combinar nos gusta.

Es decir, que el motivo por el que está canción la tarareen por igual tu madre y tu pareja es por su capacidad de combinar algo tan predecible como la música pop con lo impredecible orquestado por un productor musical que, o ha estudiado neurociencia, o tiene una intuición fuera de la escala.

Y esto tiene que ver con Juego de Tronos en…

En que al principio, la serie no contaba ni con la curiosidad del aficionado, alejado y descreído de la fantasía que 'Dragonlance' y sucedáneos aún peores popularizaron, ni con el presupuesto que disfruta ahora. No tuvo más remedio que echarle valor e imaginación.

Los primeros episodios presentaron a una miriada de personajes y una especie de Edad Media sucia y despiadada. ¡Desnudos, violaciones, roña bajo las uñas! Lo mismo tiraban a un niño de un balcón que vertían oro derretido sobre la cabeza de un patán incestuoso.

Respecto a los elementos fantásticos, existía un equilibrio delicado entre estos y las apasionantes intrigas palaciegas, fruto de la narración y la falta de dinero, de modo que el aficionado a la fantasía se mantuviera expectante y el espectador incapaz de suspender su incredulidad mantuviera los pies en la tierra.

La serie definió y se atuvo en sus primeros episodios a esas coordenadas… hasta que hackea tu cerebro con la muerte de Ned Stark, a quien los no-lectores de la saga literaria tomaban como protagonista; en menor medida, la de Khal Drogo, y claro, el nacimiento de los dragones. Al igual que con el primer estribillo de Despacito, la atracción hacia esta serie se volvió irresistible.

Entiendo, ¿es por eso que en las siguientes temporadas…

Reina de dragones y de nuestros corazones. Fuente: HBO.

Permite que interrumpa tu pregunta, pero sí, tienes razón: desde entonces, el esquema se mantuvo. Si tomamos todo lo que hemos visto de la serie hasta ahora, veremos ese equilibrio entre lo fantástico y lo sucio y realista, así como una contínua traición a las expectativas. ¿Creías que entrar con un dragón en un coliseo lleno de opositores era sinónimo de victoria o que una embarazada o una niña se salvarían de una muerte horrenda?

Ya que estoy con las muerte, recordarás que siguió en pie la costumbre de matar a quienes tomábamos como protagonistas, o al menos terminar con los más nobles. A poco que tuvieras mal ojo para identificarte con ciertos personajes, ver 'Juego de Tronos' era una experiencia similar a visitar un asilo de ancianos, donde una visita dos semanas más tarde podía suponer la sorpresa de un hueco donde antes había una persona.

Pero después de seis temporadas ocurre lo lógico: la mitad de los personajes de cierta importancia que han pasado por la ficción han muerto y la otra mitad empieza a juntar sus caminos. Y** el ser impredecible de forma constante**, más cuando se trata de los dos últimos episodios de la temporada, se vuelve predecible en sí, al tiempo que cada vez tiene menos margen para sorprender al espectador.

Como en la canción, lo mismo te canta Fonsi que Daddy Yankee, pero todo tiene que culminar en “Des-pa-cito” y la estructura se repite. Hay un patrón que, de cara al final, debe romperse.

Vale, ¡pero la nueva temporada me sigue gustando! ¿Por qué parece… rara?

Aunque lo parezca, éste ya NO es Walder. Fuente: HBO.

Porque, en efecto, ya no es lo mismo, o mejor dicho: porque sigue siendo lo mismo, pero distinto. 'Juego de Tronos', la serie que adapta los libros, se ha visto obligada a metamorfosearse en 'Juego de Tronos', la serie de televisión.

Y es que la fuente de los libros se terminó: George R. R. Martin se toma su tiempo para escribir, ya te lo conté hace poco. Lo que antes eran innumerables páginas, redactadas con cuidado a lo largo de muchos años, ahora es una escaleta consensuada entre varios guionistas y frases susurradas por el autor, susceptibles o no de ser llevadas a la pantalla.

Siguiendo la metáfora musical, en esta séptima temporada hemos llegado al puente, como se llama a esa parte de una canción donde lo habitual se interrumpe para evitar la monotonía: también es la parte que prepara todo para el final.

En Despacito la marca ese segundo estribillo que culmina en otro desnudado casi por completo de instrumentos y en la serie de la HBO, la matanza de Walder Frey y su familia: ¿desde cuándo, en 'Juego de Tronos', los villanos mueren a puñados sin que algún héroe perezca también? Y no, no es lo mismo que los fuegos artificiales del Septón Supremo al final de la sexta temporada, patrocinadas por la villana de Cersei, donde la misma explosión se lleva por delante a personajes que merecieron nuestras simpatías (pobre Margaery, pobre Loras) y otros que aprendimos a odiar. Walder Frey fue un auténtico bastardo y, que se sepa, la pequeña Arya no mata a ningún inocente, ni siquiera a Ed Sheeran, con el que se cruza más tarde.

Decía que en el puente, el ritmo habitual se interrumpe y creo que estarás conmigo en que la serie marcha de manera distinta ahora. Una de las fuentes de crítica es la velocidad a la que se suceden los traslados y es porque, con temporadas más cortas, ya no hay tiempo para mostrar el viaje. Lo que quizá no esté de más recordar es que durante esos viajes solían pasar cosas y plantaba futuras tramas, no eran una colección de escenas vacías.

Del mismo modo, el tiempo para ambigüedades se ha terminado porque la escala de grises ya no sirve igual para describir 'Juego de Tronos': a estar alturas, los villanos son Cersei y el Rey de la Noche y hay poca discusión al respecto. Respecto a Meñique, que lo mismo te captura a Ned que te salva en la Batalla de los Bastardos, aún está planeando algo (y más vale que sea gordo, que lleva dos temporadas para ello) pero a lo máximo que ha llegado es a provocar una pelea entre hermanas.

¿Qué podemos esperar en la última temporada?

El romance que algunas teorías fan llevaban presagiando desde el principio: no obstante, la saga se llama 'Canción de Hielo y Fuego'. Fuente: HBO

Al final de Despacito se repiten todos los elementos que más han llamado la atención, con el estribillo y los pasitos de Daddy Yankee, y eso es algo que estamos empezando a disfrutar en 'Juego de Tronos', con reencuentros, acción con dragones, curaciones milagrosas y la despedida por la puerta grande de Olenna Tyrell.

Por momentos, la serie bordea con peligrosidad el fan service más descarado aunque, como he comentado antes, es que ha recorrido tanto y se han depurado a tantos personajes que ya no les queda mucho margen de maniobra. Y es que por mucho que fastidie a los más críticos, la serie sigue el camino más lógico y a estas alturas las sorpresas son más difíciles de plantar y sembrar.

Con esto no quiero decir que defienda del todo lo que estamos presenciando esta séptima temporada. No obstante, medios como The Verge ya han acusado a la serie de parecerse a un fan fiction en el sentido de que, lejos de sorpresas como el abordaje de Euron, todo parece sucederse para contentar al espectador, desde romances largo tiempo deseados (Gusano Gris y Missandei Jon Snow y Daenerys Targaryen de Todos los Santos) a salvamentos de última hora contra dragones o gracias a dragones.

No ayuda a la percepción general que el sexto episodio de la séptima temporada, a la espera del final de temporada, fuera dirigido con mediocridad pasmosa por Alan Taylor, un artesano que durante una hora pareció olvidar cómo filmar grupos, paisajes, actores y entregó un capítulo plagado de errores. Fue a raíz de su desganada labor cuando empezaron a surgir como setas artículos sobre lo mal que estaba yendo la serie.

En serio, ¿cuántos salvajes viajaban en el grupo de Jon? Al tercer camisa roja que palma perdí la cuenta y el grupo, a vista de cuervo, no parecía tan grande. ¿No podría haber dirigido Taylor a Viserion contra el Rey de la Noche? Se justificaría que le disparen a él y no a Drogon, que en esos momentos es un objetivo más jugoso porque está frente al mismísimo emperador de los helados, quieto y con varios enemigos a sus lomos.

En fin, quedan sólo una última temporada. Puede que la serie de HBO retome el vuelo o que caiga para siempre en el servicio descarado al fan recalcitrante, pero al menos siempre nos quedará el haber danzado entre dragones. Des-pa-cito.

En Espinof | Todo sobre Juego de Tronos

El invierno ha llegado para todos los seguidores de 'Juego de Tronos'. Ha llegado en forma de la larga espera que tendrán que sobrellevar hasta que la serie de HBO estrene su temporada 8, la última, que podría tanto verse en el último semestre del año que viene como ya en 2019. Pero podrán amenizarla debatiendo todo lo que han visto en la séptima temporada, todas las polémicas sobre su manejo del tiempo y, por supuesto, todas las cosas que creen que se verán en esos seis episodios finales.

Aunque 'El dragón y el lobo', final de temporada de 'Juego de Tronos', ha dejado unas cuantas revelaciones y ha preparado el terreno para la Gran Guerra entre los vivos y los muertos, también se ha dejado unas cuantas cosas en el tintero, y vamos a recopilar todas las que la octava temporada tiene que cerrar antes de que termine su último capítulo. Y no van a ser pocas. Ah, por supuesto, va a haber spoilers.

Aegon Targaryen, alias Jon Nieve

La cuestión más acuciante, la que tiene el potencial de cambiarlo todo en 'Juego de Tronos', es si Jon Nieve va a conocer su verdadera identidad. Bran y Sam coinciden en que debe saberlo, debe saber que su padre no fue Ned Stark y que no es un bastardo, sino que Rhaegar Targaryen y Lyanna Stark lo engendraron como hijo legítimo, con nombre de Aegon. Lo que complica varias cosas.

Por un lado, su enamoramiento de Daenerys, que en realidad es su tía. El incesto es muy común entre los Targaryen y en Poniente, pero aun así. Y por el otro, que al ser hijo legítimo de Rhaegar, hermano mayor de Dany y heredero al trono, está por delante de ella en la línea sucesoria. Si es que, para entonces, importa algo quién va a acabar sentado en el trono. Pero esta es una trama que la serie no puede ignorar en la octava temporada porque es una revelación lo suficientemente importante como para habérsela reservado hasta el final.

El destino del Trono de Hierro

Y hablando de líneas sucesorias al trono, ¿qué va a pasar con todos los juegos de poder, las traiciones, las alianzas y las guerras que se han emprendido por sentarse en el asiento más incómodo, pero más poderoso, de todo Poniente? ¿Tendrán un ganador, o todo ha sido un mero macguffin, algo que impulsara la trama mientras el Rey de la Noche y su ejército de muertos esperaban el momento para atacar?

En la serie se ha dado menos cancha a las profecías de lo George R.R. Martin hace en los libros, pero merece la pena recordar la visión que Daenerys tiene en la Casa de los Eternos de Qarth, en la segunda temporada; una visión de la Fortaleza Roja destruida y del Trono de Hierro cubierto por la nieve. Ella pasa de largo del trono al escuchar el llanto de un niño, su bebé no nato con Khal Drogo, a los que encuentra al otro lado del Muro. Y a los que también deja atrás para buscar a sus dragones.

Cleganebowl, el combate del siglo

El último capítulo de la séptima temporada nos dejó uno de los reencuentros más anticipados: el de Sandor "el Perro" Clegane y su hermano Gregor, la Montaña. O en lo que Qyburn haya convertido a la Montaña, que en los libros recibe el nombre de Ser Robert Strong. Los fans de esos libros llevan anticipando una última reunión entre ellos desde hace años, reunión que tiene que acabar en una pelea que ni el Thrilla in Manila de Ali y Frazier.

A ese combate se le conoce como Cleganebowl, y es una de las esperanzas que los seguidores más se resisten a abandonar. El Perro le asegura a su hermano que cuando vuelvan a verse, no se dedicarán a hablar, y parece una de esas subtramas que, aunque pequeñas, tienen que resolverse antes de que 'Juego de tronos' se acabe.

¿Qué va a pasar con Jaime Lannister?

Hasta que Jon y Daenerys decidieron que para qué desaprovechar la travesía en barco hasta Puerto Blanco, los únicos amantes incestuosos de la serie eran Jaime y Cersei Lannister. Y eso ha cambiado también. Tantas maniobras por la espalda y paranoias de la reina llevan a que Jaime acabe dándose cuenta de que Lady Olenna tenía razón (como siempre, por otro lado): Cersei será su perdición porque no es capaz de ver que, de verdad, se ha convertido en un monstruo.

Su decisión de marcharse sin llevar ningún emblema que delate que es un Lannister (hasta tapa con un guante su mano dorada) lo sitúa en una interesante encrucijada. Jaime pretendía honrar la promesa hecha a Jon y Daenerys (y a Tyrion) de ir al Norte a ayudar en la lucha contra los Caminantes Blancos, y da la sensación de que va a seguir haciéndolo aunque viaje él solo. ¿Qué rol cumplirá cuando llegue allí arriba? ¿Se retomará esa peculiar relación que siempre ha tenido con Brienne de Tarth? ¿Les contará lo que trama su hermana? Invernalia va a parecer la casa de Gran Hermano cuando todo el mundo se concentre allí.

Las preocupaciones de Tyrion

Que el Hielo y el Fuego de la historia acaben la temporada en la cama no va a traer más que problemas, y parece que Tyrion Lannister es bien consciente de ello. ¿Qué hacía espiando la puerta de Daenerys? ¿Qué va a hacer con esta información? Hay fans que sospechan que el pobre Tyrion ha caído presa de la maldición de Jorah Mormont, o lo que es lo mismo, que se ha enamorado de su reina sin esperanza de que esos sentimientos sean recíprocos.

¿Es así? Lo que va a ser interesante es ver cómo cambia su rol ahora que Daenerys va al norte a echar una mano, en lugar de conquistarlo. Y aún más interesante será ver su reencuentro con Sansa, que recordemos que fue brevemente su esposa en la cuarta temporada. Aunque el matrimonio no llegara a consumarse y el envenenamiento de Joffrey les obligara a partir en direcciones opuestas. Esos dos cerebros trabajando juntos sí que puede ser digno de verse.

El papel de las hermanas Stark

Con los esfuerzos en la guerra contra los muertos centrados en Invernalia, el papel que vayan a jugar los Stark supervivientes se antoja crucial para la última temporada. Especialmente en lo que respecta a Arya y Sansa, una vez han llegado a la conclusión de que, como decía su padre, el lobo solitario muere al llegar el invierno, pero la manada sobrevive.

Con la revelación de que Jon es un Targaryen legítimo, es Sansa la que por derecho debe gobernar Invernalia y, en todo caso, ser Reina en el Norte, lo que será una culminación muy notable de su evolución desde la primera temporada. ¿Y Arya? No se entrenó para ser una Asesina sin Rostro sólo para vengarse de Walder Frey y asustar a su hermana. ¿Cumplirá su propósito de matar a Cersei? ¿Jugará algún rol determinante en la lucha contra los muertos? Lo que está claro es que su arco dramático necesita una resolución.

¿Hasta dónde llega el poder de Bran?

La última temporada de la serie necesita trazar exactamente hasta dónde llega el poder de Bran como Cuervo de Tres Ojos. Puede verlo todo, pasado y presente, ocurriendo al mismo tiempo, pero está aprendiendo aún a manejar ese conocimiento. ¿Hará algo más que confirmar cosas que los espectadores ya sospechaban? ¿Tiene algún tipo de conexión con el Rey de la Noche? Éste puede verlo y tocarlo cuando Bran está teniendo una de sus visiones, así que eso tiene que ser importante.

Debe adoptar un rol más activo en los últimos capítulos. En teoría, su destino era convertirse en el Cuervo de Tres Ojos, y no olvidemos que, ya antes de serlo, poseía la capacidad de ser un cambiapieles, es decir, alguien capaz de "poseer" el cuerpo de animales y utilizarlos como si fueran una extensión del suyo. Lo hizo hasta con Hodor. Pobre Hodor. 'Juego de tronos' tiene que mostrarlo poner en práctica esas habilidades en la guerra definitiva.

La identidad de Azor Ahai

Ya que estamos en el terreno de visiones y profecías, el principio de la temporada nos trae de vuelta la de Azor Ahai, el príncipe, o princesa, que fue prometido, la persona llamada a acabar con la amenaza de la Larga Noche. Melisandre pensaba inicialmente que era Stannis; luego, tuvo un momento en el que creyó que podía ser Jon, y ahora opta por otra opción, la de Daenerys.

Al fin y al cabo, ella renació bajo una estrella roja (el cometa que apareció después de que saliera intacta de la pira funeraria de Drogo), y en medio del humo (la susodicha pira) y la sal (nació en medio de una tormenta en Rocadragón), despertó dragones de piedra y falta por saber si sacrificó a un ser querido para lograr una espada flamígera. ¿Cuenta la muerte del Khal? Azor Ahai es, teóricamente, la clave para ganar al Rey de la Noche. Pero hay más candidatos a ocupar ese puesto, sobre todo porque también se dice que es la canción de hielo y fuego personificada. ¿Puede ser Jon?

Theon Greyjoy, Euron y la Compañía Dorada

En medio de todo esto, los Greyjoy son el elemento más impredecible de cara a la octava temporada. Euron sigue trabajando para Cersei, navegando a Essos para recoger a los mercenarios de la Compañía Dorada, por lo que es de suponer que los veremos en acción en algún momento. Su historia parece que va a estar ligada a la de la reina Lannister, y es una de las que va a tener que resolverse de algún modo o integrarse en la acción principal. ¿Se toparán con el ejército de los muertos cuando lleguen a Desembarco del Rey?

Por otro lado, su sobrino Theon parece estar muy cerca de redimirse de su estrés postraumático y de su cobardía al enfrentarse a su tío. Parte hacia las Islas del hierro para rescatar a Yara, pero David Benioff y D.B. Weiss tiene que decidir si su relevancia se va a quedar en segundo plano, o si van a acudir en auxilio del norte.

El destino de Cersei

En cuanto a vestuario, nadie ha podido superar a Cersei esta temporada.

Ni un encuentro muy próximo con un zombi helado hace que Cersei olvide que su prioridad es su supervivencia, a ser posible, sentada en el Trono de Hierro, y pretende dejar que las huestes de sus enemigos sean diezmadas en la lucha en el norte para, después, poder derrotarlas con relativa facilidad. Su capacidad maquiavélica no descansa ni un solo momento, y aunque Jon Nieve le hubiera prometido neutralidad en la guerra por el trono, probablemente lo habría traicionado de todas maneras.

Pero sobre Cersei pende otra profecía que 'Juego de tronos' tiene que afrontar antes de su final: la que afirmaba que sólo tendría tres hijos, que los vería morir a todos y que moriría a manos del valonqar, es decir, del hermano pequeño. Es verdad que esta última parte sólo se menciona en los libros, pero ese detalle de cuantos hijos tendría puede determinar si Cersei perderá el bebé que espera. Y si será de los personajes que no vivirá para ver el final de la serie. Está demasiado segura de su poder, y los personajes de 'Juego de Tronos' que llegan a esa posición acaban cayendo.

¿Qué pretende el Rey de la Noche?

Ésta es la gran pregunta que debe mover la trama de la última temporada. Hasta ahora, el Rey de la Noche, sus Caminantes Blancos y su ejército de muertos parecían estar matando el tiempo más allá del Muro, simplemente engrosando sus filas y esperando el momento para entrar en Poniente. Ahora sabemos que estaban esperando a echarle el lazo a un dragón de hielo, o lo que es lo mismo, a uno de los "niños" de Daenerys resucitado, que era el ariete que necesitaba para derrumbar una parte del Muro y poder cruzarlo.

¿Pero a qué más aspira? ¿Hasta dónde llega su poder? ¿Pretende arrasar Poniente sin más? Quizás Bran y Sam ofrezcan más información sobre sus propósitos y la manera de vencerlo, pero tiene que haber algo más detrás del verdadero villano de la historia. la serie no ha contado demasiadas cosas sobre la Larga Noche y cómo los Primeros Hombres y los Hijos del Bosque derrotaron entonces a los muertos.

Sí, después de la bomba de este fin de semana, ahora toca recapacitar sobre lo que hemos vivido. Muchos vieron en el hilo de Manuel Bartual una buena historia. Para otros muchos, lo interesante no era la narración en sí, sino cómo había aprovechado la plataforma y las expectativas del usuario de redes sociales, rompiendo ese falso supuesto de que lo que exponen los demás en sus cuentas personales tiene que ser tan fiel a la realidad como lo que nosotros escribimos.

Aunque muchos no tardaron en tildar su obra de “revolucionaria” y de haber “descubierto un formato nuevo” una búsqueda rápida o un poco de memoria digital nos devuelve otras invenciones similares a la de Manuel Bartual: se llaman Juegos de Realidad Alternativa o ARGs en sus siglas en el original.

Es un concepto difuso, pero una síntesis prudente sería definir los ARGs como el bello arte del hoax, narraciones interactivas que parten del mundo real y que usan plataformas sociales para contar una historia que se ve afectada por la intervención de los participantes.

Tanto si quieres engancharte a historias tan alucinantes o más como la de MB como si tu idea es ir con ejemplos en la mano para dártelas de culto e intentar arruinarle la ilusión a los entusiastas de la última experiencia viral, te dejamos por aquí una lista de algunos ejemplos del uso de Internet para crear una ficción adictiva.

Porque sí, seamos sinceros, es bastante triste despreciar el hilo criticando que no se tratase de literatura a lo Moby Dick, pero sí hay margen para aclararle a los menos veteranos de Internet que el hilo no es una invención única, sino un hito más dentro de una corriente de creación que ha existido desde los orígenes de las redes sociales.

Diario de una mujer gorda, el nacimiento de la escritura digital fake

No había ADSL aún en muchos hogares y alguien se había aprovechado ya de las posibilidades del engaño en las primitivas redes sociales. El argentino Hernan Casciari fue el primero en crear una traición colectiva mediante el blog-diario de una cincuentona frustrada y consumida por su vida corriente. Seis meses después Casciari vio su personalidad agotada y tiempo después sus entradas se convirieton en el libro Más respeto que soy tu madre.

Palabras del escritor una década atrás: "[Hacer ficción en Internet] es más enriquecedor y más complicado. Tienes la presión de que los lectores están ahí, criticándote públicamente, tanto los inteligentes como los estúpidos, pero es un ejercicio fenomenal. La blogonovela va a funcionar como recipiente de género".

Lonelygirl15, descubriendo que hay chicas que nos mienten en la red

La madre de todos los falsos vlogs, el canal de una joven estudiante que mirando a cámara cual canal ordinario de youruber va revelando sus líos amorosos y su pasión por la religión y el ocultismo, volviéndose más y más turbio a medida que se publicaban más videos y aquello dejaba de parecer el relato confesional de una quinceañera cualquiera.

El misterio se resolvió a los tres meses de que empezara su canal, cuando el New York Times desveló que la chica que salía era una actriz neozelandesa a las órdenes de un guionista californiano que lo había preparado todo. Pero LG15 siguió funcionando durante dos años más, con altos índices de audiencia, varios foros de fans e incluso distintos canales para otros personajes protagonistas de la vida de Bree (Cassieiswatching, KateModern) ampliando así el Breeverso.

Marble Hornets, el nacimiento del creepypasta

Un estudiante de cine revisa las cintas de rodaje del proyecto fílmico fallido de un antiguo compañero de escuela. El conocido y director de esta peli casera iba volviéndose progresivamente paranoico, grabando más su vida que la propia película. En muchas de las entradas que iban apareciendo en este canal no pasa nada reseñable, pero entre las apariciones esporádicas de una extraña figura (que muchas veces ni los propios personajes parecían haber visto) y el juego de revelaciones y confesiones de distintos personajes por los que tú tendrías que unir los puntos del misterio, iba creciendo en ti el agobio.

Considerado por muchos el cénit del falso documental en Internet, Marble Hornets es sin duda uno de sus más importantes pioneros y precursores. También de la famosa figura de Slenderman, aunque el monstruo que aparecía aquí se llamaba en realidad El Operador. Fue además una serie que se llevó el reconocimiento de muchos por su excelente nivel de edición y creación de un ritmo perfecto para el misterio. Extra: era larguísima. Empezó en 2009 y las últimas entradas subidas son de 2014.

¿Y sabes cómo acababa la serie?

Todo está bien 🙂

— Manuel Bartual (@ManuelBartual) August 27, 2017

Bob’s Game, la broma que no cesa

Un chico cuenta en Internet que ya tiene completamente desarrollado un videojuego para DS, pero Nintendo no da el visto bueno para lanzarlo, con lo que pone a disposición de los usuarios de redes una demo. Al jugar descubres que el argumento del juego es un chico que está desarrollando un videojuego en el que la empresa Nintendo conspira para no lanzar el propio juego.

El chico, desesperado, acabó haciendo cosas como mostrar en un video cómo había destrozado su cuarto (luego se descubrió que simplemente había recolocado los muebles para que lo pareciera) o incluso había boicotear a Nintendo poniendo cajas vacías de Bob’s Game en los lineares de algunos supermercados (también mentira). La cosa se complicó tanto que el desarrollador volvió a aparecer en la red muchos años después con una versión para una nueva consola propia llamada nD.

Son muchas las noticias que se han publicado sobre este desarrollador, siempre girando en torno a su fracaso en el mundo del ocio electrónico. A día de hoy sigue sin ser distinguible si se trata de una una performance sobre el lastimero desamparo del desarrollador indie de videojuegos o si es más bien un patán con afán protagonista.

This House Has People in It, el mundo (interactivo) abierto

Hay poca capacidad de engaño en estas supuestas grabaciones legítimas, ya que el corto de más de 10 minutos está subido al famoso canal de entretenimiento de Adult Swin. Lo que lo hace especial es que se trata del transmedia más completo, interactivo y abierto a las interpretaciones personales de esta lista.

Para resolver el misterio de terror que se propone no es sólo necesario que estés atento a todos los detalles del clip (a veces una pista aparece sólo durante tres fotogramas); para saben bien qué ha pasado hay que trabajar fuera de Youtube e ir a la página web del vendedor de las videocámaras, “recuperar” nuestra contraseña del hogar y revolver en todos los videos, videojuegos y blogs disponibles desde los que aprender más sobre esa familia que murió en el acto.

Poppy, el ARG está plenamente asimilado por la industria

Lo más interesante de Poppy no es en absoluto desvelar las claves ocultas en su simbología, que es una que quiere vincular la faceta inocente del pop con el satanismo y los illuminati (eso mismo que llevan haciendo los conspiranóicos desde el nacimiento de 4chan).

No, la clave aquí es más bien ver cómo la propia industria discográfica (es un canal oficial de VEVO, su sello es Mad Decent, fundado por Diplo) reacciona ante el experimento de crear una estrella-fenómeno que lo tiene todo para convertirse en el nicho viral universal y perfecto.

Mientras colabora con MGMT publica en su videoblogs turbias apariciones donde se dedica, cual alienígena, a descubrir la experiencia de comer algodón de azúcar. Después de hacer un cover de una canción de Mac DeMarco se arranca por el ambient experimental creado con la ayuda de polisomnógrafos para hacer sonidos al estilo ASMR.

En sus apariciones públicas nunca se sale de su registro, una mezcla entre la personificación de Hatsune Miku y la extravagancia insincera de Lady Gaga, y en sus cinco años en activo ha generado toneladas de literatura transmedia que, a la vista de las reacciones de youtubers como PewDewPie o Kids React To, está funcionado. Poppy siempre, siempre, absolutamente siempre, está jugando con las claves propias de Internet.

Otras menciones honoríficas:

EveryManHybrid

Connect with I

A Gay Girl in Damascus

TribeTwelve

The West Records

¿Te imaginas qué pasaría si un año decides no seguir en tiempo real Juego de Tronos? Sé que es un pensamiento que causa bastante ansiedad a amigos míos. Les he visto alguna vez sufrir por comentarios de conocidos suyos de momentos del último capítulo. Hay gente que no da ni un margen de 24 horas para empezar a arruinarle fragmentos a los que no puedan ver la serie justo en ese momento, o dicho de otra forma, el que no corre vuela.

Ya no tienes por qué hacer la prueba, te basta con leer mi experiencia con la séptima temporada. Yo, que durante todos estos años he seguido la serie al día, he pasado de ser una de las personas de mi entorno con más información sobre la serie a convertirme en una paria social desconectada de las conversaciones de todos los lunes durante estos dos meses. La aguafiestas, la tía cargante que le pedía a los demás que se callaran cuando iniciaban un debate sobre esa cosa que le está pasando a Sansa o a Jon.

Pero ha tenido su parte útil: ahora al menos puedo decirte cómo se siente uno al otro lado y cuáles son las claves narrativas que se me han desvelado o sobre las que tengo bastantes sospechas de lo que ha pasado.

Típicas bromitas que circulan por Internet y que te hacen suponer cosas.

No he entrado a leer artículos, no he querido detener la vista en esos estados de amigos en Facebook cuando leía palabras del mundo de Poniente, y hacía rápidamente scroll en Twitter cuando intuía que estaban hablando del tema. Como única condición que me puse fue la de no silenciar términos de Juego de Tronos. Necesitaba saber cuánto volumen de ruido causa en mi entorno la conversación sobre la serie de Benioff y Weiss. Y ya puedo decirlo: se habla muchísimo de la serie, y de forma más explícita a medida que avanzan los capítulos y los spoilers se volvían más cruciales. Si antes no me daba cuenta será probablemente porque estaba dentro de ese círculo de conocimiento.

De nuevo, este es un artículo hecho a tientas. Una invención fabricada a partir de la extracción de las medias verdades que he intuido por lo que mis contactos iban insinuando aquí y allí. Es decir, como ya conocía qué había pasado previamente en este universo, iba uniendo las frases descontextualizadas ojeadas estos meses y las he enmarañado hasta crear cosas plausibles, así que tiene que ser gracioso ver en qué he acertado y en qué me estoy equivocando. Pon lo que quieras en los comentarios de este artículo porque no pienso leerlos.

Allá va mi hipótesis de qué ha pasado este año en GoT:

Se han cargado a Meñique

He visto ya demasiada gente feliz o triste después del último capítulo de la serie plantando una imagen en la que sólo sale este personaje. Así que felicidades, Sansa. Supongo.

Está desaparecido el hombre pelirrojo este de los salvajes

No sé a quién se lo he visto, pero dijo algo como “recordad que no le hemos visto morir”, así que le ha pasado algo grave pero puede volver, como hizo El Perro.

Jon y Daenerys se han liado y Daenerys es la jefa de la pareja

Les he visto en imágenes de la serie en el mismo lugar. Eso, sumado a los artículos sobre la conexión Stark-Targarian, a comentarios que sacan a relucir el tema del incesto y a la imagen del tremendo culazo de Jon Nieve me hace creer que están juntos. También vi un meme en el que Jon debía inclinar la rodilla ante Daenerys, así que supongo que ella lleva la batuta, lo cual también es lógico debido al carácter de la Khaleesi.

Jon Nieve debe haber viajado a la velocidad de la luz

Porque me imagino que es él el que ha ido a Meereen. Como se ha comentado mucho que los personajes ya no se trasladan de una forma coherente con los tiempos a los que nos tenían acostumbrados, los cuervos parece que van mejor que el email y algunas fotos en las que veo a Jon son de un tono anaranjado supongo que los tiros irán por ahí.

¿Jamie se ha quedado sin la otra mano?

He visto varias capturas de una mano chamuscada para los últimos episodios y tiene pinta de ser la típica broma macabra de la serie: mejor dejar a alguien completamente manco que dos disminuidos parciales.

Creo que Cersei está contra las cuerdas

Alguien dijo algo como “es la primera vez que veo a Cersei abandonar la mueca de serenidad”. También he visto un gif de ella caminando hacia la cámara con cara de horror, así que algo hay.

Bran ha estado controlando a el Rey de la Noche

Por lo que he leído no puedo respaldar demasiado esta afirmación, pero creo que Bran se ha metido en la cabeza de uno de estos espectros o de un animal, y también he leído algo así como que los poderes mentales de Bran entraron en acción para salvar a los suyos en el último minuto. La imagen del Rey de la Noche replegando a sus tropas en la batalla final podría estar muy bien.

¿Tyrion también está emparentado con Jon y Daenerys?

Mis ojos vieron de pasada el titular de una noticia como “esta mirada de Tyrion podría estar cargada de pensamientos incestuosos”. También otros han dicho que Tyrion debe estar enamorado en secreto de Daenerys. Así que no sé, igual todos los personajes importantes que quedan ahora disputándose el trono son primos hermanos. No me extrañaría.

No me he comido el spoiler más gordo de la temporada

O eso es lo que me han dicho mis amigos. Si spoiler suele ir unido a muerte de un personaje querido... ¿Quién nos ha abandonado? No pongo la mano en el fuego por nadie. Sólo espero que no haya sido Cersei.

Este verano ha sido un verdadero drama para los grandes blockbusters de Hollywood. La taquilla en Estados Unidos ha caído un 16% con respecto al año pasado, y aunque los ingresos internacionales hayan subido un 3%, es el peor verano para los estudios en una década. ¿La culpa? De las secuelas que han dominado las carteleras, y a las que el público no ha prestado demasiada atención.

'Wonder Woman', 'Guardianes de la Galaxia 2' y 'Spider-Man: Homecoming' pueden haber sido los éxitos de estos meses estivales (que para Hollywood empiezan a contar ya en mayo), pero su buen funcionamiento en taquilla y sus, en general, buenas críticas no pueden ocultar que el verano de estrenos ha sido desastroso. Éstos han sido los 9 mayores bluffs, los batacazos más notables de una temporada para olvidar.

Bonus extra: 'Death Note'

Valoración en Rotten Tomatoes: 42%
Crítica en Espinof.

'Death Note', adaptación en imagen real del popular anime, es un caso especial porque es una producción de Netflix y, por lo tanto, no se ha estrenado en cines, sino directamente en la plataforma de streaming. Ésta no revela las cifras de visionados de sus productos, pero las críticas a la cinta de Adam Wingard han sido devastadoras. La puntuación de los usuarios de Metacritic es de 3,3, por cierto, y entre las lindezas que se han dicho de ella figura que es una "completa bancarrota creativa".

Ya hubo polémica cuando se anunció el proyecto por contratar a actores caucásicos y trasladar la acción de Japón a Seattle, y el producto ya terminado no ha convencido a los fans del manga y del anime, y no parece haber picado la curiosidad de quienes no lo eran de antes. O eso hay que suponer por la conversación en redes sociales porque, como decimos, no hay modo de saber cuánta gente la ha visto en Netflix.

9. 'Valerian y la Ciudad de los Mil Planetas'

Valoración en Rotten Tomatoes: 51%
Taquilla en EE.UU.: 40 millones de dólares.
Taquilla internacional: 133 millones.
Presupuesto: 177 millones.
Crítica en Espinof

Luc Besson regresaba a los terrenos de 'El quinto elemento' con una adaptación de un cómic francés de ciencia ficción, pero la jugada le ha salido mal. Al menos, en taquilla, porque es la película con mejor opinión crítica de la lista, pero también es uno de los mayores fracasos del verano. Era de las pocas historias que no continuaban una franquicia y, además, Besson la había producido de manera independiente, por lo que el batacazo aún se va a sentir más.

'Valerian y la Ciudad de los Mil Planetas' es una space opera todo lo espectacular e imaginativa que el director francés puede conseguir, pero tal vez tener como protagonistas a dos semidesconocidos como Dane DeHaan y Cara Delevigne, a la que su fama como modelo no se ha traducido en éxitos cinematográficos, tampoco le ayudó.

8. 'Una noche fuera de control'

Valoración en Rotten Tomatoes: 46%
Taquilla en EE.UU.: 22 millones de dólares.
Taquilla internacional: 24 millones.
Presupuesto: 20 millones.
Crítica en Espinof

El estío tampoco ha sido benévolo con las comedias calificadas R en Estados Unidos, las que son más explícitas en su lenguaje o con los gags relacionados con el sexo. 'Rough Night', que es el título original de esta película, ha sido una de las peor paradas porque ni en Estados Unidos ni fuera ha logrado convencer al público, al que probablemente no le apetece ver más comedias gamberras ambientadas en despedidas de soltero/a.

Ni tener a Scarlett Johansson como protagonista, ni rodearla de actrices cómicas al alza como Kate McKinnon e Ilana Glazer ha servido para hacerla destacar. No todas las comedias deslenguadas protagonizadas por mujeres van a ser automáticamente 'Bridesmaids', y que ésta recordara a 'Very bad things' o 'Este muerto está muy vivo' no era ningún punto a su favor.

7. 'Piratas del Caribe: La venganza de Salazar'

Valoración en Rotten Tomatoes: 30%
Taquilla en EE.UU.: 172 millones de dólares.
Taquilla internacional: 620 millones.
Presupuesto: 230 millones.
Crítica en Espinof

Viendo las cifras, puede parecer que la quinta entrega de 'Piratas del Caribe' no merece estar en esta lista de fracasos del verano. Los ingresos internacionales están ayudando a maquillar muchos batacazos de las grandes producciones de Hollywood, pero el hecho es que, en casa, la cinta ni siquiera ha recaudado lo mismo que costó. Y con cada nueva entrega de esta saga, las críticas también son peores.

Ese 78% de su taquilla proveniente de fuera de Estados Unidos es lo que puede motivar a Disney a seguir exprimiendo esta saga hasta que Johnny Depp tenga que interpretar a Jack Sparrow por holograma, pero no parece que, creativamente, haya mucha más vida en ella. 'La venganza de Salazar' es la que ha tenido peores críticas de las cinco. De hecho, sólo la primera consiguió convencer a la prensa.

6. 'Rey Arturo: La leyenda de Excalibur'

Valoración en Rotten Tomatoes: 28%
Taquilla en EE.UU.: 39 millones de dólares.
Taquilla internacional: 107 millones.
Presupuesto: 175 millones.
Crítica en Espinof

Que Guy Ritchie quisiera contar de nuevo la historia del rey Arturo ya sonaba un poco desconcertante, como mínimo, y las sensaciones se confirmaron cuando se estrenó la película. Sólo con ver los pósters y las imágenes promocionales de Charlie Hunnam como Arturo, parecía que estaba en una versión medieval de su serie 'Sons of Anarchy'.

'Rey Arturo' ha sido de los estrenos que iniciaron su andadura en taquilla en mayo que más han decepcionado, estando de momento el 44º en al lista de las películas con más recaudación en lo que llevamos de año. Imprimir acción videoclipera no parece haber sido la mejor idea para revivir el ciclo artúrico en pantalla grande.

5. 'Baywatch: Los vigilantes de la playa'

Valoración en Rotten Tomatoes: 19%
Taquilla en EE.UU.: 58 millones de dólares.
Taquilla internacional: 120 millones.
Presupuesto: 69 millones.
Crítica en Espinof

Los remakes de series de televisión viejas pasados por el lado de la autoparodia no acaban de atraer la atención de los espectadores de cine, por mucho que Hollywood se empeñe en producirlos. 'Los vigilantes de la playa', para empezar, fue más un éxito fuera de Estados Unidos que allí, y su película ha reproducido el mismo comportamiento. Ni Dwayne Johnson ha sido capaz de hacerla destacar en medio del resto de ofertas estivales.

Es otra que, en la taquilla doméstica, se ha quedado por debajo de lo que costó producirla, y ni siquiera un estreno próximo al Memorial Day, a finales de mayo (un fin de semana tradicionalmente bueno para los blockbusters) la ha salvado. Quizás era demasiado autoconsciente para que los fans de la serie original pudieran disfrutarla. Quizás las comedias con protagonistas demasiado estúpidos no sean tan fáciles de hacer bien.

4. 'La momia'

Valoración en Rotten Tomatoes: 16%
Taquilla en EE.UU.: 80 millones de dólares.
Taquilla internacional: 328 millones.
Presupuesto: 125 millones.
Crítica en Espinof

La recaudación fuera de Estados Unidos es lo que va a salvar los muebles para Universal con esta nueva versión de 'La momia' que, teóricamente, debería lanzar su propio universo a lo Marvel, pero con sus monstruos clásicos del terror. Tom Cruise ya no tiene el tirón de antes cuando no hace nuevas entregas de 'Misión imposible', y el batacazo doméstico ha dejado al estudio pensándose cómo seguir adelante con sus planes.

Ésta ha sido, además, la segunda de las películas veraniegas en las que hemos visto a la actriz Sofia Boutella, a la que le ha ido un poquito mejor con 'Atómica', el thriller de acción con Charlize Theron. Su taquilla ha sido flojita (menos de 50 millones en Estados Unidos; costó unos treinta), pero en Rotten Tomatoes tenía un 75% de valoración.

3. 'La torre oscura'

Valoración en Rotten Tomatoes: 16%
Taquilla en EE.UU.: 46 millones de dólares.
Taquilla internacional: 43 millones.
Presupuesto: 60 millones.
Crítica en Espinof

Ni Matthew McConaughey ni Idris Elba han podido salvar esta película que, en teoría, tiene que ser sólo la primera etapa en una ambiciosa adaptación de la saga de 'La torre oscura', de Stephen King, que continúe también en una serie de televisión. Pero "cutre" puede ser el adjetivo menos sangrante que se le ha colocado al filme, que ha decepcionado a los fans del escritor que llevaban años esperando a que este proyecto se pusiera en pie.

Ni siquiera la taquilla internacional apunta a poder arreglar el fracaso, pues anda más o menos a la par que estadounidense. Es la 33º película en recaudación en estos primeros ocho meses del año, un puesto que no podrá mantener en cuanto se estrenen los blockbusters de Acción de Gracias y la temporada navideña. 'La torre oscura' ha sido uno de los tropiezos más destacados del año, pero no el que más.

2. 'Transformers: El último caballero'

Valoración en Rotten Tomatoes: 15%
Taquilla en EE.UU.: 130 millones de dólares.
Taquilla internacional: 473 millones.
Presupuesto: 217 millones.
Crítica en Espinof

¿Cómo puede una película que ha recaudado 600 millones de dólares en total considerarse un fracaso? Comparativamente, se queda muy corta de los 1.000 millones que recaudaron las anteriores secuelas de 'Transformers' y sobre el rendimiento de esta quinta parte descansan las opciones de Paramount de producir un spin-off, 'Bumblebee'. Además, cuando el estudio se ha gastado más de 200 millones en producirla (y no sabemos cuánto más en promocionarla), los márgenes de beneficios empiezan a ajustarse mucho.

Además, claro, de que ha sido una de las películas con peores críticas del verano, y que Michael Bay se ha ganado a una legión de detractores muy ruidosa con cada una de sus nuevas secuelas de 'Transformers'. Eso sí, en China ha hecho casi 230 millones de dólares (la mitad de toda la recaudación internacional), así que no hemos visto aún lo último de los robots-coches.

1. 'Emoji: La película'

Valoración en Rotten Tomatoes: 8%
Taquilla en EE.UU.: 78 millones de dólares.
Taquilla internacional: 68 millones.
Presupuesto: 50 millones.

La campeona en cuanto a lo peor del verano en Hollywood es la película de los emoticonos, o emojis, los simbolitos que utilizamos para complementar nuestras comunicaciones por WhatsApp o por redes sociales. Alguien pensó que si se había hecho una película del juego Hundir la Flota ('Battleship', un fracaso) y de World of Warcraft (que se salvó por la taquilla china), ¿por qué no iba a funcionar una sobre los emoticonos si, además, ponías a Patrick Stewart a dar voz al de la caca con ojos?

No ha funcionado. La taquilla ha sido flojita, aunque conseguirán recuperar la inversión, y las críticas han sido demoledoras. The Guardian la calificó de "el fin de la civilización occidental tal y como la conocemos", y otros críticos decían que "es tan mala, que nos ha hecho gritarle a la gente por la calle". Esos mismos apuntaban que "la cínica y vaga ignorancia de esta película es descorazonadora". Ay.

Los éxitos del verano

Para que no todo sea lo peor, éstas han sido las cinco películas más taquilleras del verano. Algunas, hasta han tenido buenas críticas.

1. 'Gru 3': 976 millones globales (61% en Rotten Tomatoes)
2. 'Guardianes de la Galaxia. Vol. 2': 863 millones globales (81% en Rotten Tomatoes)
3. 'Wonder Woman': 806 millones globales (92% en Rotten Tomatoes)
4. 'Spider-Man Homecoming': 738 millones globales (92% en Rotten Tomatoes)
5. 'Dunkerque': 414 millones globales (93% en Rotten Tomatoes).

Imagen | Gtres

Los niños y el terror son una idea que ha sido explotada infinidad de veces, por ello muchas de las historias de terror más exitosas cuentan con la participación de algún elemento infantil. Pero cuando el niño es el protagonista de esta historia de horror entonces tenemos casi siempre un combo ganador.

Lo que veremos en esta ocasión se trata de una mezcla de elementos que han probado ser aterradores como el caso del famoso payaso Pennywise de 'It', una de las obras más importantes de Stephen King, la cual saltó a la fama gracias a aquella miniserie de 1990 y que está por estrenar una nueva película este 2017, que por cierto ha recibido muy buenos comentarios. Se trata de una serie fotográfica realizada por un joven de 17 años a su hermano de sólo 3, donde éste último ha sido disfrazado del mismísimo payaso Pennywise.

El pequeño payaso protagonista de nuestras pesadillas

Eagan Tilghman es un joven fotógrafo de Mississippi quien decidió un día disfrazar a su hermano Louie del famoso payaso de 'It'. Todos los elementos del disfraz, como el vestuario y maquillaje, fueron fabricados por el mismo Eagan, ya que el objetivo era que fuera lo más real posible, e incluso provocara terror como el payaso original.

En total hizo dos sesiones de fotos, una con el atuendo del Pennywise de 1990 y otra con el aspecto que tendrá en la nueva película, en ambos casos el resultado ha sido más que destacable. Sin embargo, las opiniones generalizadas en internet van en torno a que Louie luce realmente aterrador bajo el nuevo atuendo.

Hace unos días Eagan decidió subir las fotos a Facebook, lo que no esperaba es que se compartieran por todo el mundo y se hicieran virales, lo que provocó que Andy Muschietti, director de la nueva película de 'It', se pasara por una de las fotos para dejar un 'like' como seña de aprobación.

Según explica Eagan, todo empezó porque su otro hermano, Hosea de cuatro años, pidió que lo maquillará de Joker para sacarle unas fotos, lo que derivó en disfrazar al pequeño Louie de Pennywise. Además, esta no es la primera vez que Eagan disfraza a unos de sus hermanos para crear una original sesión fotográfica, pero sí es la más exitosa ya que aparece en el momento justo de cuando la película está por estrenarse.

@TheEllenShow #getlouieonellen #louiegoesviral since Louie's going viral as we speak, please retweet to get us on the Ellen show. pic.twitter.com/K4OwZT8WrT

— Eagan tilghman (@eag2n) 29 de agosto de 2017

Ahora que las fotos de Eagan y Louie están por todo el mundo, el joven de 17 años quiere aprovechar para exponer su trabajo y llamar la atencion de Ellen DeGeneres, ya que busca ser invitado a su show para ganar un poco de fama e incluso conocer a Stephen King.

Eagan Tilghman | Instagram | Facebook | Twitter

Desde niño Mel Brooks entendió que la comedia iba a ser una tabla de salvación. Nació en el barrio de Brooklyn en 1926. Sus padres, Max y Kate Kaminsky, provenían de familias de emigrantes europeos (polaco-alemanes y ucranianos) que habían sobrevivido al rechazo, el hambre, la miseria y los pogromos zaristas (matanzas indiscriminadas de judíos del régimen monárquico ruso, perfeccionadas luego por el temido servicio secreto, la Ojranka).

Cuando solo tenía dos años su padre murió de cáncer y sus tres hermanos y su madre comenzaron un recorrido impreciso de hogar en hogar de diversos familiares que les llevaron a residir en diversas zonas de Nueva York como Connie Island o el Bronk hasta establecerse definitivamente en Williamsburg, otro barrio de Brooklyn. Un barrio de Tenements, de bloques de pisos baratos.

Un chiste ahorra un puñetazo en la cara

Mel era bajito, un poco feo y débil. Dice que siempre estaba enfadado porque había decidido darle la espalda a dios después de que este se hubiera llevado a su padre. Algo de esa amargura sería compartida luego por otro artista judío, el dibujante Will Eisner, en su 'Contrato con Dios'; para hacerse una idea de cómo fue el escenario de la infancia de estos dos genios podéis echarle un vistazo.

Ni que decir tiene que sufrió acoso escolar y callejero, que recibió insultos y palizas hasta que descubrió que ser gracioso le hacía ganar puntos frente a los matones que lo adoptaron como una mascota. Si se preguntan sobre por qué Mel Brooks admiraba tanto a Richard Pryor (coguionista de “Sillas de montar calientes” y primera elección como protagonista de la película si no fuera porque Pryor, en aquella época, le daba demasiado a todo) encontrarán en ese acoso que sufrieron de niños el punto de encuentro entre ambos: el cómico afroamericano sobrevivió a su infancia porque, como Mel, le resultaba muy divertido a los matones que, de otro modo, les hubieran matado a palos. Fue su tío Joe el que le descubrió el secreto de la comedia: lo llevaba a ver obras a Broadway:

“Gran parte de mi comedia proviene de la ira y la discordia. En Williamsburg aprendí a hacerme el cómico para ahorrarme problemas, como un puñetazo en la cara”

Un ingeniero de combate lleno de humor negro

Decidido a dedicarse al espectáculo Mel comienza a recibir clases como baterista de Buddy Rich, considerado uno de los mejores del mundo del jazz, y hace sus primeros pinitos y gana sus primeros sueldos cuando solo tiene 14 años. Pero la música no da dinero y, mientras tanto, va sacándose sus estudios y culmina los mismos con una licenciatura de psicología. Corre el año 1943 y el mundo se desangra en la II Guerra Mundial. Como muchos otros jóvenes Brooks (todavía apellidado Kaminsky) es llamado a filas.

En el examen previo descubren que es demasiado inteligente para ser un recluta más y recibe formación militar en el Programa de Entrenamiento Especializado cuyo objetivo es formar técnicos y futuros oficiales. El programa es cancelado solo doce semanas después de que él sea alistado en el mismo porque el ejército necesita de todos los hombres disponibles para acabar con Hitler. Es así como Mel termina su entrenamiento en el Campo de Entrenamiento de Virginia donde recibe preparación básica y nociones de ingeniería militar para acabar siendo destinado a Alemania junto a 104 Cuerpo de Ingenieros. “Me alistaron como ingeniero de combate, ¿no es ridículo? No hay dos cosas que odie más que la ingeniería y pelearme”, dijo.

La carrera militar de Brooks, sin embargo, regala un peso extra de ironía a sus palabras porque se convierte en una pieza más que valiosa para su propio batallón. Su hijo, Max Brooks, cuenta que las anécdotas familiares están repletas de narraciones de su padre sobre la guerra. Todas llenas de humor negro como las que giraban alrededor de las minas antipersonas que los soldados nazis iban escondiendo en sitios tan insospechados como armas abandonadas en el camino, sillas o retretes. “Mi padre nos contaba que llegó a una granja y que alguien usó el baño, saltó por los aires porque habían dejado una mina atada a la cadena del wáter”.

La única solución posible en la peor batalla del mundo era la risa

El trabajo de Brooks consiste en calcular, sobre el terreno, las trayectorias de la artillería aliada y la de ir por delante del grueso de la tropa desactivando minas. Un trabajo peligroso. Mucho más cuando ese trabajo se desarrolla en la llamada Batalla de las Ardenas, una de las campañas más sangrientas y desalentadoras de la II Guerra Mundial. “Muchos hombres cumplieron con su deber y perdieron la vida allí” contaba Mel. Frente a ellos el grueso de la artillería alemana y 250.000 hombres desesperados que intentan contener el avance de la tropas aliadas entre la nieve y el frío. Se cumple el peor presagio: el ejército nazi estabiliza el frente y, como en la I Guerra Mundial, hay que jugar la baza de las escaramuzas.

Representación de 'Los productores', una sátira sobre Broadway que ridiculiza a Hitler.

Mel trabaja con los francotiradores, en medio de las trincheras excavadas deprisa y corriendo en el suelo helado. Comienza la otra guerra, la guerra de desgaste, la de la propaganda. Los aliados comienzan a “bombardear” el frente alemán y a la población civil con pasquines donde se les informa de que han perdido la guerra, de que no apoyen a su ejército, de que la resistencia solo retrasará levemente la victoria aliada y que la rendición ahorrará bajas y sufrimiento.

Los alemanes, por su parte, llenan las trincheras de altavoces que escupen propaganda nazi e invitan a los soldados americanos e ingleses a retirarse o a unirse a ellos. La guerra de nervios es evidente y la ansiedad se ceba con el bando aliado que se encuentra en ese cuello de botella de Las Ardenas después de la desastrosa Operación Market Garden dirigida por el General Montgomery y que ha resultado una sangría innecesaria. La victoria no llega, la gente comienza a enfermar debido al frío y a la escasez de víveres y medicamentos que llegan con cuentagotas.

Entonces, Mel Brooks cree encontrar la solución. Comienza a contrarrestar la propaganda nazi con imitaciones propias del cantante judío Al Jolson –protagonista de 'El cantor de Jazz', primera película sonora de la historia-. La cosa tiene éxito y amplía su repertorio con todas las voces posibles, chistes y otras imitaciones de personajes famosos de la época. El talento del cómico en ciernes se hace famoso y todos los días entrega un poco de su talento para que no decaiga el ánimo de sus compañeros. Su imitación más apreciada: Adolf Hitler.

Cuando a tu familia le resultan raras tantas bromas sobre Hitler

Brooks no es el primero en reírse del dictador alemán. Ha visto a Lubitsch hacerlo en su película 'Ser o no ser' (dirigiría años más tarde una versión propia del clásico titulada en España como 'Soy o no soy'), los cortos de los cómicos 'The three stooges' y las piezas animadas de Bugs Bunny donde se parodiaba o se satirizaba con el personaje. El mérito de Mel Brooks es que lo hace en el mismo frente de batalla.

Hitler se convierte en una obsesión para el cómico norteamericano cuando se descubren los campos de concentración. Pese a lo que se piensa, Brooks no tuvo contacto directo con operaciones de liberación de los campos pero sí ve a algunos de los prisioneros liberados en su camino hacia Berlín donde pasaría ocho meses más después de la finalización de la guerra. La imagen de las filas de prisioneros famélicos y perdidos por las carreteras de la Alemania liberada producen en él un profundo efecto.

“Solo hay una manera de estar en paz y es ridiculizarlo” dijo “ Este ha sido el objetivo principal de mi trabajo, conseguir que todo el mundo se ría de Adolf Hitler.

Su hijo, Max, dice que, incluso, las bromas de su padre con respecto a Hitler han llegado a ser objeto de controversia dentro de la propia familia: “Hacía imitaciones de Hitler delante de sus nietos. Yo le decía que quizás eran demasiado jóvenes. Es imposible ver el Canal Historia en casa y que, cuando sale Hitler, uno de sus nietos ni diga: “Mira papá, el abuelo está en la tele”.

El objetivo de Mel Brooks se ve cumplido con creces cuando uno hecha un vistazo a su legado, a su gran trabajo dentro de la parodia y la sátira y la forma en la que ha abierto camino para que comprendamos la capacidad que tiene la comedia para curarnos, incluso para entender la historia. “Todas mis películas son muy serias porque representan las reacciones humanas en un momento preciso de la historia”.

La comedia como venganza y medio de desmitificar el Mal

Max, hijo de Mel Brooks y Anne Bancroft, es un escritor de éxito, autor de 'Guerra Mundial Z'.

Mel Brooks regresa a los Estados Unidos, abandona el nombre de Mel Kaminsky por el nombre con el que sería conocido por todo el mundo y comienza a actuar en la zona de los Catskills, el lugar de peregrinaje de la comunidad judía de la costa Este de los Estados Unidos, en el norte del estado de NY. El lugar recibe popularmente el nombre de “Los Alpes judíos” o “El cinturón del Borscht” (en referencia a la sopa más famosa del este de Europa que es donde proviene la inmigración judía). No abandona a su personaje parodiable preferido, Adolf. “Es una venganza” dice “aunque soy consciente de que nadie puede tomarse la venganza por seis millones de asesinatos. Pero la comedia es un medio para quitarle a Hitler de forma póstuma su poder y desmitificarlo”.

Mel pone a Hitler en su lugar y nos enseña que el camino de la risa es un camino que cura, que hace comprender el horror y que sirve para bajarle los humos a los malvados. No sin polémica. En 1967, cuando estrena 'Los productores', muchos judíos le hacen llegar al artista su desagrado por la película en la que Gene Wilder y Zero Mostel interpretan a dos timadores que quieren ganar dinero produciendo 'Primavera para Hitler', un musical que ensalza al personaje. “Me dijeron que cómo podía hacer bromas con Hitler teniendo en cuenta el Holocausto pero 'Los Productores' no tiene ni una broma sobre el Holocausto o sobre los campos de concentración”.

¿Y los límites del humor?

Polémicas fueron también sus declaraciones en contra de “La vida es bella”, la película de Roberto Benigni. A Mel no le gustó:

“No entiendo por qué a Roberto se le ha ocurrido hacer una comedia dentro de un campo de concentración, una película que viene a decir que el ser humano puede resistirlo todo y no, no es así, el ser humano no puede resistir un campo de concentración”.

Incluso llegó a hablar de límites personales sobre lo que a él, sin espíritu censor, le parecía lícito o de buen gusto. “Cuando hice 'Sillas de montar calientes' usé la palabra “nigger” muchísimo pero nunca se me ocurrió plantear bromas sobre linchar a un negro. La comedia brotaba cuando veías al personaje afroamericano escaparse de la posibilidad de un linchamiento”.

A día de hoy se considera a 'Sillas de montar calientes' como una de las mejores sátiras rodadas sobre los problemas raciales en los Estados Unidos y, claro está, una de las inspiraciones de “Déjame salir”, la aclamada película de Jordan Peele que ha batido records de taquilla tratando el mismo tema. Otros cómicos judíos, como Sarah Silverman, no han tenido empacho en seguir la senda de Brooks e incorporar chistes sobre Hitler en sus monólogos.

El rap de Hitler, que algún talento tendría

Mel Brooks ha rodado números musicales gloriosos con toda la estrafalaria y tétrica imaginería nazi como el número musical central de 'Los productores' ('Springtime for Hitler') o, incluso, compuso el 'Hitler´s Rap'. Una canción para un videoclip de promoción de su versión de 'Ser o no ser' estrenada en 1983 y que estuvo nominada en los Brit Awards. Sus imitaciones del personaje han sido mítica y se han multiplicado durante toda su carrera con el único objetivo de ridiculizar a uno de los mayores genocidas de la historia contemporánea. La risa es algo que no te pueden quitar, que es un arma poderosa, que hace que seamos incapaces de no acordarnos de Mel o de Charles Chaplin cada vez que vemos una imagen de Adolf.

Mel, incluso, opina que Hitler tendría algún talento cuando consiguió arrastrar hacia su bando a millones de personas. La risa, a veces, es nuestra única defensa contra la maldad, nos añade el punto crítico necesario para detectar el engaño antes de que este sea más fuerte que nosotros.

Podemos pensar que es un hecho contradictorio que algo que produce placer (y la risa está en el Top 3 de las cosas que producen más placer) sirva como arma pero, piénsenlo bien, nada resulta más contradictorio que el hecho de que el Rey indiscutible de la sátira fuera un héroe de guerra y, por si fuera poco, en los 80 produjera 'El hombre elefante' y se empeñara en contratar a David Lynch para hacerla oliéndose que era el tipo idóneo para el cargo pese a que, en un primer momento, desconfiara de él porque se parecía a Charles Lindberg y le parecía que hablaba y se vestía como un chalado del medio oeste.

Imagen | Greg2600, David Lisbona, Gage Skidmore,

Dunkerque, la película de Christopher Nolan, ha levantado sospechas recientemente sobre cómo se ignora el papel de la India en los méritos de la guerra: en la película no hay ni soldados indios ni referencias a su papel en la guerra. Pero incluso en la India, el papel del país en el conflicto tiende a ser eclipsado por lo que pasó durante el movimiento de independencia del país, un hecho que coincidió con los años de la Segunda Guerra Mundial.

Si nos paramos a reflexionar sobre cómo se ha reinterpretado la guerra en las diferentes culturas, es importante hablar de cómo la industria cinematográfica de la India respondió a la guerra y la forma en la que filtró sus historias a través del prisma del cine.

Tal y como se escribía en un editorial de la edición de diciembre de 1941 de la revista semanal de cine indio The Mirror, la industria cinematográfica del país tenía una “obligación moral en estos momentos cruciales” para “entretener a un pueblo que está decidido a seguir adelante".

El periodismo cinematográfico indio no creyó conveniente esconder a sus lectores las noticias de la guerra y consideraba que informar sobre la guerra era una obligación moral mientras a su vez seguía informando sobre la industria del cine indio y la de Hollywood.

La propaganda del pueblo

Una imagen a página completa en la revista de cine Picturpost en 1945 con el título “Nuestra Guerra” y que representa civiles indios de ambos sexos marchando detrás de un soldado proclamaba que: “cuando los gángsters nazis soltaron su maquinaria de guerra contra el mundo, la India luchó con orgullo contra dicha agresión”. También recordaba a los lectores que, a pesar de que los nazis se hubieran rendido, la guerra no había terminado hasta que no cesaran las hostilidades con Japón.

El mensaje de solidaridad de la India con China y con los aliados contra la invasión japonesa es obvio en la película Dr Kotnis Ki Amar Kahani, dirigida por el incondicional de la industria V Shantaram. La película describe las experiencias de la vida real de cinco médicos indios que se ofrecieron para ir a China como parte de la misión médica durante la invasión japonesa. Shantaram también actuó en la película en el papel de Dr. Dwarakanath Kotnis, todavía considerado como un héroe de guerra en China a día de hoy.

El cartel de la película, diseñado por el renombrado artista indio SM Pandit representa al Buda, sereno y quieto, de pie en medio de la quema de los restos de la guerra. Esta imagen es una representación de la eterna esperanza y sirve como recordatorio de los lazos culturales históricos entre China y la India.

La película se refiere a la misión médica como “la obligación de la India de ayudar a nuestro vecino” y representa la resistencia como un esfuerzo de colaboración que sólo podía tener éxito con la unidad de los indios: desde el agricultor que trabaja en el campo al médico en el frente en calidad de voluntario. Un mensaje que tenía un paralelismo claro con el movimiento nacionalista contra los británicos.

La guerra y el movimiento de independencia

La División de Películas del gobierno británico encargó un corto propagandístico de cinco minutos titulado Face of India en 1942 para realzar los esfuerzos bélicos de los aliados y el papel de la India en la guerra, fortaleciendo a su vez la imagen positiva del imperio.

Los archivos nacionales de Kew, Londres, tienen registros de las múltiples versiones del guión redactado por el documentalista y productor británico Alexander Shaw (que también estuvo al frente de Consejo Asesor de Cine de la India) a quién se le encargaron funciones propagandísticas en la India.

La correspondencia entre los funcionarios del Ministerio de Información, la División de Películas y la Oficina de la India revelan que no se pudo lograr un consenso sobre cómo la película podría defender el papel la India en la guerra sin abordar el creciente movimiento de desobediencia civil contra los británicos en la India. Al final, la película se dejó de lado por temor a que si se destacaba el papel de la India se acabaría validando su derecho a la autonomía.

Gandhi, un hindú, y Muhammad Ali Jinnah, un musulmán, fueron el foco del movimiento de independencia de la India, en apogeo durante los años de la guerra. CC BY-SA

A día de hoy existen hechos de la guerra que siguen siendo ignorados en la India, precisamente por la complejidad de la herencia de la guerra dentro de la historia del movimiento de independencia de la India.

Nacido en Mysore, Sabu Dastagir, estrella de producciones británicas como The Elephant Boy (1937) y El ladrón de Bagdad (1940), no solo fue el actor indio más importante del mundo en su momento, sino también un distinguido héroe de guerra. Dastagir se convirtió en ciudadano estadounidense en 1944, donde se unió a las Fuerzas Aéreas de los Estados Unidos como artillero de cola y fue galardonado con la Cruz de Aviador Distinguido por sus servicios.

Sin embargo, el increíble legado cinematográfico y bélico de Dastagir sigue siendo ignorado en su lugar de nacimiento, en parte por sus papeles en películas como El tambor (1938) de Alexander Korda, criticada en la India por hacer caricaturas ofensivas de los indios y porque estaba generalmente considerada como propaganda británica.

Su contribución a la industria cinematográfica de la India sigue siendo muy poco conocida; Dastagir hizo una prueba para obtener uno de los papeles principales en Mother India (1957) (película que llegaría a convertirse en una de las más icónicas de todos los tiempos en el país) pero fue rechazado.

Tal y como demuestran estas historias, incluso en medio de la propia lucha de la India contra los británicos, el país asumió su parte de responsabilidad colectiva trascendental. La industria del cine en la India optó por no ser un mero espectador, sino que se otorgó un papel más importante para sí misma como mensajera y aliada en la lucha mundial contra el fascismo.

La importancia de revisar estas historias va más allá de la relación entre la India y su antiguo colonizador, Gran Bretaña. El apoyo de la India hacia sus vecinos asiáticos en sus propias luchas contra la colonización fascista tampoco se suele recordar y la relación actual entre la India y China se generaliza con la disputa sobre la frontera del Himalaya. Sin embargo, el cine de la India durante la guerra nos demuestra que los lazos de solidaridad son más profundos y duraderos.

Autor: Shruti Narayanswamy, Doctor en Estudios de Cine por la Universidad de St Andrews.

Este artículo ha sido publicado originalmente en The Conversation. Puedes leer el artículo original aquí.

Traducido por Silvestre Urbón.

Las campañas de publicidad han pasado de ser simples anuncios a verdaderas obras de arte que buscan atraer la atención del público de diferentes formas creativas, donde lo más importante es que dicho anuncio no parezca tal, y así puedan meterse en la mente del consumidor.

Hoy veremos uno de esos ejemplos magistrales de publicidad, ya que se trata de un anuncio de la compañía de alimentos Heinz la cual "adopta" (por no decir 'copia') toda la estética de Pixar, incluso la música, para llevar al consumidor a un lugar común donde se le trata de vender frijoles horneados en lata.

Nunca antes un anuncio de frijoles enlatados había lucido así de bien

La campaña lleva por nombre "Can Size for Every Aussie" y está enfocada en el mercado australiano donde Heinz acaba de lanzar sus nuevos tamaños de latas para cada ocasión, ofreciendo la idea de una lata para cada tipo de familia.

Pero lo importante aquí es el mensaje, ya que el corto de tres minutos nos cuenta una historia al más puro estilo de la primera parte de 'Up', donde no se necesitan diálogos y el mensaje es claro, una historia de amor donde el hilo conductor son los frijoles enlatados.

Muchos pensarán que se trata de una obra de Pixar, pero no, es un todo un robo homenaje a la compañía de animación propiedad de Disney. La campaña fue desarrollada por la agencia neozelandesa Y&R y ha sido recibida con opiniones encontradas, ya que mientras unos la aman, otros creen que es un robo descarado, pero como casi siempre sucede en este tipo de situaciones, el producto principal pasa desapercibido.

A pesar de que la campaña sólo lleva tres días de haberse lanzado y está dirigida sólo para Australia, muchos están empezando a hablar de ella y eso al final es lo que buscaba la compañía.

En el capítulo “Señora patas flacas”, guionizado y realizado por sus creadores británicos en 2004, Peppa y su hermano George aprenden a superar sus miedos y a tolerar la existencia del diminuto insecto. Papá Pig, de hecho, adora a estos bichos que se comen a las moscas, esas que “sí molestan”. Como aprenderemos en este programa infantil, las arañas son “muy muy pequeñas” y “no pueden hacerte daño”.

Cuál fue el horror de algunos padres australianos cuando vieron que la rosada criatura le estaba enseñando a sus hijos a abrazar a estos insectos. Los mismos que, en el país en el que la civilización sufre una continua amenaza de reconquista de la naturaleza, una “señora patas flacas” cualquiera puede morderte y provocarte vómitos y alucinaciones, dejarte en estado catatónico durante semanas o en el peor de los casos matarte.

Esto último daba vueltas en la mente de Jess cuando observó que su hija pequeña disfrutaba de la retrasmisión del mentado capítulo en el Nickelodeon australiano. Peppa se acercaba a la araña, un inofensivo círculo negro con una gran sonrisa. La relajante música infantil y la aguda voz de la niñita cerdo animaban a disminuir la sensación de peligro. Con estos elementos se creaba un ambiente de tolerancia y respeto mutuo entre humanos y arácnidos: los niños oían la palabra “araña” y asociaban, según Jess, la pacífica situación de los dibujos a su futuro encuentro con algún insecto de este tipo.

Entre las arañas con las que se pueden topar los niños australianos están:

La araña de cola blanca, común en las zonas urbanas y que te dejan una marca roja en la zona de la picadura que duele durante días.

La tarántula de tela en embudo, bastante común y que por lo general te provoca parálisis corporal y dificultad respiratoria pero que también puede causarte la muerte, como le ha pasado a siete niños en el pasado siglo.

O la araña de la espalda roja, que atacan cada año a entre 500 y 1000 ciudadanos del país, especialmente en los genitales, ya que tienen preferencia por plantar sus redes en los retretes.

Va ganando la araña.

Luego hay cosas como el video que circuló el año pasado en el que una araña transportaba un ratón para comérselo.

Según estadísticas oficiales del pasado enero, más de 12.000 personas tuvieron que acabar hospitalizadas por picaduras de araña entre el año 2000 y 2013.

Responsabilidad de Peppa... o de los padres

La polémica de la araña y Peppa Pig no es nueva. De hecho la cadena ABC ya consideró en el pasado que este episodio era "inapropiado para el público australiano”. Pero los programadores de Nickelodeon obviaron las advertencias y lo pasaron el 25 de agosto. Fue la indignación de esta madre la que ha provocado que la cadena infantil tenga que das explicaciones.

Aunque el portavoz de Nickelodeon, Nick Jr, dijo que originalmente no quería poner el episodio, explicó que Señora Patas Flacas tenía una pinta tan “irreal” que no lo consideró un riesgo. "Es un capítulo liviano, de aspecto amistoso, y su impacto será muy limitado. Lo que en él se trasmite, en general, es que hay que respetar a todo tipo de criaturas. El contexto de la presentación de la araña, tan pacífica, hace que disminuya su impacto en el mundo real”. Apostillaron: "la seguridad de los niños no es responsabilidad de nuestra empresa, sino de sus padres".

Aunque ya han anunciado que para apaciguar la polémica no se seguirá emitiendo, los padres australianos no están nada convencidos del argumentario de la compañía. Es probable que un montón de niños pequeños australianos hayan recibido estas semanas una de las lecciones más sabias que podrán recibir jamás: las arañas no son bichitos amistosos. Son monstruos escalofriantes que intentarán acabar con tu felicidad.

La Academia de Cine acaba de seleccionar Verano 1993 para competir por la estatuilla de Hollywood que se entregará el próximo 4 de marzo. Para los muchos que no hayan oído aún hablar de la cinta española más hechizante del año, aquí van algunas coartadas para motivar que le demos una oportunidad a la original, independiente propuesta de Carla Simón.

Porque es una buena película

Vamos a quitarnos lo más importante: Verano 1993 es un encantador, emocionante coming of age contado desde la perspectiva de una versión infantil de Carla Simón (la historia está inspirada en las vivencias de la directora). Es preciso en su manera de mostrarnos cuál es la relación de los adultos con los niños, pero aún más en su capacidad de retratar con naturalidad cómo se viven los primeros instantes de maduración. Cada conducta, cada cambio de humor y nueva experiencia vital va modificando el carácter de la niña, con absoluta comprensión e implicación en sus pasos por parte del espectador.

Es difícil no amar a Frida cuando presume de hablar y maquillarse como las mayores, pero tampoco dejamos de hacerlo cuando intenta provocarle, por celos, una desgracia a su prima pequeña.

Por su forma de mostrar el duelo

La historia de Frida es la de una niña que acaba de vivir muerte de su madre y la forma que tiene de fustigarse a sí misma es por no mostrar su sufrimiento. “Durante mucho tiempo me sentí como culpable por no haber llorado”, explica la directora, que se ha centrado en los cambios de actuación de ese mecanismo de defensa para acomodar los tres actos de la cinta.

Una niña de seis años a la que su entorno siempre le ha hecho ver la anormalidad del estilo de vida de su madre (suponemos que es heroinómana, pero en la película nunca se confirma); que de pronto no sólo cambia de tutores sino también de localidad, hogar, amigos y ambiente; que es consciente además de ser distinta a los demás por un tabú del que aún no ha podido hablar con nadie… parece que se agolpan demasiados factores como para procesar la pérdida de un ser querido al que, sentimos, no deja de echar de menos en ningún momento. El trauma está bloqueado y sólo empieza a sanar precisamente cuando las cosas empiezan a marchar bien.

En resumen, un estudio de la gestión de las emociones muy complejo, pero llevado con una inteligencia narrativa a la que le concedemos una credibilidad total. Laia Artigas, la actriz que da vida a Frida, por cierto, tiene siete años.

Porque dirige una mujer

Más que una razón, en este punto hablamos de una alegría. España es la tercera en el ránking de países con más películas a competición en Habla Extranjera en los Oscar, sólo por detrás de Francia e Italia. De los 19 largometrajes patrios que han conseguido convertirse en nominaciones firmes (Verano 1993 aún está en fase de llegar a formar parte del quinteto finalista), ninguno de ellos ha estado dirigido por una mujer. Parece casi un milagro que Simón se haya colado en la preselección, más si tenemos en cuenta que el porcentaje de mujeres cineastas de nuestro país sigue estando muy por debajo de la paridad: un 19%.

Si ya encima lograra entrar entre los cinco últimos nominados estaríamos ante un momento histórico del cine español.

Por estar ante una nueva promesa del cine

Verano 1993 es el primer debut en el largo de Simón. Aunque se hizo un guión, al estar basado en experiencias personales y centrado en protagonistas muy jóvenes se decidió filmar de manera espontánea, basando todo el interés de la cinta en el recital interpretativo de Laia y la gente que la rodeaba.

El ojo cinematográfico de Simón ha sabido poner a su favor estas condiciones para trasmitirnos, probablemente, lo mejor que puede dar la dirección de actores improvisada y de bajo presupuesto. Simón parece una gran negociadora, y se ha ganado una nueva oportunidad en un país en el que es muy difícil sacar cabeza, en el que las nuevas propuestas autorales siempre se ven eclipsadas por las megaproducciones, las que están entre 3 y 8 millones de euros y suelen ir de la mano de alguna gran cadena privada de televisión del país.

La directora Carla Simón en su infancia.

En España las películas independientes pueden tener un presupuesto muy bajo, llegando a niveles tan bajos como 60.000 euros. Verano 1993 ha conseguido una financiación de casi un millón de euros, lo cual la saca de la categoría de "indie" pero la deja muy lejos del presupuesto alto. Es una vía media poco explorada y que podría ayudar a fortalecer la calidad cinematográfica de nuestro país, aunque le den mucho miedo a las productoras.

Además, Estiu 1993 lleva más de 600.000 euros recaudados en salas españolas. El anuncio de la nominación del Oscar, con su consecuente reestreno en cines y las futuras ventas internacionales, harán que la cifra de recaudación final crezca y se convierta en rentable. Es una película excepcional hasta para eso.

Y por representar una bonita manera de pacificar las identidades de España

Es la segunda vez en la historia de la Academia, tras Pa Negre, que se elige una película rodada en catalán para competir por la estatuilla estadounidense. Verano 1993 transcurre los primeros minutos en Badalona y después en el montañoso pueblo del Ampurdán. Todos sus personajes, desde el vecino hasta los abuelos, hablan en catalán, como se ha hecho en la región históricamente. Cuando los tíos de Frida ponen la radio se oye al locutor en castellano. Lo normal al escuchar entonces un medio de comunicación.

Lo que nos transmiten estos dos detalles del filme es que las diferencias en la lengua no son ningún motivo de problemática, sólo una parte más de la realidad catalana. Ahora la mayor institución nacional de nuestro cine ha decidido no penalizar este hecho, sino que ha apostado por verse representada en el certamen norteamericano con, sinceramente, la mejor carta que tenía en su mano, sin discriminaciones por lenguaje.

Es una normalización e integración del hecho cultural catalán en la dimensión de la realidad española que ahora mismo parece que ningún político español es capaz de plasmar en su discurso ideológico con convicción. Una muestra de fraternidad que no debería ser ejemplo de nada pero que, lamentablemente y en la situación en la que nos encontramos, sí es un gesto estimable.

Eso sí, como Cataluña finalmente se independice con el 1-O y vaya la película y gane en Los Oscar representando a España, nos íbamos a reír todos.

Cualquiera puede tomar una foto y cualquiera puede ser capaz de editar una fotografía en Photoshop. Sin embargo, pocos son capaces de plasmar conceptos creativos y trasmitir algo dentro de una imagen. Hoy conoceremos el trabajo del mexicano Félix Hernández y su genial 'Dreamphography'.

Félix posee un visión única de la fotografía donde es capaz de crear escenarios especiales para sus increíbles tomas, donde lo más impresionante es que sólo se apoya en modelos a escala y materiales fáciles de conseguir, nada de presupuestos elevados con super producciones. Pero lo mejor de todo es que Félix se da tiempo de trasmitir su conocimiento y lo que ha aprendido con el tiempo para que alguien más lo pueda hacer.

Dreamphography: engañando al ojo humano

Félix es fotógrafo, modelista, artista digital y se especializa en la llamada 'Toy Photography', donde gracias a una gran imaginación y capacidad es capaz de crear escenarios fantásticos en torno a juguetes, brindándoles una atmósfera especial creada específicamente para ese momento. Además, posee su propia compañía creativa donde hace trabajos para agencias de publicidad y clientes de todo el mundo.

En su trabajo se mezclan las habilidades fotográficas y de diseño para crear desde el concepto de la imagen, hasta el escenario y toda la post-producción. Félix menciona que su trabajo es una sinergia de pensamientos, sueños e ideas, los cuales se trasladan a la fotografía y el arte digital.

En su obra encontramos desde galerías de coches famosos, como el DeLorean o el ECTO-1, hasta sets fantásticos donde Troopers se encuentran en misiones especiales en alguna parte de la galaxia.

Pero eso no es todo, como les comentaba, Félix no guarda ningún secreto acerca de su trabajo y por ello busca que más gente se interese en la fotografía creativa. Por ello, ha montado un curso online en la plataforma 'Domestika' donde nos enseña las técnicas y trucos para conseguir resultados asombrosos con tan solo unos pocos materiales. La ventaja de este tipo de cursos es que podemos hacerlo a nuestro ritmo y estar en contacto con Félix para resolver cualquier duda.

El trabajo de Félix Hernández

Dreamphography: detrás de cámaras

Más de Félix Hernández | Sitio web | Behance | Domestika

Quince años después de la primera emisión de Gran Hermano, Channel 4 quiso replicar el éxito de su primer experimento sociológico televisado, pero llevando las cosas un poco más allá: un mundo sin pobreza, sin recesión, sin ciber-bullying o adultos en patinete prometían los rótulos de este programa cuya premisa era que 23 personas sobreviviesen aisladas y empezando de cero una pequeña civilización justo en las fechas en las que el mundo veía cómo daba comienzo el Brexit y se elegía a Trump como Presidente.

Ninguno de los miembros del equipo de Eden se enteró de estos cambios políticos hasta que regresó de su experiencia comunitaria en los campos de la península de Ardnamurchan, en Escocia, pero ellos también habían estado viviendo su propia constatación sobre el fracaso comunitario. Un sitio donde el infierno fueron tanto las condiciones de la vida desde cero como el propio contacto humano.

La idea del programa fue tan revolucionaria como errónea. Los veteranos técnicos y realizadores de realities que se apuntaron a este rodaje dijeron que no habían visto nada igual, que podrían acabar realizando el mejor proyecto de su vida o una recreación en vivo de El señor de las moscas.

Como ningún show se había atrevido hasta entonces a crear un aislamiento tan marcado y verídico (el plan era que los cámaras viviesen fuera del campamento y el único intercambio de objetos permitido con los internados eran baterías para los auriculares y cartas que mandaban a sus seres queridos sin derecho a recibir respuesta) intentaron reunir a un equipo perfecto. Esto consistió en seleccionar a un pescador, un carpintero, expertos en supervivencia, veterinarios, psicólogos de grupo… Así hasta 23 miembros que en menos de cuatro meses se convirtieron en 19.

Happy Friday! Here's a cute animal pic. You're welcome. #Eden pic.twitter.com/zo3Zbgyulj

— Eden (@Eden_C4) October 7, 2016

Y los productores les hicieron pasar ocho meses más, sin decirles nada, en los que el programa se había dado por cancelado tras cuatro entregas que a nivel de audiencia no había alcanzado las expectativas de un show que había costado 55 millones de libras. No se lo dijeron a ellos, pero tampoco a los espectadores. De la noche a la mañana, en octubre de 2016, las redes sociales del programa dejaron de actualizar sus feeds. Se obvió la fecha de emisión del quinto capítulo. La falta de comunicación entre los de dentro y los de fuera era real.

¿Y qué hicieron durante esos ocho meses que pasaron entre que se emitió el último capítulo en Reino Unido y terminaron de cumplir con su contrato? Básicamente darle la razón a todos los que creen que un retorno a la vida tribal es el último error.

Después de que el conjunto renunciase a aceptar una segregación de las tareas por sexo, cinco hombres empezaron a vivir por su cuenta en una cabaña en la que se pasaban día y noche charlando y cazando ciervos. El veterinario empezó a creen que los demás iban a comerse en cualquier momento a todos sus animales, subió una colina y abandonó el grupo. Los más hambrientos hicieron una complicada maniobra de extorsión a la cadena por la que se ganaron provisiones mensuales de azúcar que emplearon para hacer moonshine y comérselo a puñados de puro hambre.

La gente perdió entre cinco y quince kilos en los primeros cuatro meses de programa. La depresión y la ansiedad eran moneda de cambio, y la violencia fue creciendo en intensidad y en falta de justificaciones. De 23 sólo diez sobrevivieron para contar la aventura completa.

La polémica que rodeaba al cancelación del programa forzó a que Channel 4 emitiera un comunicado justo antes de que los supervivientes volviesen a la sociedad general: "Eden era un experimento real y cuando empezamos a grabar no sabíamos cómo sería el resultado y cómo reaccionarían los participantes al estar aislados durante meses en una parte remota de las Islas Británicas. Esa es la razón por la que lo hicimos, y la historia de ese tiempo, con sus altibajos, se mostrará más adelante este año".

De ahí que la cadena aprovechase las miles de horas para finiquitar la versión extrema de Supervivientes que ahora ningún país se atreverá hacer. Una serie de miniepisodios se emitieron completando lo vivido durante el invierno, primavera y verano de 2016. Cuando los participantes vieron cómo la cadena había condensado su año de vida, cómo habían decidido orientar la narrativa y de qué partes habían prescindido, sintieron cómo los peores momentos de esas experiencias volvían a aflorar justo cuando empezaban a superarlo y afrontar el futuro.

Los participantes coincidían, Eden había resultado ser un absoluto desastre, la garantía de que nada nos ha preparado para empezar desde cero. A la Gran Bretaña sumida en el divorcio con Europa le llegaba, paradójicamente un profético mensaje del pasado que no escuchó hasta que ya era demasiado tarde: no es posible ya volver a un idílico modelo organizativo que tenemos internamente romantizado pero que en verdad no se ha vivido por ninguna de las personas que confortamos hoy en día la sociedad. Por malo que parezca, hay que asumir las estructuras actuales. Sólo con ellas podremos prevenir el caos.

Puede que no todos conociesen hasta ahora el Festival de Cine de Sevilla (SEFF), pero en los últimos días su edición número XIV ha encontrado una inusitada publicidad… muy a su pesar. El certamen presentaba el cartel oficial del evento que tendrá lugar entre el 3 y el 11 de noviembre. La artista elegida para elaborar el cartel era la videoartista María Cañas, y nos mostraba un cartel acerca del poder incandescente del celuloide fuertemente inspirada en “la ficción pulp de los años 20”.

Lo que se olvidaron de decir tanto en la presentación del cartel como en las comunicaciones de prensa que lo acompañaron es que se trataba, más que de ninguna otra cosa, de una obra derivada de un dibujo de 1954 de Walter Popp.

Bienvenido, cartel de la XIV edición del Festival de Sevilla, obra de nuestra queridísima #MaríaCañas. pic.twitter.com/E6VPprloyX

— Festival Sevilla (@festivalcinesev) September 8, 2017

María Cañas o la 'archivera de Sevilla', ha introducido celuloide ardiendo en su cartel, como símbolo de espíritu incandescente del cine. 🔥🎞 pic.twitter.com/opnVvrb0Dl

— Festival Sevilla (@festivalcinesev) September 8, 2017

A las pocas horas de que se presentase el cartel al público del festival alguien hizo circular la portada del Fantastic Story que elaboró Popp hace muchos años. A partir de ese momento las redes sociales, especialmente en los entornos de aficionados de la ilustración y de amantes del séptimo arte, hicieron vacilar la polémica en un debate sobre el derecho a la apropiación y reinterpretación posmoderna o el delito de plagio.

Que se conociese que el trabajo de ilustración para este festival financiado con dinero público fue asignado sin concurso y que Cañas había recibido 3.000 euros en compensación por su obra sólo consiguió alimentar la indignación del segundo grupo.

"Rescato imágenes para traerlas a un contexto diferente". María Cañas explica su trabajo de archivera: https://t.co/jGTV2Atdf6 pic.twitter.com/cSroYj1E4Z

— Festival Sevilla (@festivalcinesev) September 9, 2017

Menos de 24 horas después de que se encendiera el debate el SEFF publicaba en su página web una nueva referencia al cartel. Una entrevista no firmada realizada a Cañas donde se defendía del ataque mediante un par de comentarios contradictorios. Por una parte decía haberse encontrado la imagen en una de sus “cacerías archiveras. Era un fragmento sin los títulos de la portada de 'Fantastic Story', ni referencia a Walter Popp ni nada”. A continuación afirmaba: “lo que sabía es que era una ilustración con licencia libre de derechos”.

La portada del Fantastic Story Magazine 1954 (Walter Popp) Vs. el cartel del @festivalcinesev de María Cañas. Incluso le habrán pagado. pic.twitter.com/w5C0EAk4WE

— Antonio de la Mano (@delamano) September 9, 2017

Otro factor a tener en cuenta a la hora de evaluar este caso concreto es que en el mundo del arte la práctica de reapropiación es bastante común. Como sabrán todos los que conozcan el trabajo de Cañas ella ha realizado en muchas ocasiones collages con imágenes previas que al mezclarlas resignifica su mensaje original. Aquí la mujer saliendo de un ojo hecha por Popp se transforma, con la sobreimpresión de la imagen de un celuloide quemado que ha añadido Cañas al montaje, en “un parto ocular donde una heroína resurge del fuego y de las cenizas del celuloide como el ave fénix”, en palabras de la artista.

Es decir, hay fundamentos para considerar que Cañas tiene razón al considerar que su obra es más que un plagio, que es una transformación con suficiente entidad para ser considerada una nueva obra original. Así que:

¿Cómo entendemos esto? Reciclaje, homenaje, collage, descontextualización... El original es de Walter Popp (1920-2002). Abriendo debate. https://t.co/6GP8d1MGZr

— Borja Crespo (@ElTioCreespy) September 9, 2017

¿Dónde está el límite de apropiación de un artista a la hora de elaborar una pieza artística propia que derive de otra?

Adam And Two Eves, imagen de Walter Popp de 1956 que puede encontrarse bajo dominio público en Wikipedia.

Hablamos con Sergio Carrasco Mayans, abogado especializado en Derecho de las Nuevas Tecnologías y en Derecho Público y colaborador de Derecho en Red. Como indica rápido el jurista, el debate aquí es el de la creación de una obra derivada a partir de una imagen.

Para que uno pueda crear una obra derivada de otra anterior “requiere que sea con aceptación del autor original o que sea una obra que forme ya parte del dominio público, que no es el caso ni muchísimo menos”. Las normas de propiedad intelectual estadounidenses, de donde era Popp, dictan que la protección por copyright se mantiene hasta 70 años después del fallecimiento del creador. El dibujante murió en el año 2002, con lo que sus dibujos no pasarían al dominio público técnicamente hasta 2073.

Walter Popp plagiarized. Hope his art rights holders take legal actions against @festivalcinesev and @mariacanas#arttheft#badphotoshop https://t.co/xjKFh21WYg

— Luis NCT (@luisnct) September 9, 2017

La propia Ley de Propiedad Intelectual española nos dice que para poder llevar a cabo una obra derivada existe “la necesidad de pedir permiso y, en su caso, remunerar al titular de los derechos de la obra originaria”. Esto no sería necesario si la obra dispone de una licencia libre o se encuentre en dominio público, que es a lo que suponemos se refería Cañas cuando decía que era una imagen libre. Pero como hemos visto es muy probable que la familia de Popp mantuviese estos derechos.

La justificación dada al diario.es Andalucía por Cañas es que se trataba de unos ilustradores que "tuvieron una mala vida, que no tenían derechos de sus imágenes". "Al tener más de 50 años, no prevalecían los derechos de autor y podía utilizar su creación libremente", apunta el periodista de eldiario.es. Nosotros, aunque hemos encontrado un par de imágenes de Popp en dominio público en Internet, no hemos encontrado la conocida imagen del cartel del festival, pero según la página web oficial del dibujante norteamericano sus imágenes estarían sujetas a copyright.

Hablamos con la autora del cartel del #seff17. Asegura que desconocía el autor y que su estilo se basa en el collagehttps://t.co/Xlzq0x3P8W pic.twitter.com/RbTW8ZAJaL

— Alejandro Ávila (@AleAvilaV) September 10, 2017

Así que “si una entidad de gestión tiene encargada la gestión de derechos de Popp, entre otros, y se enteran por la polémica, podrían reclamar una indemnización por uso no autorizado. Es exactamente lo mismo que ocurre cuando alguien programa canciones sin la solicitud de uso o lo que ha ocurrido con muchísimos carteles de fiestas y festivales”. Como también nos comentan, Cañas podría librarse si los propietarios de la gestión de sus derechos no se enteran o deciden no interponer una denuncia, como pasa muchas veces.

Había quien dudaba de si estas normas se aplicarían al tratarse de una portada, pero Carrasco nos explica que “sí, las portadas también mantienen los mismos derechos. Aunque precisamente por esto podría darse incluso el caso de co-titularidad de los derechos en España si una editorial hubiese comprado en su día la licencia de emisión de esta misma obra”, con lo que también ostentaría otros derechos sobre el dibujo en nuestro territorio.

Cuando tu “resignificación” puede ir moralmente en contra de los deseos del creador original

Otra portada de Popp, también bajo dominio público.

“Además, como estamos hablando del ordenamiento jurídico de España, uno de los derechos ineludibles de las obras es el derecho moral del autor”, nos explican. “Por eso no vale la mera cita o la referencia a la ilustración original para permitir la transformación de la obra, porque cabe la posibilidad de que el autor no quiera ver cómo su obra se convierte en lo que plantea el nuevo artista”.

“Puede que en otros países, como Estados Unidos, donde tienen un concepto más flexible de la libertad de expresión, baste la mera cita para la trasformación de una obra con la suficiente entidad propia, pero aquí no es el caso”.

¿Y quién podría llevarse la sanción, María Cañas o el SEFF?

Cartel del SEFF del año pasado.

Así que, si queda demostrado todo lo anterior y la imagen de Popp no perteneciese realmente al dominio público, Cañas habría infringido el plagio, por haber copiado “obras ajenas en lo sustancial”, tal y como dicta el Tribunal Supremo, y no podría librarse de la infracción ni aunque probase la originalidad de su obra como derivada con respecto a la de Popp por no haber solicitado el permiso de uso a los titulares de los derechos del fallecido artista, como nos ha explicado Carrasco.

El SEFF a lo que se enfrenta es a una infracción por reproducción. “la responsabilidad del festival, en cuanto no tuvieran conocimiento de las circunstancias, podría quedarse en una simple prohibición de uso de la imagen al no estar al tanto del uso de Cañas de una obra anterior”, dice el abogado.

Pero es posible que el SEFF sí que supiese que se trataba de una imagen de Popp. En el momento en el que se publicó el cartel, un experto en cómic reconoció el trabajo del dibujante en el cartel, a lo que la cuenta oficial de Twitter del Festival de Sevilla respondió haciendo ver su complicidad con ese dato.

Maravillosa obra de Walter Popp, una delicia para todos los sentidos *.*

— Elsa Move (@elsamov) September 8, 2017

🌼 ¡Has encontrado uno de los 'objet trouvé' del archivo audiovisual de María Cañas!

— Festival Sevilla (@festivalcinesev) September 8, 2017

Como nos dice Carrasco, la gravedad ahí dependería de quién gestiona las redes sociales del SEFF, que podrían no estar vinculadas directamente a la organización sino ser un servicio externalizado. Si fuese alguien propio del festival, si la organización lo hubiera sabido de antemano, “ellos también serían responsables por hacer una reproducción de una obra que ya se ha creado sin autorización del titular de derechos”.

Que el festival publicase en su web al poco de que comenzase la polémica la entrevista con Cañas, en la que esta hace referencia a la imagen diciendo que la cogió sin más de Internet, no ayuda a defender la inocencia de la organización.