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Los 19 años de delirios que explican la épica detrás de la publicación de esta foto

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Los medios especializados podrían haberlo hecho perfectamente: llega el 28 de diciembre, el día de los inocentes, y como noticia falsa anuncias que Terry Gilliam ha completado el rodaje de su obra sobre la vida del ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha. La broma la podrían haber estado publicando en los últimos 15 años.

Porque Gilliam ha vivido el que podríamos considerar el rodaje más desafortunado de la historia. Ni siquiera Coppola y sus meses de locura en Vietnam podrían igualar el cúmulo de desgracias que ha rodeado la adaptación a la gran pantalla del cuento más famoso de las letras hispanas. Pero el norteamericano lo anunció ayer en redes sociales: El hombre que mató a Don Quijote está listo, “QUIXOTE VIVE!” en las entusiasmadas palabras de su creador. Perseguir a sus propios gigantes ha tenido, para sorpresa de todos, un final feliz.

Foto

1998, cuando todavía había motivos para la ilusión

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Este último ha sido el noveno intento. Antes de él han existido infinitas eventualidades, con rodajes fallidos de por medio, que empiezan en el año 1998. En principio este Quijote iba a ser una importante superproducción europea (40 millones). Estamos hablando del director de culto que en los últimos tiempos ha realizado 12 monos y Miedo y Asco en Las Vegas, así que es natural que le asignen un buen presupuesto y un plantel de actores de primera. En una entrevista durante la fase de preproducción Gilliam declaró: “Espero que sea muy divertido. Hemos sudado tinta para llegar hasta aquí”.

En el año 2000 el equipo aterriza en el paraje semidesértido navarro de Bárdenas Reales, dispuesto a filmar, para encontrarse con inundaciones fortuitas y un ruido de aviones de la OTAN, que sobrevolaban la zona, que impiden una grabación de audio in situ. También se echa a perder la escenografía, ya que el clima ha cambiado el color del paisaje, y hay incluso momentos donde el viento destroza el campamento. Un proyecto de rodaje de 90 días se convierte en un periplo de seis jornadas infructíferas. El director de fotografía comenta que en 22 años de experiencia “nunca se ha encontrado con tal cúmulo de mala suerte”.

Pero aún no habían llegado a lo peor: Jean Rochefort, el actor principal que llevaba ocho meses memorizando sus diálogos en inglés y que se había sumergido en el personaje, se hirió durante el rodaje y sufrió una hernia de disco. El poco metraje superviviente, como las escenas de Johnny Depp en el Monasterio de Piedra, acabarían como material tersimonial sobre el fiasco de esta empresa, como puede verse en el documental de 2002 Perdidos en La Mancha.

Y sólo vamos en octubre del año 2000.

El infierno burocrático y los torpedeos de Depp

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Millones de euros en indemnizaciones y otros proyectos fílmicos de por medio, el runrún de la prensa en Cannes de 2005 sugirió que el ex Monty Python volvería a intentarlo. Y así fue. Como se supo, Gilliam se había pasado los últimos cinco años peleando contra los productores franceses y las aseguradoras alemanas, pero consiguió librar el entuerto legal: el guión volvía a sus manos y algunos de los viejos productores seguían apoyándole. En 2006 el director anunció en una rueda de prensa que se pondría manos a la obra en seguida, para más inri con un guión mejorado. Tanto él como Tony Grisoni habían tenido tiempo de desarrollar un libreto más interesante.

Por cuestiones de agenda, 2006 se convierte en 2008, que es cuando Gilliam se pone en serio con el trabajo preliminar. Entonces comienza el baile de intérpretes: en 2009 Robert Duvall garantiza ser el sustituto de Rochefort. Johnny Depp parece seguir comprometido, pero la estrella tiene en la mesa una serie de acuerdos con Disney que hacen posponer todo el rodaje hasta comienzos del año siguiente.

Es entonces cuando algo pasa con Depp: aunque su calendario de producción parece libre, cancela su aparición en el proyecto. Algo parece indicar que el actor no se fía de la capacidad de Gilliam para finalizar el rodaje, aunque también podría haber sido que el intérprete de Jack Sparrow estuviera ávido de realizar esos encargos más jugosos que le estaban ofreciendo. En mayo de 2010 se anuncia la incorporación de Ewan McGregor. El hombre que mató a Don Quijote ya lleva congelada otros tres años más.Lost In La Macha 2002 001 Quixote Drawing 00m Sh1

Septiembre de 2010: a mes y medio de que comenzara el nuevo rodaje, la parte financiera de la película se desploma. Parece que los productores han decidido a última hora que no merece la pena invertir en una película que ha perdido a Depp en favor de McGregor. Es imposible sacar adelante la producción sin esos fondos. “Algún día volveré a ponerme con esta idea, pero ahora mismo si no te gastas un par de cientos de millones de dólares en un proyecto hollywoodiense lo llevas claro”, lamenta el director. Dos años después Disney anuncia que prepara su propio blockbuster sobre Don Quijote. Con Johnny Depp como protagonista.

Séptimo intento: cuando ya te has convertido en Don Quijote

Si todo lo anterior no había desalentado al creador, éste debería haber sido el último clavo en el ataúd del Quijote de Gilliam, como también Orson Welles vio frustrado su intento de llevar a la gran pantalla las andanzas del hidalgo muchos años atrás. Pero en sus declaraciones, el director de Los héroes del tiempo siempre indicaba que su idea no estaba del todo cerrada.

En agosto de 2013, ante el comentario de un periodista que le pregunta por qué no puede dejarlo, responde: “hay ciertas cosas que a veces te poseen, y ésta ha sido la posesión demoníaca que he sufrido durante años. La misma naturaleza de Don Quijote, un hombre que lucha contra la realidad, intentando explicarle al mundo que las cosas para él no son lo que aparentan sino la misma interpretación subjetiva de las mismas… En cierto modo, todo esto tiene una fuerte dimensión autobiográfica”.

Un par de meses después, mientras promociona Teorema Zero, el director anuncia que la preproducción de su Quijote ha vuelto a empezar por séptima vez. Con dinero español, con un nuevo guión y con John Hurt en sustitución de Robert Duvall. “El siete de la buena suerte, esperemos. Veremos qué pasa, ya sólo quiero hacerlo, cerrarlo y seguir con el resto de mi vida”.

El rodaje iba a empezar en septiembre de 2014 en las Islas Canarias. Ese mismo mes el director revela que ha habido un pequeño contratiempo y sus declaraciones sobre el tema empiezan a tener el cariz de un individuo enloquecido por su objeto de obsesión. Estas son sus palabras ante una pregunta sobre cuándo se reanudaría el rodaje:

Oh, no tengo ni la más remota idea, idiota. Realmente ya no sé nada. Estoy empezando a decirme a mí mismo 'si no funciona esta vez, lo dejo del todo’. He perdido demasiado tiempo de mi vida con esto. Tal vez lo que ocurre es que si vas a hacer el Quijote tienes que volverte loco como Quijote. ¿Cuántos años llevo? ¿Quince? Sí, hay un punto de determinación, de volverse loco e irracional. Toda la gente cabal de mi alrededor me dice ‘déjalo ya’, pero claro, esas son personas razonables.

Americanos, portugueses, españoles... dinero de quien sea

En junio de 2015 Amazon Studios se apunta a la producción y se compromete, además, a garantizarle un estreno comercial previo en salas a la película. En septiembre se cancelan todos los planes de rodaje. A John Hurt, que seguía siendo el protagonista, le han diagnosticado un cáncer de páncreas. El actor murió por esta misma enfermedad a comienzos de este año.

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Pero el pasado es el pasado. Durante el festival de Cannes del año 2016 Gilliam anuncia que el nuevo plan de rodaje, producido por el portugués Paulo Branco, está planeado para empezar en octubre de ese mismo año. Ya no estamos ante El hombre que mató a Don Quijote, sino ante La muerte de Don Quijote.

El argumento ha dado infinidad de vueltas, y ahora se trata de la siguiente versión: Grisoni es un arrogante publicista que, inmerso en el rodaje de un anuncio, se encuentra por azar una copia de la peli que rodó cuando era estudiante: una reinterpretación de la famosa historia de Don Quijote. La nostalgia lo arrastra de regreso a la pequeña aldea española donde grabó su metraje en aquella época para ver cómo una serie de catástrofes le sumen en una enorme aventura. Sí, la película ya tiene una enorme carga autorreferencial, como si en todo este tiempo la idea hubiese cobrado consciencia.

Ahora tenemos a Jonathan Pryce (Quijote) Adam Driver (Grisoni), Stellan Skarsgård, Olga Kurylenko y Rossy de Palma en el reparto. Y 16 millones de presupuesto de mano de la productora de Branco, Alfama Films, una partida muy por debajo del mínimo de 21 millones que el director consideraba iba a necesitar para copar las expectativas de producción que le pedía la épica epopeya.

Pero sorpresa: en octubre de 2016 Branco se desvincula. Algo sucedió durante el rodaje de la parte asentada en Portugal que hizo que el nuevo productor recelase de la empresa; pero salieron al rescate económico el español Gerardo Herrero, la propia hija de Gilliam y Jeremy Thomas. La película vuelve a conocerse como El hombre que mató a Don Quijote.

Ante este nuevo paradigma, el portugués puso trabas a la finalización del rodaje, pero según afirman desde El País la sentencia del juicio francés que aún tienen pendiente no impidió el rodaje que ha tenido lugar en marzo de 2017 ni impedirá el estreno de la película en tiempos venideros.

El Quijote está rodado, pero no montado

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Nos gustaría decir que, pesadillas aparte, estamos ante un final feliz. Pero dos décadas de disgusto nos hacen desconfiar, igual que a su ideario, que afirma que “estará muerto” antes de ver la película estrenada en salas. No le culpamos de su pesimismo.

Desde aquí intentaremos enviar todas las vibraciones positivas a los montadores de la película para que ningún fortuito accidente haga que los archivos se corrompan o suceda cualquier otro imprevisto disparatado. Nuestros corazones están con ese terco cabezudo y soñador que ha demostrado ser Gilliam.


Un montón de niñas se están disfrazando de Wonder Woman porque quieren destrozar tus feels

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Wonder Woman 2017 17

Partamos de una base: la aparición de la película Wonder Woman es algo inaudito: un personaje femenino del universo de una de las grandes casas de cómics protagoniza un blockbuster.

Es algo que no se veía desde Elektra o Catwoman, películas que algunos esgrimían como justificación por la que no debería volver a darse el rol principal a una superheroína para una gran superproducción. Como si la venta de entradas se redujera únicamente al género del protagonista. Como si Los Juegos del Hambre no hubiera sido uno de los últimos bombazos de los últimos años.

Pero todo esto ha perdido su sentido cuando, como estamos viendo, no sólo Wonder Woman ha cumplido las expectativas en la taquilla estadounidense (y lo que le espera en el resto del mundo en las próximas semanas), sino que ha rejuvenecido el universo DC hasta convertirse en el mejor éxito de crítica de la marca desde El Caballero Oscuro de Cristopher Nolan.

Este post no va sobre la película, que para eso tenemos a nuestros compañeros de Blog de Cine, sino de las hermosas imágenes que, a remolque del estreno de la película y de la campaña de Warner, están generando retratos de pura ilusión infantil. Por toda la red puedes encontrarte a un montón de niñas y algún que otro niño disfrazados de su nuevo personaje favorito, y casi parecen estar sintiendo en sus pequeños cuerpos los mismos superpoderes que posee Diana.

Descuida, es natural que se te derrita un poco el corazón al ver a algunas de estas pequeñas amazonas en el salón de su casa o por los alrededores de las salas de cine. Es probable que con esto tanto las familias como nosotros mismos al hacer el post estemos haciendo exactamente la promoción que buscan los responsables de Wonder Woman, pero a quién le importan los intereses empresariales o lo buena o mala que sea la película cuando tienes delante esos rostros de felicidad.

@divina18 and A are getting some girl time seeing #wonderwoman today :)

Una publicación compartida de Brian Bruss (@brianbruss) el

Alguien está lista para ver la peli de su personaje favorito #wonderwoman #wonderwomanmovie

Una publicación compartida de Crisel Saldaña (@crissis_01) el

Wonder Woman by Izabel Cortez and Lizzy Victoria. #DC #WonderWoman #Cosplay #Costume #CraftYourFandom @izzy_quinzel

Una publicación compartida de the RPF (@therpf) el

Girls run the world. 💋💪🏻 #wonderwoman #girlpower #momlife

Una publicación compartida de Amanda Decker (@amanda_d_decker) el

Everyone matters. Everyone is worth saving. And everyone is wonderful.. #wonderwoman #wondercadence #mylittlesuperhero

Una publicación compartida de Chaisan Pepito (@chaisann) el

Daisy is going to save the world!! #loveisallyouneed #childsplay #wonderwoman #superhero #wishitwasthatsimple

Una publicación compartida de Kate Heysmond-Hart (@hillysfood) el

I hadn't read the comics, nor had I ever been much of a superhero movie fan. But tears began streaming uncontrollably during that first fight scene in #WonderWoman—the Amazonia women fierce and muscular and ballet-like at once, as if they were battle moves were choreographed for women. There was something almost visceral about it; a depiction of a hero we never knew we needed, a hero whose gender was everything but also nothing. She was a girl superhero — something most of us have never seen. She was also simply a mighty superhero... who happened to be a woman. So much of the messaging we send children is subliminal — the absence of what’s missing more even than what is there. Sometimes it is the lack of voices, of speaking roles, of perspectives. The invisibility of certain types of characters. It appears in film and advertising and media and action films and video games and stock photos. Sometimes we don't even notice. But then sometimes you see the thing that was missing— the boss, the doctor, the president, or the superhero who happens to be a woman — and it all makes sense. Representation *matters*. It matters on a deep and psychological level, sometimes one that can't even be articulated. Wonder Woman broke box office records this weekend for a film made by female director. Here's to the day we make that statement without the "female" qualifier. 👸🏻👸🏽👸🏾 ((Read link to full op-ed in bio)) Photo: @_chandelle_higa_ 💕

Una publicación compartida de Feminist Fight Club (@feministfightclub) el

12 cosas por las que la película Pieles te hará decir Kjtajkiaoootrunnn,sn1

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Hace unos meses el póster de una película española a exhibir en una de las secciones paralelas de la Berlinale conmocionó a los periodistas que andaban por allí. Órganos humanos se apiñaban en un amasijo cárnico y grasiento que sólo podría ser el experimento de un cirujano loco o una catastrófica enfermedad de una criatura que no podría vivir muchos años. Es incómodo para nuestra mirada observar algo hecho con nuestros propios materiales que parece más un trozo de pizza en descomposición que un cuerpo humano.

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Se trata del debut en el largo de Eduardo Casanova, que para los no instruidos les será más fácil reconocerle como el Fidel de la serie Aída. Casanova, que se manifiesta como amante de la transgresión kitsch de John Waters la violencia triste de un Todd Solondz o un Daniel Clowes, y ha hecho lo que parece una especie de remake de la Parada de los Monstruos para audiencias receptivas con una fotografía con alta tolerancia al retoque digital.

Pieles va de gente bizarra, personas con caras a medio derretir, pederastas que se quieren acostar con niñas sin ojos y peña que literalmente tiene un culo en la boca. La idea difundida por su director es la de la siguiente reflexión: “cómo la forma física nos condiciona para con la sociedad, lo hayamos o no elegido nosotros”.

En la crítica de Blog de Cine nuestros compañeros ya han dicho que, paradójicamente, esta Pieles es en realidad una película epidérmica, mucha envoltura para tan poca profundidad. Que dice poco o nada cuando intenta por todos los medios transgredir en cada uno de sus planos. ¿Un discurso genial y coherente o una marcianada sin demasiado recorrido?

Como mínimo todo esto parece algo brutalmente original y chanante, otra de esas películas que recordar cuando los demás nos cuentan que el cine español sólo se mueve en cuatro lugares comunes. En fin, vamos con unos golpazos visuales:

Oh bueno, qué curioso

q

Carmen Machi sirena, te escucho

asd

Gente con diamantes en los ojos vale está ok

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Ah, oh, bueno

asd

EeeEeeh

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??????

as

!!!!!!!!

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Mhmmmmmm

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Aaaaahh

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Bueno, okey

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Ooooookey

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Bien

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Para cerrar, aquí te dejamos el tráiler:

¯_(ツ)_/¯

Aparece el único combate real en el que se filmó a Bruce Lee peleando y el resultado es pura poesía

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El mito de Bruce Lee estuvo y está envuelto en brumas. Hay muchas sospechas sobre el talento del actor y combatiente, y son muchos los grupos que tuvieron ganas de tumbarlo, tanto en el ring como en los medios. Bien como medida preventiva o por falta de interés, es sabido que Lee nos ha dejado horas de metraje de peleas en el cine y de demostraciones del jeet kune do que él mismo había inventado, pero apenas escasos minutos de lucha real. La leyenda cuenta que en vida sólo tuvo tres grandes peleas reales.

Si tú, como nosotros, no has visto nunca a esta estrella pegar golpazos no preparados, estás de enhorabuena. Ha aparecido ahora un clip exclusivo de una de las pocas peleas verificables del maestro, la única, según defienden, en la que se ha filmado a Lee fuera de las cámaras de cine.

En esta filmación de finales de los 60 vemos a un Bruce Lee en plena forma vestido con un equipo especial protector, que, según dicen, era una norma de los reglamentos del momento, (y que cumplía el gimnasio californiano del luchador en el que le vemos), ya que de otra manera los rivales habrían ido sin protecciones y a por todas. Y aparece enfrentándose a Ted Wong, probablemente el alumno más aventajado de su escuela y gran amigo del artemarcialista.

Como vemos en este clip que ha sido reproducido más de 12 millones de veces en menos de cuatro días, el luchador ya había desarrollado su estilo particular, mezclando enseñanzas del kung fu, boxeo occidental, wing chun, eskrima y una filosofía más occidentalizada y agresiva de las técnicas chinas. El combate es breve, pero la fluidez y elegancia de los movimientos de Lee son visibles y tremendamente disfrutables.

Como indicó un comentarista de Youtube, el equilibrio en los movimientos de Lee están tan claramente calculados que alcanzan un nivel de espectáculo poético. Poesía de choque, como podemos ver.

Aunque sea un regalo del cielo la aparición de este combate, es otro el vídeo relacionado con Bruce Lee el que muchos amantes de las artes marciales desearían que surgiese. Hablamos del combate de 1964 que tuvo contra Wong Jack Man, un representante de varios maestros afiliados a la Gee Yau Seah Academy que se presentó en su gimnasio para intentar desdeñar, vía un duelo físico, lo que consideraban una deformidad de práctica que pervertía los preceptos originales de su cultura.

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Según las asociaciones, la inclusión de técnicas renovadas y la teatralidad exagerada de sus movimientos, así como el alardeo de una pedagogía de combate a mujeres y hombres no chinos, suponían una traición a su propia comunidad. Lee aceptó el reto sin dudarlo y le dijo a Chin que se lo hiciera saber. De esta forma, en un mes debían estar frente a frente Lee contra Wong.

Las versiones difieren. Unos dicen que le llevó casi media hora, mientras que otros aseveran que fue cuestión de tres a cuatro minutos. El resultado fue que el bando de Wong ayudó a que este se retirase, humillado por los golpes de Lee. Tiempo después la estrella se lamentaría profundamente del resultado del combate. Se reprochaba haber sido tan lento y no haberlo tumbado en cuestión de segundos.

Querida señorita Ford, no contratamos a mujeres: la carta de rechazo que mandó Disney en 1938

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Es cierto. Nadie puede escandalizarse a estas alturas de conocer la cara oscura de la Casa del Ratón. Y tampoco pillará a nadie de primeras que hace años campaba a sus anchas el sexismo en el mundo laboral de más alto estatus, entre esos puestos que causaban admiración pública. Pero pocas veces estas dos vertientes han convergido de una forma tan radiante e irónica como en la carta que recibió Mary Ford a finales de los años 30.

Ford debía ser una inquieta mujer con interés por el mundo de los dibujos animados. Lo sabemos porque solicitó en Disney participar de sus procesos de selección: ella quería guionizar o dibujar (no lo sabemos) alguno de esos sketches protagonizados por Pluto, el Pato Donald o el Lobo Feroz que hacían reír a niños y adultos por todo Estados Unidos y parte del extranjero en aquella época.

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Ante la petición, la respuesta de la compañía, una carta con un cuidado papel acompañado de unas bonitas ilustraciones de Blancanieves, le dijo lo siguiente:

Querida señorita Ford:

El departamento de Entintado y Pintura ha añadido su reciente carta para darle una respuesta.

Las mujeres no hacen ningún trabajo creativo en relación con el proceso de creación de los dibujos emitidos en pantalla, y todo ese trabajo es realizado por jóvenes varones. Por esa razón no atendemos a las solicitudes femeninas para la escuela de “training”.

El único trabajo abierto a las mujeres es el de repaso de los personajes en láminas de celuloide con tinta china, y su posterior coloreado del trazo en el reverso transparente siguiendo las marcadas instrucciones.

Para solicitar una posición como entintadora o colorista es necesario que venga al estudio portando muestras de pluma, tinta y color de agua de trabajo. No sería aconsejable venir a Hollywood con lo anterior específicamente en vista, ya que hay realmente muy pocas aperturas en comparación con el número de niñas que solicitan.

Efectivamente. La misma empresa que acababa de adaptar uno de los cuentos más importantes del imaginario popular femenino, el Estudio que aspiraba a difundir una serie de valores morales que alcanzarían a millones de niñas, no permitía que las mujeres formaran parte del proceso intelectual de las obras. Las pocas mujeres de Disney trabajaban en un entorno separado físicamente de los animadores masculinos, más prestigiados; en puestos que no necesitaban ninguna especialización y que por tanto tenían menor seguridad laboral, una altísima rotación, y ningún tipo de reconocimiento creativo.

Por aquel entonces, un animador de primera línea de la compañía podía estar ganando del orden de 500 dólares semanales. Un colorista de láminas, 12 dólares.

Esa es la carta que circuló en su momento, aunque no es la única: otra joven candidata llamada Frances Brewer recibió el mismo mensaje (punto por punto) cuando hizo su solicitud para el departamento de arte en 1939.

La Segunda Guerra Mundial: cuando a las mujeres se les empezó a reconocer en el mercado laboral

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La empresa de animación no mantuvo la estrategia mucho tiempo. ¿Una recapacitación de sus políticas laborales después de darse cuenta de la injusticia? No, supervivencia. En 1941, a muy poco de que tuviese lugar el ataque a Pearl Harbor, muchos hombres empezaron a cambiar los lápices por los fusiles. Al entender que iba a haber menos disponibilidad de hombres, la compañía se abrió a la contratación de mujeres en los puestos hasta ahora copados. A continuación, un extracto de los comentarios de tito Walt en aquel año, hablándole a las candidatas (nótese que no son consideradas por su empleador como “mujeres”, sino como “niñas”, “girls”):

Se está entrenando a las niñas se están entrenando para puestos intermedios por muy buenas razones. La primera es, que al hacerlas más versátiles pueden acumular mayor carga de trabajo y se pueden manejar mejor con el entintado. Créanme cuando digo que cuanto más versátil sea nuestra organización, más beneficioso será para los empleados, ya que asegura un empleo estable para el empleado así como un volumen de producción constante para el Estudio.

La segunda razón es que la posibilidad de una guerra y el alistamiento militar actual podrá afectar a muchos de nuestros jóvenes empleados ahora, y especialmente a muchos de los jóvenes solicitantes. Creo que si queremos que haya un negocio que puedan retomar estos jóvenes cuando regresen de la guerra debe mantenerse necesariamente durante la guerra. Y las chicas van a contribuir para esta misión.

En tercer lugar, las niñas artistas tienen el derecho de esperar las mismas oportunidades de ascenso que los hombres. Honestamente, por cierto, creo que eventualmente pueden contribuir de alguna forma a este negocio en maneras que los hombres nunca podrían o pensarían. Enntre el grupo de jóvenes que se está entrenando ahora hay bastantes perspectivas definidas y un buen ejemplo es mencionar la obra de Ethel Kulsar y Sylvia Holland en "The Nutcracker Suite" o lo concerniente a la pequeña Retta Scott, de la que oiréis hablar más cuando veáis Bambi.

Walt se olvidó de decir otra cosa: reemplazando algunos trabajos de mayor nivel por mujeres podía ahorrarse un buen pellizco en razón de nóminas, ya que por aquel entonces se aceptaba que las mujeres cobrasen menor dinero por el mismo puesto.

La empresa, efectivamente, permitió que más mujeres alcanzaran algunos puestos creativos más significativos dentro de la empresa, asistentes de animación en algunos de los mejores casos. Pero las tendencias segregadoras tampoco cambiaron demasiado las cosas, ni en Disney ni en muchas otras empresas de animación y entretenimiento. A los consabidos problemas de representación y empleo en la historia de Hollywood, el mundo de la animación también aporta sus propias cifras.

La sombra del machismo en la animación que no desaparece

Dl U249287 035 Chris Buck, Jennifer Lee, y Peter Del Vecho con el Óscar de animación ganado con Frozen.

Según las estadísticas de la asociación Women in Animation, en 2006 el porcentaje de hombres en la industria (computando entre todos los niveles) era del 84% frente al 16% de mujeres. Para 2015 los porcentajes habían variado un poco: un 80% de hombres frente a un 20% de mujeres.

Paradójicamente, las escuelas de animación de Los Ángeles tienen un porcentaje de alumnado de un 60% de mujeres y un 40% de hombres.

La primera película de Disney (co)dirigida por una mujer fue Frozen, de 2013. Jennifer Lee junto a Chris Buck fueron los encargados de firmar la que a día de hoy se considera el mayor éxito lucrativo en posteriores ventas de productos asociados de la historia de la compañía. Entre aquella carta que recibió Mary Ford y la primera vez que la Casa del Ratón ha permitido a una mujer copar el más importante puesto creativo de una película han pasado casi 70 años.

Este corto de Neill Blomkamp es un 'early access' de la peli y quiere convencerte para que la financies

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¿Te gustó Distrito 9? ¿Te pareció que Neill Blomkamp había dado más de sí en esta película que en Elysium o Chappie? Entonces puede que te alegres de oír esto. A modo promocional de su nuevo estudio fílmico, el sudafricano responsable de estos títulos ha decidido apostar por un corto (de 20 minutazos) donde nos muestra un universo de ciencia ficción muy mimético del que le lanzó a la fama, pero cambiando las tornas: ahora no somos nosotros los que reprimimos a los extraterrestres, son ellos los que han venido a nuestro plantea para esclavizarnos.

En un mundo oscuro, abrumado literalmente por el metano y con claras reminiscencias a la invasión de Irak, los humanos sobreviven dominados por unas criaturas reptilianas que nos utilizan como recurso energético. En este post-apocalipsis siguen resistiendo algunos grupos de civiles organizados (Sigourney Weaver entre ellos) que intentarán comunicarse con una tercera especie alienígena e indiferente al sufrimiento de los terrícolas. El final del corto, como puedes ver, plantea bastantes dudas. ¿Por qué?

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Porque la idea es elaborar el universo del corto en futuras entregas. Se trata de una pantagruélica beta promocional (al estilo de los videojuegos en early access) para mostrar el músculo de los realizadores, para que veamos la potencia de fuego y el talento de este equipo que no sólo quiere realizar esta pieza, sino otras “películas experimentales”.

Los de Oats Studios también demuestran que están dispuestos a arriesgar en sus métodos de financiación: Rakka puede verse en Youtube, pero también puedes adquirirlo en Steam, la plataforma de videojuegos, bajándote el clip a alta definición y accediendo, por cinco dólares, a un surtido de extras (o DLCs, ya que estamos en Steam) entre los que están el guión, entrevistas al director y un nutrido concept art y archivos 3D para que puedas sumergirte en los diseños de las criaturas y escenarios digitales (los compañeros de Las Horas Perdidas han subido un par de imágenes).

Es, decir, que en esencia Blomkamp y su equipo buscan en el apoyo del público una especie de financiación que le de alas a proyectos seriales, empezando por Rakka, saliéndose directamente del sistema de obras de alto presupuesto de la industria tradicional. Funcione o no la iniciativa, este corto al menos nos lo hemos llevado. Que lo disfrutes.

11 estupendos documentales disponibles en Netflix para sobrevivir a la molicie del fin de semana

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Hay 37º C ahí fuera y al lado de tu sofá hay un ventilador equiparable al Valhalla. No vas a salir de casa hasta las diez de la noche por que sólo entonces el asfalto habrá dejado de derretirse bajo tus pies. No tienes absolutamente nada que hacer porque es fin de semana. Pero tienes Netflix abierto y, como siempre, el algoritmo falla más que una escopeta de ferias. ¿Qué hacer?

Magnet Soluciones Para Todo llega en tu ayuda: aquí te traemos una decena de documentales que no debes perderte mientras sigan en la plataforma y que harán de las largas, tediosas horas bajo el aire acondicionado un lugar mucho más apacible. Desde largos relatos sobre la esclavitud en Estados Unidos hasta meter la cabeza de lleno en los cárteles mexicanos, pasando por Herzog y sus cosas y un fantástico retrato de cómo se llegó al fin de ETA negociando en Ginebra.

Un, dos, tres, adiós molicie del fin de semana:

1. El fin de ETA (2016)

Fin

Escrito por José María Izquierdo y Luis Aizpeolea, El fin de ETA es una aproximación a la mesa de negociación abierta por el ejecutivo de José Luis Rodríguez Zapatero entre el Estado español y la banda terrorista ETA. Un acercamiento a través de los testimonios de quienes, desde posiciones a priori antagónicas, pusieron sobre la mesa su trayectoria y su integridad física en aras de la paz.

El documental es minimalista e intercambia las palabras y los testimonios de figuras clave como Eguiguren (muy vindicado en el documental) y Otegui con piezas de archivo o intervenciones de personajes secundarios como Rubalcaba, quien se muestra fascinante. Lo singular de la historia que relata es que terminó en fracaso: las negociaciones se rompieron, pero no tenían marcha atrás. ETA se acabó igualmente.

2. Lo & Behold (2016)

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En su último documental, Herzog es más Herzog que nunca y aborda desde su siempre infalible capacidad existencialista las conexiones contemporáneas que nos unen a otdos. Lo & Behold Es un documental sobre cómo la tecnología nos ha unido, pero también sobre cómo ha dejado atrás a muchas otras personas, un recorrido a través de las brillantes luces y las siniestras sombras (más siniestras aún en su locución) que Internet y la conexión global han legado al ser humano.

3. Tierra de Cárteles (2015)

Cartel Land

Premiado en su día en Sundance y de una factura cinematográfica brillante, Tierra de Cárteles es un viaje hacia la frontera entre Estados Unidos y México. O mejor dicho, a la mexicana, donde el relato sobre las milicas paramilitares (autodefensas) que se erigen en protección del pueblo por su propia voluntad, al margen del estado inoperante, torna en dramática narración de la violencia, el desagarro y el descontrol en el que cualquier grupo miliciano acaba cayendo.

Lo más alucinante e impactante es que todo lo relatado en Tierra de Cárteles sucedió de verdad. Y las cámaras estaban allí para grabarlo.

4. Enmienda XIII (2016)

Aminext

De la acción trepidante de Tierra de Cárteles al carácter explicativo, sosegado y más intelectual de Enmienda XIII. Un documental necesario por su habilidad para explicar las superestructuras que vertebran la historia de la humanidad. En este caso, la que subyuga a la población afroamericana desde su esclavitud en Estados Unidos hasta sus absurdas tasas de encarcelamiento en el presente. Un relato que une hilos y ata cabos y que resulta terriblemente revelador.

5. Happy People: A Year in The Taiga (2010)

Happy

Volvemos a Herzog, que en esta ocasión remeda un documental grabado con anterioridad por Dmitry Vasyukov, cineasta ruso que pasó un año y medio viviendo en un remotísimo pueblo de la taiga siberiana. En su aventura, Vasyukov vivió como un local más, mostrando cómo las buenas gentes de este olvidado pueblo a la orilla del Yanisev cazaban, fabricaban sus propias herramientas y soportaban condiciones terribles durante el invierno. Aislados de la modernidad, de vuelta a la Edad de Hierro.

Herzog arregló las cuatro horas de grabaciones de Vasyukov en un documental que pasa de relato antropológico a, como siempre en el caso de Herzog, estudio de la psicología humana y de sus particulares designios.

6. Exit Through The Gift Shop (2010)

Exit Through The Gift Shop

¿Fue todo un montaje de Bansky con objeto de reírse de los circuitos artísticos internacionales o los hechos relatados en Exit Through The Gift Shop fueron reales y realmente un videoaficionado con suerte logró engañar a toda la humanidad y convertirse en uno de los artistas más cotizados del mundo? La pregunta surge de forma inevitable cuando termina el documental, y aún hoy está sin respuesta: gigantesca broma o historia real, es igual de fascinante.

7. The Act of Killing (2012)

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Dos larguísimas horas de hombres mundanos explicando frente a cámara cómo asesinaron sin pudor durante las matanzas de Indonesia de los sesenta. Personas viejas, vulgares y mediocres narrando sin ningún tipo de vergüenza o culpa cómo participaron en un genocidio que pudo acabar con la vida de más de un millón de personas. Un relato sin narración, expuesto por las cámaras de Joshua Oppenheimer, en el que se articula aquello que Arendt bautizó como "la banalidad del mal".

Gentes banales siendo malvadas, sumisas de un sistema de valores que les impide reconocer su propia maldad, hasta hacerla banal e inservible. Terrorífico y necesario.

8. Winter on Fire (2015)

Winter

Tres años después de que Ucrania saltara por los aires, Winter on Fire: Ukraine's Fight for Freedom es una aproximación interesante (de parte, huelga decir) al proceso del Euromaidán, las protestas en Kiev y la expulsión definitiva de Yanukóvich del poder. Las cámaras del documental producido por Netflix para su propia distribución se cuelan en la plaza central de la ciudad y explican desde las causas originales del levantamiento hasta sus cruentas consecuencias.

9. Under the Sun (2015)

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Cuando Vitaly Mansky obtuvo el permiso del gobierno de Corea del Norte para su documental lo hizo bajo condiciones muy concretas: filmar lo que ellos le dijeran. Under the Sun es el resultado opuesto: un año viviendo junto a una familia común de Corea del Norte en el que se explica la opresión, la crueldad, la miseria y la triste realidad del régimen comunista, peor, según sus palabras, a aquel que vivió la Unión Soviética durante los años '30. Naturalmente, Corea del Norte se enfadó muchísimo.

10. Inside Job (2010)

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Narrado por Matt Damon, Inside Job es el archiconocido documental que explica la crisis financiera de la década pasada y cómo apenas tuvo consecuencia para sus culpables directos. Un relado, similar al articulado en películas como Margin Call o The Big Short, a través del que aprendemos instrumentos financieros catastróficos, una avaricia simpar en Wall Street y una dejadez consciente por parte de todos los reguladores implicados. Es el retrato de un desastre catastrófico.

11. Fed Up (2014)

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Un cierre muy nuestro: Fed Up es la explicación hecha documental de cómo la industria alimenticia logró hacer pasar al azúcar como algo relativamente inocuo en casi todos los productos que consumimos a día de hoy. Sobre los hábitos de consumo estadounidenses y por ende mundiales que están disparando la obesidad en todas partes y sobre el vilipendio en los sesenta y setenta de las grasas saturadas.

Sí, Henry Cavill ganó $14 millones por Superman y Gal Gadot $300.000 por Wonder Woman. No, no es machismo

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Wonder Woman Superman

Wonder Woman es un éxito económico. En serio, en DC deben estar que no se lo creen. Claro que, con las buenas críticas y mejores datos en taquilla, era cuestión de tiempo que aflorasen las controversias internas: Gal Gadot, la estrella protagonista, ha cobrado, según dicen múltiples medios estadounidenses, una miseria. La misma película que defiende ser feminista (o al menos así ha funcionado su publicidad, voluntariamente o no), se aprovecha del género de su estrella para darle un sueldo más exiguo.

Según un anuncio de Variety de 2014, Gadot firmó aparecer en tres películas de la saga y cobrar 900.000 dólares en salario directo por la suma de las tres. Es decir, que ha hecho 300.000 por una película protagonizada por ella: lo mismo que en los diez minutos en los que salió en Batman Vs Superman como ha hecho en WW o lo que filmará para la próxima peli de la Liga de la Justicia.

Aun así, un salario de 300.000 dólares por una cinta que ha costado 149 millones y donde la taquilla lleva sumando 573 millones sólo en sus primeros fines de semana (el mayor éxito de la historia de DC y uno de los más importantes del cine heroico de los últimos años), se puede hacer pequeño.

¿Es Superman 64 veces más poderoso (económicamente) que Wonder Woman?

Y si Hollywood acumula una creciente sombra (y preocupación) por el sexismo en los sueldos de sus estrellas según su género, no ayuda nada la otra cifra que ha circulado: Henry Cavill se llevó 14 millones de dólares en su papel de Superman en El hombre de Acero. Tanto Cavill como Gadot eran actores con trabajos anteriores (él en Los Tudor, ella en Fast & Furious) pero, por lo general, desconocidos por el gran público. Y tanto EHDA como WW son películas precursoras de una nueva saga que intentará crecer en el futuro.

Wonder Woman

Sí, parecen la comparación perfecta, frente a frente. 300.000 dólares o 14 millones. O que Wonder Woman vale el 2% de lo que vale Superman. Para más inri, El hombre de Acero logró 670 millones en su recaudación final de un presupuesto de 225, quedando en muy mal lugar si lo comparamos con el beneficio porcentual que está logrando la peli dirigida por Patty Jenkins.

La cifra de los 14 millones conseguida por Cavill, eso sí, tiene un matiz muy importante: es el saldo final después de sumar todos los bónuses ganados a partir del porcentaje de participación del actor de los beneficios de taquilla y productos derivados. Esa fórmula es la misma bajo la que se ha acogido Gadot en su actual contrato con Warner. Es decir, que a los 300.000 dólares de sueldo base habrá que sumarle una importante suma por los beneficios, que van a ser muchos, ya que se prevé que Wonder Woman siga creciendo en la taquilla internacional.

Con respecto a los 14 millones de Cavill hay también otros dos detalles: Superman es el superhéroe más reconocible de todo el universo heroico, y aunque su película fuese un reboot era una jugada mucho menos arriesgada (y por tanto, un papel con mayor poder de negociación en los acuerdos previos para el actor) que la primera aparición de la amazonas de Themyscira como protagonista.

Henry Cavill Superman 0

Y lo segundo, la cifra final del sueldo de Cavill que circula proviene de un único artículo de Forbes, con lo que una segunda fuente que ratifique el dato del sueldo sería una aportación muy bienvenida.

Esa cifra no tiene por qué ser incorrecta, pero siguen siendo unos honorarios muy inusuales para un pseudonovato: para hacernos una idea, el conocidísimo Christian Bale cobró 15 millones por hacer la segunda parte de El Caballero Oscuro. De ser cierto, no nos extrañaría que todas las incipientes estrellas de la interpretación intentasen acabar en las manos del agente de Cavill en aquel momento.

El fijo y la variable: la difícil fórmula para medir los contratos de actores en Hollywood

Jennifer Lawrence As Katniss Everdeen 1920x1080

Por último, el sistema de cobro con un fijo “ridículo” más una cuantiosa variable según beneficios en taquilla es el habitual desde hace años en muchos contratos de los intérpretes de personajes del mundo del cómic. En sus primeras apariciones, los actores Andrew Garfield (Spiderman) y Chris Evans (Capitán América) negociaron respectivamente 500.000 y 300.000 dólares de partida, y Chris Hemsworth (Thor) tuvo un sueldo aún más modesto, de 200.000 dólares.

Lo mismo le ocurre a algunos de Los Vengadores (no sabemos cuáles de ellos), que según Deadline negocian unos 300.000 dólares por película que luego, dependiendo del éxito de cada entrega y su negociación en base a los beneficios particulares, les granjea entre 2 y 6 millones de dólares. Se estima que las ganancias finales de Gadot por Wonder Woman estén más cerca de esta última cifra, pero sólo la conoceremos, en caso de que se filtre, después del año y pico de distribución en múltiples plataformas y países que logre la película. Avengers Stony Captain America Iron Man The Avengers

Es decir, que la discriminación en su nómina podría empezar a aflorar de una forma más clara ahora que Gadot es una estrella internacional reconocida, en las posibilidades de que haga crecer su caché. Un ejemplo más claro del perjuicio que sufren las actrices en este terreno: mientras Robert Downey Junior es capaz de pedir 20 millones de dólares por adelantado por su participación en Los Vengadores (y acabar cobrando 50 vía bonuses), Jennifer Lawrence sólo logra negociar 10 millones por la última entrega de Los Juegos del Hambre, una película que, en fin, sólo protagoniza ella mientras que en la de los superhéroes de Marvel Iron Man es uno más.

El sexismo en los salarios de Hollywood es real, sobre todo en lo que tiene que ver al poder de permanencia en el star system (a las mujeres “las jubilan” antes) y al porcentaje de roles abiertos para cada uno de los géneros, donde los hombres vencen en oportunidades a las mujeres por goleada. Pero el caso de Gal Gadot y su Wonder Woman no es el ejemplo más claro de esta injusticia.

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Otra cosa es que queramos hablar del sesgo de contratación del propio equipo de filmación de Wonder Woman, pero eso ya es harina de otro costal.

ACTUALIZACIÓN: Vanity Fair ya ha hablado con fuentes cercanas a Gadot y confirman lo que Magnet y otros medios decían, que hay que tomarse con cautela esta acusación de brecha de salario. Aunque aún no han podido confirmar la cifra de ganancias de 14 millones que circula sobre Henry Cavill en su papel de Superman, no creen que se refiera a lo ganado por una sola película por el actor. Opinan sin embargo que lo negociado por Gadot se parece mucho a lo que pudo negociar Cavill o a lo que han ganado, por ejemplo, otros Vengadores, que hacen mucho más dinero vía bonificaciones. Y la actriz israelí, que aún no ha firmado su participación para Wonder Woman 2, está en negociaciones para pedir un aumento del 10% de salario.


Ricky Gervais embiste a los taurinos en redes sociales al defender al toro que mató a Iván Fandiño

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Gervais

Ricky Gervais está a favor de dos cosas: del humor deslenguado e incluso hiriente hacia personas y colectivos… y de los animales. El cómico británico que se popularizó por la realización de The Office y por sus corrosivas presentaciones de los Globos de Oro de hace unos años está de actualidad en el mundo hispanoparlante. Gervais está muy, muy cansado de los defensores de los toros.

Pero esta vez sus comentarios no han sido del todo bien recibidos. Mientras el cuerpo del diestro Iván Fandiño descansa por la cornada mortal que recibió el matador en el pecho en su último espectáculo, el cómico compartía la noticia de su muerte en sus redes acompañando con una apostilla: “Precioso toro que estaba siendo torturado se defiende”.

El mensaje ha salido, claro, de su entorno inmediato. Ha cruzado la barrera idiomática y muchos aficionados al toreo se han echado en Twitter al cuello de Gervais. Entre todo el ruido un comentarista se ha ganado la réplica de la estrella, a quien le contestó diciendo “El toro también estaba haciendo su trabajo de forma legal: ser un puto toro. El toro fue mejor en su trabajo que ese imbécil vestido como Liberace”.

Gervais ha soltado otros comentarios despectivos hacia la tauromaquia y sus practicantes en el pasado. Cuando casi muere el mexicano Mauricio Martínez Kingston por otra cornada en el ruedo el cómico habló del animal como "un pobre toro asustado cornea a su torturador en el corazón". Y a seis corneados de los Sanfermines les dedicó un "bien. Estúpidos gilipollas".

Las cogidas de los toreros Juan José Padilla, Andrés Roca Rey o Saúl Jiménez Fortes han aparecido también en su muro, ya que son el ejemplo perfecto, según su visión, de la hipocresía de este espectáculo. Todo vale para humillar y matar a los animales, pero en cuanto uno de ellos es capaz de contraatacar frente a sus agresores, el toreo cierra filas y evita la muerte del humano. Para Gervais, esta no es una relación simétrica, y se convierte en uno de los ejemplos más claros de la crueldad animal innecesaria.

"Preferiría que nadie torease. Pero si vas a enfrentarte a un toro e intentar torturarle hasta la muerte, espero que te mate a ti. ¿Qué te parece?"

"Ni yo ni ningún toro querría que luchases en el ring para montar ningún espectáculo. Pero si insistes, espero que gane él".

"La gente que está molesta porque un toro le arranque la cara al 'pobre hombre' debería luchas por prohibir este 'deporte', así los 'pobres hombres' no saldrían heridos".

"Impactante momento en el que un matador es acribillado en su culo por un toro salvaje. Un 'gilipollas' se hace un nuevo 'agujero en el culo'".

"¿Por qué siempre detienen el combate en cuanto el toro empieza a ganar?"

Gervais tiene videos anteriores explicando su postura sobre la lidia de toros:

Aunque nada ha tenido el alcance de sus últimas y polémicas declaraciones, unos comentarios que han polarizado la opinión en redes y donde el humorista ha encontrado también a defensores.

Este grupo, aprovechando el momentum, ha querido también defender al propio Gervais visibilizando las acciones animalistas que ha llevado a cabo al margen del toreo. Por ejemplo, protagonizar una campaña para terminar con las peleas de perros. Parece que este cómico que se calza la piel de lobo en el escenario se la quita para ponerse de parte de los más débiles cuando baja del mismo.

Uno de los condenados de Making a Murderer va a salir de la cárcel. Y todo el mundo está encantado

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Main Brendan Dassey Making A Murderer

Medio Estados Unidos está ahora mismo pendiente de la salida inminente de un condenado por cómplice en el asesinato de una mujer en 2005. La mayoría de los que están siguiendo esta historia apoyan al supuesto criminal. Y la culpa la tiene Netflix.

Si ya has visto Making a Murderer no has podido olvidar a Brendan Dassey. En caso de no haberlo hecho, la historia es la siguiente: la plataforma VOD sacó a finales de 2015 un polémico documental que puso patas arriba la reputación de la justicia del condado de Manitowoc en Estados Unidos. Steven Avery estuvo injustamente condenado por una agresión sexual que supuestamente no cometió durante casi dos décadas. Hubo que esperar a la llegada del sistema de pruebas de ADN para demostrar que él no agredió a Penny Beerntsen, por mucho que eso fuera lo que todo el entramado judicial de la zona se empeñara en hacer creer a la comunidad, ya que la familia Avery era la oveja negra de la región.

La justicia se pone de parte de Brendan Dassey: su testimonio estuvo coaccionado

Pues bien, después de que se probase su inocencia, a los dos años de su liberación, Avery fue de nuevo condenado, esta vez por asesinato, gracias a una investigación que fue de todo menos limpia. Pruebas que, según nos muestran las documentalistas, aparecen de repente ante los policías tras semanas de búsqueda. Camionetas que se encuentran bajo llamadas de anónimos sospechosos, manchas de sangre de Avery contaminadas, agentes implicados en el encarcelamiento anterior que se pasean ilegalmente por el escenario del crimen.

Para enchironar a Steven Avery esta vez buscaron también el testimonio de inculpación de su sobrino, Brendan Dassey. Los dos acabaron entre rejas, y desde que toda la nación vio los 13 capítulos de la serie de Netflix (que, todo hay que decirlo, construye al Estado como un villano sin matices) se han hecho campañas de ataque en múltiples plataformas contra la sentencia de los jueces. Todos quieren a Avery y a Dassey en la calle.

¿Y por qué está de actualidad Dassey? Porque casi una década después de las condenas de los miembros de la familia Avery Associated Press lanza ahora el comunicado de que un tribunal federal ha confirmado la decisión de revocar la confesión de Dassey, ya que han considerado que fue coaccionada por los agentes durante el interrogatorio. Tras pasaste 10 años entre rejas, el adolescente granudo que entró siendo menor de edad estará en libertad.

¿Y cómo puede ser que el testimonio estuviera coaccionado? Los espectadores de Making a Murderer pudieron verlo bien. Dassey nunca fue un chico especialmente brillante, e incluso se insinuaba que sufría alguna dificultad pedagógica. En la grabación de un testimonio que duró horas y en el que el adolescente estaba solo, sin abogado, frente a dos veteranos interrogadores, éstos le prometieron que le dejarían libre si decía lo que ellos querían oír.

Buscaban que confirmara que su tío le había contado cómo había asesinado a la fotógrafa Teresa Halbach para después quemar sus restos. Dassey tenía tan pocas pistas de lo que los agentes querían oír que en el video se ve cómo el chico da palos de ciego (la mató con un puñal, la disparó en el pecho) hasta que los interrogadores le fueron desmenuzando pauta por pauta lo que tenía que decir. Como se descubrió después, su relato era prácticamente idéntico al argumento central de un libro que Dassey había leído anteriormente, Kiss the Girls.

A la espera de Manitowoc: Dassey se enfrenta a un posible nuevo proceso

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El pasado mes de agosto, ocho meses después del estreno de Making A Murderer, un juez federal de Milwaukee anuló la condena de Dassey. Revisadas las pruebas, el juez de Milwaukee mantiene que la confesión fue obtenida indebidamente, ya que Dassey tenía cuando la dijo 16 años, mostraba deficiencias intelectuales y no tenía un adulto junto a él presente en el interrogatorio. Se habían violado las enmiendas 14 y 15 de la Constitución del país. El departamento del sheriff del condado de Manitowoc defiende que el interrogatorio se cumplió perfectamente, que llevaron a cabo el protocolo estándar y que la confesión es legítima.

Ayer mismo el panel de apelaciones de Chicago ha decidido mantener la decisión de agosto:

Los investigadores le prometieron a Dassey libertad y apoyo si decía la verdad, y todos los signos sugieren que Dassey se tomó esa promesa de manera literal. El guión de las preguntas del interrogatorio demuestra que el mensaje que los investigadores le estaban lanzando al sospechoso es que “la verdad” era lo que ellos querían oír. Dassey demostraba tener problemas para mantener su historia de forma consistente, excepto cuando se le guiaba paso a paso por los hechos, confirmando así que su confesión no nace de su propia voluntad, sino de la voluntad de los investigadores.

Los espectadores saben bien que la odisea judicial de los Avery les ha hecho perder continuamente sus esperanzas ante cada pequeño triunfo contra el sistema, pero si todo se mantiene, Brendan Dassey tendrá que salir de la cárcel en los próximos 90 días y ningún policía o juez corrupto podría deternerle. La liberación de Dassey no va a afectar en la condena vitalicia de Avery, ya que la acusación retiró el testimonio del adolescente como prueba para su encarcelamiento. Tenían demasiadas pruebas físicas y la acusación del chico no les hacía falta.

Brendan Dassey Making A Murderer

Siguiente parada: ver si se volverá a procesar en el futuro a Dassey por algún otro de sus testimonios. Lo cierto es que, como decían en su libro sobre el tema Ken Kratz, Dassey sí había dado detalles sobre la violación y el asesinato de Halbach, sin los cuales la policía podría haber encontrado pruebas esenciales para condenar a Avery. Esa es la cara que nunca se vio en el documental que tanto ha influido en la opinión pública sobre esta familia, que Dassey fue capaz de explicar en otros videos la arquitectura completa del crimen de su tío, con detalles completos, contra la fotógrafa.

Es el 35 aniversario de Blade Runner, y es hora de que reconozcamos el talento futurista de Syd Mead

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Portada

Blade Runner es una obra especial por muchas cosas, pero una de ellas fue haber logrado que, pese a construirse sobre un universo completamente fantasioso, nos trasmitía una sensación de familiaridad. Habitábamos, como Deckard, aquella urbe decadente con nuestra mirada imbuidos de sensaciones de crueldad y nostalgia. Era el futuro de 2019 según lo imaginaron las mentes de 1982, pero era un ecosistema que entendíamos como un producto humano. Esa ciudad era nuestra.

Y la culpa de todo la tiene Syd Mead. Aunque la mayoría conocemos a Ridley Scott e incluso a Vangelis, quien puso la ambientación sonora de la cinta, no tantos saben que las escenografías salieron de la mente de este ilustrador devorador de ciencia ficción, amante de las posibilidades estéticas y urbanas de los vehículos y defensor del racionalismo arquitectónico heredado del clasicismo.

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Cuando dibujaba horizontes saturados de altísimos edificios y describía un mundo dividido en clases verticales (a ras del suelo los pobres, en las plantas aéreas los ricos) no sólo estaba haciendo una propuesta estética, sino organizativa: aunque este no le parecía el ordenamiento óptimo para el desarrollo social de la humanidad, sí le parecía el camino por el que podrían terminar optando orgánicamente las megaurbes contemporáneas.

Mead, dibujante de vehículos para Ford y diseñador industrial para algunas de las compañías más importantes de los 70 y 80, ha trabajado esporádicamente en años posteriores para los departamentos de arte de películas de tan alto presupuesto como expectativas visuales. Este artista de Minnesota imaginó el aspecto de la archiconocida adaptación de un relato de Philip K. Dick, pero también le puso color y forma al mundo de Star Trek, Tron, Tron Legacy, Misión Imposible III y Elysium.

Su último proyecto cinematográfico ha sido Tomorrowland, una obra de arrebatadora e imaginativa estética donde esta vez atisbaba un futuro dominado por el optimismo y la luz, en lugar de la oscuridad sucia de la obra de Scott.

Syd Mead Tomorrowland

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Blade Runner cumple hoy 35 años desde que se estrenara en cines, desde que todo el mundo pudiera disfrutar de esa ansia de colonización del imaginario del futuro de la que hicieron gala los pinceles de Mead y los encargados de escenografía que llevaron sus ideas a las tres dimensiones. Por problemas con el sindicato del cine, Mead no pudo firmar en la película como director artístico, así que, oficialmente, su trabajo aquí se definió como “visionario del futuro”.

Porque esa ha sido la tarea del dibujante en todas estas incursiones. Suya ha sido la misión de imaginar ese proceso de evolución constante de la humanidad hasta llegar al momento de la ficción que cada director de cine nos entregaba. Blade Runner son sus neones, sus calles sucias, su vida en apartamentos asfixiantes y altamente tecnologizados y su constante halo de contaminación. Esa es la realidad que salía de la revista Heavy Metal o de las obras del arquitecto Antonio Sant'Elia, pero también algo con lo que nos podemos sentir profundamente reflejados los humanos de nuestra era. Sobre las incongruencias en la predicción futurista de Blade Runner, Mead decía recientemente lo siguiente:

Reconozcámoslo, nadie necesita un edificio de 2.500 pies de altura. Creo que vamos a empezar a construir ambientes rurales dentro de las ciudades, y eventualmente tendremos grandes edificios cerrados. Esto ya se puede ver en los centros comerciales, y China acaba de construir el edificio más grande del mundo, con máquina de olas y playa artificial incluida. Es un edificio enorme y genuinamente feo. Si a día de hoy diseñase una ciudad urbana del futuro, pondría algunos edificios altos como ese, como los que están de moda en este momento, pero también añadiría áreas rurales flotantes sobre la arquitectura existente.

Para conocer más sobre su trabajo, tanto el cinematográfico como el de diseño industrial, puedes entrar a su página web e informarte sobre su trayectoria. Hay publicados también un par de documentales sobre su vida y obra: Visual Futurist: The Art & Life of Syd Mead y el cortometraje 2019: A Future Imagined. Para lo demás, puedes quedarte en estos, que son algunos de sus diseños de concept art (aquí tienes algunos más), como recordatorio de esa conquista del futuro que supuso Blade Runner.

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24 razones por las que los libros de Harry Potter cambiaron nuestra forma de ver el mundo para siempre

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Reconozco que me encuentro en un lugar privilegiado para hablar de estos libros. Yo, como todos los de mi clase y conocidos de mi quinta, recibí el primer libro de Harry Potter con la misma edad que la que tenía Harry cuando recibió la noticia de sus poderes especiales, y crecí simultáneamente junto al chico de la cicatriz salvo aquel par de años con los últimos libros que Rowling quiso hacernos esperar.

Él es el mago más conocido de la juventud actual, y ahora mismo se cumplen 20 años del estreno de publicación británica de Harry Potter y la piedra filosofal. Nada me parece más importante ahora mismo que celebrar todo lo que nuestra generación aprendió gracias a estos libros. Allá vamos:

1) La ilusión de que la magia existe

Primero y más importante: Rowling nos dio a los niños de mi generación (y a todos los que hayan empezado a leer los libros a corta edad) un inmenso regalo: la esperanza de que este mundo, que ya se empezaba a adivinar aburrido, sólo fuera una farsa hasta que se nos abriesen las puertas de la realidad mágica. Hasta los 14 albergué auténticas esperanzas de que una lechuza rezagada entrarse por la ventana de mi cuarto para darme la carta de alistamiento en Hogwarts, y creo que muy pocas generaciones han vivido con esa bruma de misterio colectivo los últimos años de su infancia, el paso justo hasta antes de la conciencia y la responsabilidad adulta.

2) Crecer con tus personajes favoritos

Y ese es el segundo paso: los libros avanzan tanto en lenguaje como en temas casi de manera sincrónica con el desarrollo medio de un adolescente. Por aquel entonces no teníamos ni idea, pero estábamos haciendo una transición directa entre la literatura infantil y algo llamado “young adult”, subgénero cuyo boom comercial en años posteriores no se explica bien sin el éxito de esta saga.

3) En realidad son unos libros oscurísimos

La muerte está presente desde el primer párrafo. Harry es huérfano, no hay nada que desease más que estar con sus padres, tal y como le refleja el espejo de Oesed, y la cicatriz de Harry es en realidad una metáfora sobre el dolor de la muerte de los seres queridos y un talismán para superar las tinieblas estando solo. El amor nos acompaña siempre y nos lo explicó Lilly Potter, no Jesús.

4) Empieza a aceptar tu mortalidad (a los 11 años)

Esto se ve también porque los recuerdos de muerte de los años dorados del reinado de Voldemort han dejado muchas heridas entre los adultos del mundo mágico. Hay literalmente fantasmas pululando por ahí, criaturas capaces de convertirte en un zombie sin sentimientos, y decenas de personas, jóvenes y adultas, que van muriendo. Finalmente, mientras el villano hace todo lo posible por convertirse en inmortal, lo que salva a los héroes en sus últimas batallas es aprender a convivir y aceptar la muerte como algo más de la vida.

5) Este mundo está totalmente abierto a la tolerancia y al respeto de la diversidad

Para empezar, Harry debe imbuirse en un nuevo mundo de códigos y de razas, que tienen sus propias reglas sociales. Todas las criaturas, por extrañas o patéticas que te parezcan, merecen un respeto, y si no lo tenían (caso de los elfos domésticos) dentro de su contexto, el choque de costumbres hace que a las personas de buen corazón (como los outsiders que son Hermione o Harry) les parezca un trato vejatorio que debe corregirse.

6) No sólo se trata bien a las criaturas, también a las personas

Durante siete tomos se realizaba un paralelismo entre muggles, nacidos de muggles y squibs y la persecución a la que los mortífagos les sometieron tal y como hicieron los nazis con los judíos o los homosexuales, entre otros. Las clases sociales, como podríamos esperar en la literatura británica, también está presente, pero por mucho que algunos desprecien a los Weasleys ellos siguen siendo la familia de chavs más carismática y cariñosa a este lado del telón mágico.

7) Hay mil y un conceptos harrypottienses han pasado a la cultura popular

Vamos con lo bueno bueno de verdad: todos necesitamos un giratiempos de vez en cuando, fantaseamos con colarnos en algunas habitaciones con capas de invisibilidad, hay objetos que inevitablemente son horrocruxes, todos sabemos (y le perdonamos) a Death Note que le robase el concepto al diario de Tom Ryddle. Que levante la mano el que no haya tenido días de tener que volcarlo todo en un pensadero, y el que no haya imaginado cómo escribir sobre alguien a quien odiamos simulando la pluma de Rita Skeeter es que no tiene sangre en las venas.

8) Las ranas de chocolate

Y grajeas mágicas con sabor a mil cosas, también a vómito. Eres un enano y esto no se te había ocurrido pero te flipa.

9) Y también eran alucinantes las cervezas de mantequilla

Que no emborrachaban pero igual te preparaban para un buen infarto al corazón a los 40.

10) Aprendimos mucho de mitología antigua

Rowling rescató, remezcló y actualizo y que lo han molado todo: gigantes amables, gnomos banqueros, dragones y fénix, serpientes que te dejan de piedra, arañas gigantes y malvadas, hipocampos directos desde Grecia, gentes del agua que no son sólo sirenas, esfinges, trolls...

11) Rowling nos abrió los ojos del mundo del spoiler

Experiencia colectiva real: tener pánico de hablar con según qué personas para que no te contasen lo que había pasado en ese pedazo de final del sexto libro.

12) Reconocimos el poder oculto de las palabras gracias a Rowling

Y no me refiero a la riqueza léxica o cosas así, sino al mismísimo poder de las nomenclaturas: si algo no puede ser nombrado se convierte en la sombra que atraviesa toda nuestra realidad, el agujero negro que absorbe todo aquello de lo que no se habla. Lo que se calla es lo que nos somete, y la única solución es echarle valor y decir las cosas por su nombre. Como dijo Dumbledore, “las palabras son, en mi no tan humilde opinión, nuestra fuente más inagotable de magia”.

13) Y de repente saber lenguas muertas valía para algo

En serio, ¿cuántos niños empezarían a amar el latín desentrañando las raíces de los hechizos de estos libros? Apuesta y ganarás a que más de uno y más de 100 niños en todo el mundo se metieron a estudiar lenguas clásicas para decir cosas más guays que Accio, Impedimenta o Expecto Patronum.

14) Quidditch

Porque el quidditch lo petaba. ¡Es un deporte de volar en escobas y tirar pelotas en aros! Ya que estamos con esto, es muy importante el hilo de este tuitero: aunque no lo parezca Harry Potter ha jugado tres veces en toda su vida y la buena era Katie Bell.

15) ¿Eres más de Ravenclaw o de Gryffindor?

Cualquier quiz infantil sobre tu personalidad era mil veces menos interesante que adivinar a qué casa te mandaría el Sombrero seleccionador. Sigo buscando a una sola persona que afirme que su primer deseo es pertenecer a Hufflepuff.

16) También nos hizo entender a nuestros enemigos

Y no me refiero a-ese-enemigo-que-luego-resulta-no-serlo, sino a esos iguales que te hacen la vida imposible porque simplemente son mediocres y a los que, llegado el momento, puedes ver con ojos comprensivos.

17) Rowling puso a cientos de miles de niños a practicar control mental

¿Alguna vez has intentado controlar lo que piensas antes de dormir? Muchos lo intentamos sincronizándonos con el reto de Harry para el quinto libro para descubrir que es imposible. No pienses en un elefante rosa, no pienses en absolutamente nada. Piensa en blanco. Pero el blanco es un color. ¿Qué color es ningún color? ¿Ves? Ya estás pensando otra vez.

18) Y también a convertirse en guerreros de lo emocional

¿Y tendrías la fuerza de voluntad y pureza de corazón para confeccionar un patronus en los momentos de mayor tensión? Casi como si fuese un dictado para que nosotros mismos aprendiésemos a templarnos en las situaciones críticas, Rowling nos puso deberes: como estos jóvenes soldados del Ejército de Dumbledore tú también tendrás retos diarios a los que enfrentarte con ánimo y cabeza fría.

19) Los ya-no-tan-niños empezamos a tomar el testigo (y la pluma)

En serio, en los círculos más selectos en lo que se conoció el verano de tres años (el tiempo en el que Rowling tardó en sacar el quinto libro) la red explosionó de relatos fan fiction imaginando el futuro de los personajes de este universo, gente de decenas de idiomas creando imaginativas versiones propias que saciasen nuestras ansias de saber.

20) Somos mucho más que el valor que nos asignan escuelas (y empresas)

Otro mensaje muy contracorriente para una novela juvenil: tampoco hay que tomarse demasiado en serio las notas académicas. En fin, la casa de Griffindor ganaba cada año por los evidentes favoritismos de Dumbledore hacia sus ojitos derechos, y si Harry podía excusarse de memorizar las páginas del Diccionario de Runas por estar inmerso en una lucha contra las fuerzas del mal y se pasó siete años sin abrir prácticamente un libro, todos podemos hacerlo. Lo que importa son las circunstancias, y si un alumno tiene, por ejemplo, que compaginar trabajo con estudio, es natural que saque peores notas, eso no le hace menos inteligente o válido.

21) La literatura fantástica volvía a molar

Normalmente no nos acordamos de esto, pero antes de Harry Potter los editores recelaban del apoyo a la literatura fantástica. Estaban los Libros de la Dragonlance y poquito más, productos casi marginales para un nicho muy friki (el boom de El Señor de los Anillos también estaba llegando en ese justo momento).

22) ¡Un referente propio! ¡Nada de heredar las historias de generaciones anteriores!

Porque el fenómeno masivo de HP no sólo supuso la creación de un cuento fabuloso contemporáneo (es decir, los niños leían esto, no Stevenson o Roald Dahl), sino también el auge de este tipo de literatura que ahora puedes encontrarte en medios tanto de prestigio como independientes. Información, no opinión: entre 1996 y 2006 el grosor de los libros leídos por jóvenes de 8 a 12 años aumentaron en un 37% de páginas. Leíamos más.

23) Porque te están dando ganas de releerlo (y eso está bien)

Y por último: son libros que podrías volver a leer de adulto. Es decir, ahora mismo, de sus 4.100 páginas de aventuras, relaciones intensas, traiciones, afiliaciones y centenares de sorpresas mágicas. ¿No te han entrado ganas irrefrenables de volver a cruzar el andén 9 y tres cuartos? Los libros de Harry te esperan.

24) Y porque todos llevamos en nuestro corazón a Neville Longbottom

Es la figura más trágica de la saga y me batiré en duelo mágico con quien se atreva a ponerlo en duda.

The Red Pill: el documental subterráneo que muestra la opresión que sufre el hombre en la sociedad moderna

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Laci Green, la youtuber feminista más importante del mundo, ha causado un gran revuelo entre su comunidad de seguidores en las últimas semanas. Ha hecho dos videos donde dice haberse acercado al movimiento Red Pill. Quiere entablar un diálogo para comprender sus ideas y saber cuáles son sus demandas.

El problema es que este grupo es uno de los adversarios directos del feminismo de cualquier corte, una organización integrada casi totalmente por hombres que nace como reacción de rechazo a las conquistas sociales de las mujeres de las últimas décadas. Cientos de feministas han salido en protesta, repudiando el gesto de Green. No quieren ni que se hable con ellos ni mucho menos de ellos. La comunicadora por su parte defiende que el ambiente de muchas de sus compañeras se está convirtiendo excesivamente censor y tóxico, y que el diálogo con los que piensan distinto a ti es más necesario que nunca, para no vivir en una cámara de resonancia donde nada se cuestione y se pierdan puntos de vista disidentes.

Nosotros estamos de acuerdo con la actitud de Green, y por eso hemos querido acercarnos a The Red Pill, el pilar fundacional en video del movimiento masculinista. En el mundo anglosajón es ya vox populi, y en foros de hispanoparlantes también se empieza a ver cómo el mensaje de este video cala entre muchos usuarios. Parece el contrapeso necesario a tanta “ideología de género” que puebla los medios tradicionales, más necesario si recordamos que tuvo que financiarse vía Kickstarter frente a continuos boicots y desprecios por parte de la hegemonía. El relato entre los redpillers es claro: se trata de la verdad silenciada.

Como muchos de nuestros lectores asiduos sabrán, la que escribe esto es una feminista convencida, pero tengo que reconocer que ver este documental, satanizado desde fuera, ha sido mucho menos encolerizante de lo que mis prejuicios podían anticipar. Cassie Jaye, la directora e ideóloga del documental, es una mujer anteriormente identificada con el feminismo que nos introduce en un relato de iluminación. Hablando con los hombres de esta organización Jaye ha descubierto lo que hay tras la cortina: los hombres también sufren, y la construcción de los relatos feministas desde los medios fabrica un reflejo opresor de quienes están tan perjudicados o más por el sistema que el de las mujeres. El feminismo institucionalizado está generando una misandria que está extendiéndose a todas las capas de la sociedad.

Pero tal y como se explica desde las críticas cinematográficas que se han hecho de la cinta, el argumentario que The Red Pill fabrica también tiene sus agujeros. Se nota bastante que el documental hace una selección capciosa de los datos que presenta, y que mezcla muy hábilmente una válida visión sobre la cuestión de género poco visible desde el mainstream con un punto falaz sobre las injusticias de género. Tanto para los que quieran acercarse al mensaje contrafeminista más aclamado desde los entornos hostiles hacia este movimiento como los que busquen matizaciones de las tesis que hacen los redpillers, aquí va nuestra propuesta de corrección.

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Aclaración: en el documental aparecen con frecuencia puntuales sucesos reales de hombres perjudicados por mujeres interesadas. Son anécdotas que funcionan más como elección sesgada para generalizar sobre la maldad de las mujeres. Aquí no vamos a hablar sobre esas experiencias concretas, que pueden ser perfectamente verídicas, porque para detectar y corregir injusticias es mejor tomar un punto de vista estructural.

Es como si nosotros dijéramos que Paul Elam, el pope fundador de la comunidad Red Pill, figura más querida dentro del mundo de los “derechos de los hombres” y principal entrevistado de ese documental, ha cimentado una carrera antifeminista de millones de dólares viviendo de las rentas laborales de su hija, intimidando y amenazando con guardar silencio a sus anteriores esposas y al que se ha acusado de comportarse de forma violenta con sus nietos. Y eso por no hablar de los mensajes en los que instaba a celebrar el día de “golpea a tu mujer” o defendía que las mujeres persiguen ser violadas y, por tanto, cuando esto sucede es su responsabilidad.

No, eso son ataques personalistas contra individuos concretos que no ayudan a la objetividad en el diagnóstico.

1) “Mujeres y niños primero”: los hombres son la carne de cañón de la sociedad

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Lo que aparece en The Red Pill

En los primeros compases del documental Jaye nos dispara con la siguiente ráfaga de datos:

Los hombres sufren el 93% de los accidentes mortales laborales. Tienen más probabilidades de sufrir cáncer y autismo, y aunque el cáncer de próstata mata tanto como de mama, el segundo se combate y se subvenciona muchísimo más. Los hombres están logrando menos estudios superiores que las mujeres, y encima son los que siempre se ocupan del los trabajos más duros. Este grupo padece alarmantes niveles de adicción a la pornografía y a los videojuegos, y su ratio de suicidios es cuatro veces mayor que entre las mujeres. Es mucho más habitual ver indigentes varones. Las mujeres viven, de media, cinco años más.

En la historia de la humanidad, quienes han combatido y muerto a mansalva en las guerras han sido y siguen siendo los hombres.

Y Lo que no aparece

Son cifras escandalosas y, sí, en la mayoría de casos ciertos (algunos no, como veremos). Eso no significa que estemos señalando al responsable adecuado. Nada de esto tiene que ver con las feministas, sino con la cultura de los hombres.

Sí, las mujeres viven en EE.UU. cuatro años y medio más que los hombres (una pequeña ventaja biológica femenina, aunque también influye que las mujeres tendamos a vigilar más nuestra salud); pero la diferencia de financiación del cáncer de mama y de próstata proviene de los distintos efectos que tienen: el cáncer de mama afecta a muchas más mujeres jóvenes mientras el de próstata actúa principalmente en hombres mayores. El Estado suele primar el cuidado de las personas en edad laboral y fértil, que en este caso se trata de las mujeres. Además, el cáncer de mama puede matar a tanta gente como el cáncer de próstata, pero el de mama es 25 veces más común. Y curable.

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Los hombres se han encargado mayoritariamente de los trabajos duros y peligrosos. Por eso mueren mucho más en accidentes laborales (que sean trabajos más arriesgados influye también, por cierto, en que sus salarios sean mayores que en el de los trabajos de las mujeres). Red Pill se olvida de mencionar que por esa división del trabajo inherente al patriarcado las mujeres también salen perjudicadas con mayores índices de enfermedades musculoesqueléticas, respiratorias, enfermedades infecciosas y parasitarias o trastornos reproductivos debidos a exposiciones químicas como le ocurre a las mujeres de trabajos feminizados como el cuidado doméstico, la limpieza o el trabajo en la cadena de producción.

Hay algo en lo que las mujeres trabajadoras también son especiales: su causa de muerte más común en el entorno laboral junto con el accidente de coche es el homicidio. Entre los hombres esta causa cae al décimo puesto.

Aunque cada vez más mujeres se incorporan a trabajos de riesgo (o se enrolan en las fuerzas armadas), alcanzando los niveles de los hombres, por suerte para todos nosotros podremos ir dejando poco a poco estos entornos hostiles: la tecnología y las mejoras en prevención laboral están ayudando a que las catástrofes laborales se conviertan en un reducto del pasado. La misma lógica deberíamos aplicarla a las bajas de guerra: en vez de intentar buscar que las mujeres mueran en el mismo grado en el frente, lo ideal es que mueran menos personas poniendo fin a los conflictos bélicos, cosa que ya está ocurriendo.

La mendicidad y el suicidio son una desgracia para los hombres. Una calamidad que muchas feministas han señalado frecuentemente: en el fondo, es esa misma cultura masculina que les impide exteriorizar sentimientos o que les insta a ser más arriesgados laboral y financieramente la que acaba haciéndoles daño.

2) No tenemos en cuenta el sacrificio masculino hacia el hogar

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Lo que aparece en The Red Pill

Paul Elam lo explica así: las feministas se quejan de que el hombre como proveedor económico hace que las mujeres no tengan autonomía, que estén sometidas. Lo que no dicen es que esa supuesta supremacía en el hogar es en realidad un sacrificio que los hombres hacen hacia sus familias. Jornadas de 10, 12 horas diarias fuera de casa para alimentar al resto de miembros del hogar, movidos por el amor, aguantando ansiedad y miedo a perder el trabajo y no poder sustentar a esposa e hijos.

Y lo que no aparece

Poco que objetar, muchos, la mayoría de hombres trabajan para sustentar a sus familias. Las mujeres también. En 2010 las mujeres eran el 47% de la fuerza laboral de Estados Unidos. El gobierno prevé que para 2018 esa cifra haya ascendido al 51% del total, el mismo porcentaje que ocupan demográficamente.

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Hay que partir de la base de que la familia tradicional se está diluyendo y de que caminamos hacia una sociedad más atomizada, donde cada uno deberá saber sustentarse a sí mismo. También sabemos que las mujeres tienden más a aceptar trabajos de menos de la jornada completa, que se equilibra muy bien con el porcentaje de horas de cuidado de los hijos y del hogar que las mujeres hacen de más frente a los hombres. Eran curiosos los datos a los que llegaban investigadores australianos: sumando todas las horas de trabajo, interno y externo, la mujer trabajaba de media 61.4 horas semanales, y el hombre 55.

La sociedad está caminando a una mayor equidad en el reparto de todas las tareas. Las mujeres cada vez trabajan más horas fuera de casa y los hombres dentro. La división de roles muere poco a poco, y con ella también el "sacrificio" masculino (que, no nos olvidemos, también impedía que las mujeres pudieran independizarse económicamente hace un puñado de décadas).

3) Las paternidades castradas: el problema de la custodia compartida

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Lo que aparece en The Red Pill

Otra de las críticas más consagradas entre los reaccionarios del feminismo. Datos de The Red Pill: los juzgados le otorgan a las mujeres el 80% de las asignaciones de las custodias. Mientras tanto los hombres, que pierden la opción de ejercer de padre y cuidar a sus queridos hijos salvo un puñado de días al año, deben seguir pasándole la pensión a las madres.

Y lo que no aparece

Hay que partir de un importante punto al hablar de las custodias compartidas: no se trata de beneficiar a los padres o a las madres, sino a los niños. La mayoría de Estados no redactan sus leyes sobre asignación de la custodia segregando por sexo, es decir, no hablando de si es mejor contentar a los padres o las madres con el premio de la custodia, sino buscando como principal objetivo el bienestar del niño. No existe un "derecho a la paternidad o maternidad", pero sí hay normativas para proteger la infancia. Los niños no deberían ser un objeto de reparto.

Algo ha cambiado mucho entre los años en los que se implanta el divorcio y los tiempos actuales en los que las mujeres se han convertido en otra entidad económica igual dentro del hogar: cuando las mujeres actuaban principalmente a los ojos del Estado como la parte reproductora y los hombres como la productora, era lógico que las mujeres mantuvieran a los niños tras una separación y que los hombres aportasen la manutención del niño. Pero todo eso se está acabando gracias al fin de la división de roles y al reparto equitativo de las cargas.

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Las estadísticas dicen que en los hogares las madres siguen pasando de media mucho más tiempo con los niños que con los padres. Como los juzgados tienden a favorecer al tutor con el que el menor tiene un lazo afectivo más desarrollado, de ahí que suela ser la madre. Lo positivo es que, a medida que los hombres se reponsabilizan más de los hijos y pasan más tiempo al cuidado del hogar, como poco a poco está ocurriendo, estamos viendo cómo las concesiones de custodias compartidas con un reparto de horas equitativas están creciendo.

Cifras de España: en los ocho años que van desde 2007 hasta 2015, la custodia principal para la madre ha pasado de otorgarse del 85.5% al 69.9% de los casos, mientras que la custodia compartida ha subido del 9.7% 24.7%. Y ya que estamos, aunque los hombres siguen aportando una pensión a los hijos con una cuantía monetaria mayor que la madre, esta brecha también está cayendo, y la mujer puede aportar en torno al 40% de la pensión infantil.

Es innegable que el sistema ha perjudicado por muchos años, sobre todo en los tiempos recientes, a esos padres que después de una separación querían activamente ejercer como tal y cuidar a sus hijos, pero estamos en un interesante momento de transición, y cada vez será más frecuente la tutela compartida.

Aunque hablando a nivel porcentual, los padres que han querido mantener el cuidado de sus hijos no son tantos como pintan los movimientos masculinistas. De esas 80% asignaciones que recaen en las madres que cita el dicumental, la inmensa mayoría suelen ser de mutuo acuerdo, es decir, que los padres están conforme con que las madres se conviertan en el cuidador principal. En EE.UU. sólo el 4% de los casos de custodia (mayoritariamente hombres intentando ver más a sus hijos) fue a juicio, y de ese porcentaje sólo el 1,5% de ellos termina en litigio de custodia. Otra buena noticia: más del 60% de los hombres que llevan adelante el litigio suelen conseguir más horas de visita.

4) Las mujeres son tan violentas como los hombres

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Lo que aparece en The Red Pill

Resultados de estudios de la CDC (el organismo más importante del Gobierno y parecido al CCAES español) de 2014: Un 31.5% de las mujeres ha sufrido a lo largo de su vida en alguna ocasión un acto de agresión física por parte de su pareja. Pero un 27.5% de los hombres también ha sufrido malos tratos de su pareja. ¿Por qué se presenta entonces en el imaginario popular una y otra vez a la mujer en la posición de víctima y al hombre como agresor cuando es algo mucho más equilibrado?

Otro dato, tan alarmante o más: mientras todos los trabajadores y trabajadoras pagan impuestos, éstos van a parar a la subvención de refugios de mujeres para luchar contra el maltrato doméstico. Sin embargo, en Estados Unidos, mientras hay miles de estos centros en todo el país para ellas, sólo existe uno para hombres maltratados.

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Este es quizás el punto más interesante y, desde luego, revelador del documental de Jaye. ¿Cómo es posible que la violencia de la mujer al hombre ocurra en un porcentaje tan alto mientras toda nuestra cultura asume que el agresor siempre es el hombre? Se han hecho multitud de estudios sobre la agresividad tanto individual como hacia la pareja, y aunque los resultados varían significativamente entre ellos sí que se concluye que las mujeres muestran tasas de violencia reseñables: un estudio estadounidense de 1992 indicada que hasta un 39% de las participantes afirmaba haber cometido algún acto de violencia doméstica de bajo nivel en algún punto de su vida.

El problema es la catalogación de qué actos se entienden como violencia doméstica. Por ejemplo, en los estudios se recoge la agresión como respuesta a una amenaza física por parte de tu pareja como un acto de este tipo. Es decir, que las personas que se defienden de un maltratador están técnicamente comportándose de forma agresiva hacia su compañero y hacen engrosar esa cifra de mujeres maltratadoras de los estudios.

No obstante sí hay un porcentaje de actos de violencia llevados a cabo por mujeres que son auténticos problemas de ira, motivados por causas tan variopintas como que el hombre "no me escuche", "no va a pegarme de vuelta" o "buscando que haga caso a una de mis órdenes". Así que en eso tienen razón, hablamos poco de los comportamientos violentos de las mujeres. Lo que por supuesto no evita que la violencia del hombre contra la mujer siga siendo un problema social de mucho mayor calado: las lesiones físicas que reciben las mujeres son más contundentes y siguen muriendo muchísimas más mujeres a manos de los hombres que viceversa.

Los investigadores además han encontrado una correlación entre la disponibilidad de servicios de violencia doméstica, un mayor acceso al divorcio, mayores ingresos para las mujeres y mejoras en las leyes con la disminución de la violencia ejercida por las mujeres contra los hombres en los últimos tiempos. A mayor libertad e igualdad en las relaciones, menos violencia se ejerce.

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Tampoco hay que olvidar que los estilos de agresiones son bastante distintos entre géneros. Los estudios apuntan a que es mucho más habitual que los hombres golpeen, asfixien o estrangulen a sus parejas, mientras que el acto de agresión física más común entre las mujeres es arrojar objetos o pegar con ellos, pegar patadas, morder o dar bofetadas.

Otra de las cosas interesantes es la percepción de la agresión por parte del compañero, donde las estadísticas también apuntan a que hombres y mujeres no lo ven de la misma manera. El 70% de las víctimas femeninas anotaban que su respuesta a una agresión de su pareja era la de estar "muy asustadas" por lo que su pareja fuese a hacer, mientras que el 85% de los hombres citaban que su respuesta era la de "no tener miedo" ante el ataque de una mujer.

Sí, hay infinitamente muchos menos refugios masculinos frente a los femeninos (aunque determinados países están haciendo esfuerzos por añadir más a su red contra el maltrato), pero incluso cuando se mantienen algunos de estos centros no llegan nunca a completar aforo, mientras una de las protestas habituales de los trabajadores sociales es la de que la demanda de plazas femeninas es mayor que la que el Estado provee en sus centros de auxilio.

Por otra parte, y en esto también están de acuerdo muchos grupos feministas (cosa que no comparten todos los hombres del activismo antifeminista), es positivo que la sociedad ponga en su agenda la violencia que sufren los hombres. Ocurre lo mismo en el caso de agresiones sexuales (cometidas en un porcentaje mucho mayor por otros hombres que por mujeres) o de ataques de bullying: los hombres tienden a reprimir y ocultar la violencia que sufren por miedo a ser vistos como menos fuertes. La cultura de la masculinidad ha entorpecido el desarrollo psicológico de los hombres al pedirles que se guarden sus emociones y no se muestren vulnerables, así que cuando los hombres empiecen a denunciar en mayor grado los ataques de violencia que sufren en sus hogares, cuando la sociedad deje de verles como pusilánimes, podremos ayudar a tratar mucho mejor a esas víctimas.

5) ¿Y qué hay del control reproductivo de los hombres?

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Lo que aparece en The Red Pill

“Las mujeres tienen mil recetas anticonceptivas. Hormonas, DIU, ligamientos y en última instancia el aborto. ¿Nosotros? O te pones el condón o te haces la vasectomía". Esto es un problema, para estos hombres, por dos motivos. Primero porque una mujer puede poner mil barreras para tener hijos y puedes encontrarte con no poder dejar descendencia en el mundo por la resistencia de tus parejas. Y el segundo: por eso mismo te la pueden liar, cosa que ampliaremos en el segundo punto. Las mujeres pueden engañarte y atarte para toda tu vida con los niños. En resumen, los hombres no pueden controlar el embarazo.

Y lo que no aparece

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Es difícil determinar quién está más contento de que se esté terminando de desarrollar la "píldora masculina", si los hombres que van a poder abandonar el miedo a embarazar a sus parejas o las mujeres que están encantadas de que sean ellos los que tengan que hormonarse. Es comprensible que se investigase primero la píldora femenina porque en última instancia quien tiene que afrontar el embarazo es la mujer, pero también lo es que en los tiempos que corren los hombres puedan apuntarse a esta responsabilidad que debería ser compartida por las parejas. En cualquier caso, enhorabuena: dentro de nada los hombres también tendrán otra receta extra.

Por otra parte, tal y como apuntan algunos entrevistados de The Red Pill, es cierto que los hombres no pueden controlar los embarazos, pero pedir que ellos puedan decidir cuándo deberán las mujeres incubar a los hijos haciendo que su palabra esté por encima de la de la gestante, con todos los riegos y molestias que ello supone durante casi un año de la vida de otra persona, es una demanda de ciencia ficción.

Tan de ciencia ficción que se acaba de emitir una serie con esta premisa distópica al respecto.

Otro punto positivo para los hombres: si de verdad tienen tantos deseos de ser padres, existen miles de niños (sobre todo de más de tres años) esperando encontrar alguien que quiera ser su tutor en los centros de menores. Son niños y niñas que de verdad necesitan cariño y un hogar. Un hombre lo tendrá más difícil que una pareja para que el Estado les de la concesión de acogida (por aquello de primar los núcleos familiares donde hay más adultos con tiempo), pero no van a encontrarse con más barreras que la que tiene una mujer solicitante soltera.

6) Las legislaciones feministas promueven los fraudes de paternidad

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Lo que aparece en The Red Pill

Son pruebas relativamente baratas que la tecnología pone ahora a nuestra disposición, y esenciales, según muchos hombres, para aclarar la responsabilidad del hombre en juicios por paternidad. Pueden darse casos de ex maridos que deban pagar la pensión por niños que biológicamente son de otros, entre muchos escenarios factibles y tenebrosos. Ese mismo lobby feminista que lucha para derrumbar leyes que ayuden a repartir la custodia de los hijos más equitativamente con los padres, también actúa en política para bloquear la legalidad de las pruebas de paternidad. En Francia ya es ilegal que los padres pidan una prueba de ADN.

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Es curioso que el documental comente que las feministas con las legisladoras cuando ellos mismos reconocen que las mujeres no tienen ni de lejos el mismo poder politico que los hombres en la mayoría de países occidentales. Sigue siendo habitual ver grupos masculinos legislando sobre las cuestiones reproductivas.

La norma francesa a la que se refieren es una que en realidad está plenamente en práctica en otros países como Alemania o España. La información genética de una persona es un material tan sensible como cualquier otra información médica, donde se intenta proteger la confidencialidad del sujeto, en este caso del niño. En estos países europeos la práctica de pruebas de ADN están limitadas a los requerimientos de los médicos para tratar alguna enfermedad genética u otro tipo de anomalías. En realidad no están prohibidas las pruebas de paternidad, pero sí hay que tener una razón de peso y una autorización expresa de los jueces para poder solicitar una, que se realizan sobre todo de cara a los litigios por la custodia y el pago de pensiones.

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En Alemania, por cierto, también hay una norma que obliga a las madres a informar sobre la paternidad de sus hijos en los litigios de custodia en caso de que existan dudas al respecto.

La limitación de las pruebas deriva de la doctrina "mantenimiento de la paz", por el cual la ley considera que la paternidad es potestad del tutor que ha criado al niño y no a quien simplemente ostente su código genético. Aunque puede parecer algo que perjudica a los hombres, la clásica imagen del hombre engañado por su pareja para criar al "hijo de otro", a esta idea se le puede dar la vuelta para ver cómo puede ir en contra de esos hombres. Si la mujer solicitase una prueba con la sospecha de que el niño no es de la persona de la que se quiere divorciar y se demostrase que no es biológicamente del esposo, esas pruebas podrían ayudar a defender que el hijo es menos suyo.

Para evitar todos esos entuertos, la ley reconoce que la razón principal para determinar la paternidad es el haber cuidado del niño. Y es lógico, ya que la consanguinidad como justificación para determinar cuál es tu legítima descendencia es un concepto en declive.

Acerca de The Red Pill

Ver este documental no es en absoluto reprobable. Es interesante ver todos los puntos de vista sobre un debate. Pero como le ocurrirá a las personas con unos pocos conocimientos sobre el feminismo, muchas de las quejas por el sufrimiento de los hombres que se ven en esta cinta han sido tratadas por el movimiento desde hace muchas décadas.

Que los hombres se desprendan de los valores nocivos que transmite la masculinidad va a ayudarles a desarrollarse emocionalmente mucho más; la independencia e igualdad de las mujeres podrá ayudar a que el reparto de nuestras tareas en sociedad (el trabajo o la paternidad entre ellas) sea mucho más justo. Y en general, la erradicación de valores competitivos por otros más diplomáticos ayudarán a la paz social. Es paradójico que un documental que intenta criticar al feminismo demuestre punto por punto cómo ellos mismos necesitan de su teoría para validarse.

La loca teoría de que todas las películas de Pixar están conectadas es real y Disney lo confirma con un vídeo

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Alrededor de Pixar existen todo tipo de teorías y leyendas, desde la que nos habla de que todas las películas tienen a los sentimientos como eje conductor de la historia, hasta el misterioso código A113 y la famosa 'Teoría Pixar'. Pero ahora la misma Disney está sorprendiendo a todos al confirmar que sí, todas y cada una de las películas de Pixar están conectadas y conviven en un solo universo.

Esta confirmación no es sólo de palabra, sino que se han dado el tiempo de crear un vídeo que muestra cada uno de los 'easter eggs' incluidos en sus películas, y además, los va conectado para que veamos detalles que a muchos, seguramente, nos pasaron desapercibidos.

La 'Teoría Pixar' se vuelve realidad

Después de años de especulación y trabajos realmente asombrosos por parte de los fans, Disney está cortando de tajo todo esto al confirmar que la gran teoría desarrollada por los fans existe, es real y se alimenta con cada nueva película de Pixar.

El vídeo fue publicado en la página en Facebook de Toy Story y en éste podemos ver cómo muchos de los personajes del estudio de animación han aparecido en otras películas, sin importar que se trate de otra época. Es decir, la niña protagonista de 'Inside Out' estuvo visitando el acuario de 'Finding Dory', y de ahí saltamos a 'The Good Dinosaur' y posteriormente a 'Monsters Inc.'. Y así hacemos todo un asombroso recorrido.

Lo más atractivo de esto es que Disney está creando fidelización y una especie de competición en torno a las películas de Pixar, ya que al confirmar que todo sucede en el mismo universo, ahora los fans estarán atentos de las nuevas películas y los 'easter eggs' ocultos, donde a día de hoy uno de los más famosos es el del camión de Pizza Planet, que fue confirmado hace ya varios años.

En Magnet | El vídeo que nos presenta 30 entrañables años de evolución de Pixar En Xataka | Las constantes y detalles que conectan las películas de Pixar

Rusia tiene su propia versión de Los Vengadores y el protagonista es un gran oso mutante, obviamente

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No hay país en el mundo capaz de causar a un tiempo tanto pánico y algarabía como Rusia, la secuela y la precuela de la Unión Soviética. En tiempos de oscuridad, Rusia brilla con luz propia tanto por sus infinitos vídeos sobre su inexplicable vida cotidiana como por los numerosos tejemanejes geopolíticos que se ciernen a sus espaldas.

Pero, ah, ¿qué hay de su cine? No hablamos hoy de películas de profundo poso filosófico y existencialista como Leviathan, sino de algo mucho más prosaico y que quizá jamás habías imaginado: un blockbuster ruso. O mejor aún: una película de superhéroes rusa. O aún mejor: la versión chunga y rusa de Guardianes de la Galaxia.

El invento en cuestión es una mal disimulada copia de todo-el-universo-cinematográfico de Marvel, con especial hincapié en su versión fantástica-espacial. La película se llama Guardianes, sin ningún tipo de disimulo, y mezcla elementos de Los Vengadores con el de otras películas del no-tan-ramo como Transformers. De forma resumida: Rusia se ve atacada por gigantes robots y el gobierno tiene que echar mano de sus superhéroes.

Un poco al modo de Los Simpsons ("eso es lo que queríamos que ustedes pensaran"), resulta que el gobierno ruso había paralizado pero no desmantelado un siniestro programa soviético de mutación genética por el cual varios sujetos (provenientes de diferentes nacionalidades de la gran patria) se convertirían en soldados-superhéroes de élite. Ante la amenaza, Rusia tiene que volver a echar mano de la URSS y descongelarlos.

El resultado son cuatro héroes que deberán salvar al país de la amenaza que se cierne sobre él, entre ellos un líder robusto cuya habilidad especial consiste en transformarse en un oso gigante (el animal nacional de Rusia) con una metralleta. Más Rusia imposible.

La historia no se diferencia en nada de cualquier otra imaginación estadounidense sobre sus extravagantes proyectos de la Guerra Fría (que, recordemos, incluían a cuervos espías y delfines agentes especiales), sólo que aquí el pasado es el KGB y todo tiene un halo post-soviético a un tiempo estremecedor y fascinante. Los efectos especiales están bastante logrados (Moscú se destruye por completo) y el tráiler da el pego.

¿La película qué tal? Pues no demasiado bien. Con un presupuesto de unos 5 millones de dólares, sólo logró recuadar en taquilla unos 4,7 (fue estrenada única y exclusivamente en Rusia), mostrando que o bien el mercado ruso no es ni remotamente tan goloso como el indio o el chino o bien que la película era mala hasta decir basta.

Sea como fuere y gracias a las virtudes de los canales modernos de distribución, la película ha llegado ya en DVD (y está en Amazon) a Reino Unido y Estados Unidos, donde su mera idea está causando bastante gracia.

Si acaso, Guardianes muestra que el mundo está relativamente cansado de ser meros comparsas en el arco narrativo de los blockbuster estadounidenses. Hace no demasiado hablábamos de cómo China se había llevado a su terreno cultural e histórico tanto Harry Potter como Mad Max (y, ojo, Juego de Tronos), y ahora Rusia sigue el mismo camino. La fórmula es la misma pero invierten los roles y los buenos pasan a ser (obvio) ellos mismos.

Mientras haya osos mutantes cabalgados por Putin, a nosotros nos parece bien.

Putin Siempre.

17 rincones del mundo que parecen sacados de una película de Wes Anderson

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Portada

Para bien o para mal, Wes Anderson es uno de los directores con un estilo más personal y reconocible del cine contemporáneo. Sus planos siempre centrados, su escaso movimiento de cámara, los colores pastel que dominan la mayor parte de sus escenarios, el aire naif, los decorados herederos de idílicas épocas pasadas.

La impronta visual del director ha dado lugar a numerosos homenajes en forma de vídeos repartidos por Vimeo y por YouTube, pero también a una cierta asimilación popular de sus contenidos estéticos. Así las cosas, era cuestión de tiempo que Reddit, la mente colmena por antonomasia de Internet, comenzara a recopilar sitios reales que parecen sacados de sus películas.

Escenarios idénticos a los retratados en Gran Hotel Budapest, fotografías que repentinamente centran la escena y despliegan un arcoiris de colores pastel, los usuarios más activos del subforo llevan semanas recopilando imágenes dignas de un Wes Anderson accidental, rincones del planeta que bien podrían servir de escenario para su próxima película. Y para cualquier seguidor de sus obras, las imágenes son pura pornografía, un vicio.

Hoteles alpinos en curvas imposibles, escenarios teatrales repletos de colores rojizos, aulas de impresionante consonancia cromática, bloques de edificios kitsch y pastel, el abanico es bastante singular incluso para quien no disfrute en demasía del universo de Wes Anderson. Hay muchas más fotos, y se pueden disfrutar todas aquí.

1. Una sala de reuniones norcoreana

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2. Un hotel en los Alpes italianos

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3. Una habitación de hotel en Alemania

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Por MeunderWears.

4. Una escena berlinesa

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Por MeunderWears.

5. Un hotel en Nueva York

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Por RustedBones.

6. Moonrise Kingdom en Mongolia

Una publicación compartida de John Feely (@johnfeely) el

7. Una cabina telefónica en Texas

Una publicación compartida de Alex Mayes (@alexemayes) el

8. Un tren en Noruega

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Por asdlkfdjldsknlas.

9. Un antigua y fascinante piscina en Hamburgo

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10. Unas escaleras en Singapur

Dan Sully Photography: Singapore

11. El Ministro de Sanidad islandés

Óttarr Proppé.

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12. Este hotel junto al glaciar del Ródano, en Suiza

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13. Esta típica casa finlandesa

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14. Esta otra casa en Toronto

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15. El metro de Bruselas

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Por prrisiqueira.

16. Esta piscina

17. Y este decadente motel

Este asombroso corto nos muestra un futuro donde hemos perdido el control de la inteligencia artificial

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Rise Short Film

Es el año 2043 y en la ciudad de Detroit se están empezando a ver los primeros disturbios después de que el gobierno, manejado por seres humanos, busca perseguir y encarcelar a todo aquel con indicios de inteligencia artificial en su cuerpo. Esto ocasiona que tanto robots como humanos con implantes robóticos estén huyendo, mientras que otros se están preparando para el inicio de la guerra.

Esta es la premisa detrás de 'Rise', un asombroso cortometraje que nos presenta un mundo distópico a punto de comenzar una guerra entre la inteligencia artificial y los humanos. Una batalla que no es nada sencilla, ya que estos humanos fueron los encargados de dar vida a esta forma de inteligencia. Mientras que esta inteligencia conoce todas las debilidades del ser humano.

'Rise': somos nosotros o ellos

En este cortometraje dirigido por el cineasta estadounidense David Karlak podemos ver el peor de los escenarios ante la llegada y dominio de una inteligencia artificial, la cual ha logrado desarrollar emociones, algo que a los seres humanos no les está gustando. Donde también podemos ver lo peor de la condición humana ante una 'raza' que amenaza con ser superior.

Como vemos, el corto es un impresionante despliegue de efectos visuales, donde además se cuenta con la última participación del actor Anton Yelchin, quien falleció en junio de 2016.

Esta producción cuenta con el apoyo de Vertigo Films, subsidiaria de Warner Bros., y en un inicio la idea era crear una franquicia de varios cortometrajes bajo esta temática, incluso se preparó una versión en realidad virtual. Por fortuna, y ante la buena respuesta del público ante este primer corto, Brian Oliver (Hacksaw Ridge) y Johnny Lin, han obtenido los derechos de la historia para desarrollar un largometraje basado en esta historia.

Ahora sólo nos queda esperar a que el resultado sea tan asombroso como el logrado en este primer corto.

Wonder Woman no es sólo un símbolo feminista: en países como Líbano, es un icono de opresión

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Wonder Woman Portada

Ha sido un año ajetreado y movido para la Mujer Maravilla.

En octubre de 2016, las Naciones Unidas hizo un anuncio sorprendente: Wonder Woman sería la nueva embajadora para el empoderamiento femenino, aprovechando el lanzamiento de una nueva campaña para impulsar el Objetivo de Desarrollo Sostenible número cinco: conseguir la igualdad de género y la autonomía de todas las mujeres y niñas para el año 2030.

El anuncio, que coincidía con el 75 cumpleaños de Wonder Woman y con una nueva superproducción Hollywood basada en el personaje de cómic, fue recibido con una gran cantidad de críticas.

Mientras que el icono feminista de ficción fue durante mucho tiempo un representante de las mujeres fuertes y liberadas, su apariencia occidental, su imagen sexualizada y su belleza idealizada no se corresponden con las características de millones de mujeres jóvenes de todo el mundo. En realidad, son rasgos alienantes.

Las feministas se ensartaron con la decisión. ¿Acaso la ONU estaba dando a entender que ninguna mujer de carne y hueso estaba a la altura del trabajo de embajadora? Más de 44.000 personas firmaron una petición que acabó con "una mujer menos en la política". Con la misma rapidez como había llegado al puesto, la Mujer Maravilla perdió su nuevo trabajo.

¿Qué significa ser feminista?

Sin embargo, la película sigue obteniendo beneficios en taquilla y desde su estreno el 2 de junio ya ha recaudado 571 millones de dólares en todo el mundo.

La directora de la película, Patty Jenkin, está siendo aclamada como "obra maestra del feminismo subversivo". Es la primera vez que desde la película Supergirl de 1984 tenemos a una superheroína como principal protagonista de una superproducción.

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La película (dirigida por una mujer y protagonizada por una mujer) cuenta una historia sobre la justicia, sobre un personaje que lucha contra las fuerzas del mal por el bien mayor. Como Mujer Maravilla, Gal Gadot, supera la manida narrativa de "damisela en apuros" y se declara autosuficiente. ¿Puede que estemos siendo demasiado generosos hablando de feminismo en este caso?

En un artículo reciente, Hollywood Reporter escribía que Warner Bros había creado "lo que se podría describir como una Wonder Woman postfeminista", con Jenkins "dándole vulnerabilidad a la fortaleza del personaje tradicional". Incluso Gal Gadot, la actriz israelí que protagoniza la película, decía que: "Hay que reconocer el trabajo de Patty por no haber hecho del personaje una simple mandona". Un concepto nada feminista.

En lugar de representar a las mujeres reales, la Mujer Maravilla satisface la imagen social de la mujer ideal. Inhumanamente fuerte, súper sexy y reforzada por su excepcionalidad, Wonder Woman es una "contradicción andante sobre todas las cosas con las que las mujeres de hoy tienen que cargar sobre los hombros".

¿Cuántas mujeres o chicas de verdad en el mundo pueden tener a Wonder Woman como modelo a seguir? ¿Acaso queremos que sea su modelo?

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Tampoco hay muchos comentarios positivos sobre la idea de interseccionalidad en la película: el reconocimiento de que las múltiples identidades de las mujeres (no solo su sexo, sino también su identidad de género, raza, clase, orientación sexual o religión, entre otros) las pone en riesgo de ser víctimas de muchos tipos de opresión.

¿Acaso las feministas no se han dado cuenta de que la película es, simplemente, muy occidental y con prevalencia de personajes blancos?

Mientras tanto en el Líbano

En el Líbano, donde actualmente vivo y trabajo, Wonder Woman ha sido prohibida en todo el país, algo que no solo ha entristecido a los fans, sino que también ha impactado a los grupos defensores de las libertades civiles y ha aumentado la preocupación por la censura del gobierno.

La decisión se basa en la Ley de Boicot a Israel de 1955 que prohíbe las relaciones económicas con Israel, "un estado enemigo", incluyendo cualquier "institución o persona que tengan residencia en Israel". La actriz Gal Gadot cumple claramente con estos requisitos.

El Líbano e Israel tienen una larga historia de conflictos (el enfrentamiento más reciente se produjo en 2006) y el Líbano tiene prohibido a sus ciudadanos viajar a Israel. También se prohíbe la entrada a cualquier persona que tenga un sello israelí en el pasaporte y está prohibida la compra de productos israelíes.

Female Soldier Una soldado israelí. (Israel Defense Forces/Wikipedia)

Más que un desacuerdo político, la campaña de boicot a los partidarios de las relaciones entre Israel y el Líbano, se trata de una "resistencia contra la ocupación", lo que quiere decir que la prohibición no tiene que ver con los israelíes o con el judaísmo, sino más bien se trata sobre el proyecto sionista apoyado por el gobierno que ha significado violaciones de los derechos humanos contra Palestina y contra el pueblo palestino.

Pero la aplicación de la ley es desigual, puesto que empresas como Hewlett-Packard y Coca-Cola, supuestamente prohibidas, operan en el país de forma activa sin problemas y en el Líbano ya se han proyectado muchas películas con actores israelíes, incluyendo Star Wars (con Natalie Portman) y la serie de Fast and Furious (con Gal Gadot).

El gobierno libanés tampoco es consecuente a la hora de apoyar a la población palestina, puesto que a los palestinos se les niega sistemáticamente el acceso a los puestos de trabajo, a la salud y a la ciudadanía. En el Líbano, el sentimiento popular sobre Palestina oscila entre la indiferencia y el resentimiento a la simple y pura discriminación.

ssd Gal Gadot. (Gage Skidmore/Wikipedia)

Tal y como el investigador del Líbano Halim Shebaya señalaba en un artículo de opinión del 2 de junio, habría sido un mensaje mucho más impactante si el pueblo libanés se hubiera negado a ver la película por simbolizar la opresión en vez de dejar a los políticos tomar la decisión por ellos.

Si esta censura era un acto de solidaridad, es poco probable que los palestinos lo entendieran de esa manera. Permitir que se pueda ver la película y donar la recaudación para apoyar a los palestinos que viven en el Líbano (por ejemplo, para organizaciones de mujeres palestinas) sí que habría sido claramente un acto solidario.

La importancia de la interseccionalidad

La dudosa censura en el Líbano y el dudoso feminismo de Wonder Woman pueden parecer polos opuestos, pero ambas cosas están relacionadas por la interseccionalidad. Tanto en la región árabe como en los Estados Unidos existe un creciente debate sobre si el feminismo y el sionismo son compatibles.

Uno de los bandos cree que ambas cosas son compatibles. La estudiante Andrea Cantor defendía su compatibilidad en un artículo del Huffington Post a principios de este año. "Israel es más que un gobierno", escribía. "Es un país que permite que las personas transexuales militen en el ejército", y que tiene "posturas progresistas sobre los derechos de las mujeres y del colectivo LGBTQIA".

El otro bando, por el contrario, se cuestiona si son compatibles. Linda Sarsour, una importante activista palestino-americana, ha sido una clara defensora de la opinión de que no se puede ser feminista y sionista a la vez.

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Como mujer árabe criada en los Estados Unidos, no cuestiono la elección de la actriz israelí Gal Gadot para interpretar a Wonder Woman (porque, de hecho, rara vez se niega en Hollywood un papel a un actor debido a sus creencias y a los espectadores no es algo que les importe), pero lo que si cuestiono es que la pongan como icono feminista global. ¿Es apropiado que una declarada sionista se convierta en el emblema del empoderamiento de la mujer occidental?

Al final, a pesar de sus esfuerzos, Wonder Woman simplemente expone la narrativa dominante del feminismo de las mujeres blancas y la indiferencia mundial hacia la situación en Palestina. Su fracaso a la hora de desafiar el status quo es demasiado relevante como para ignorarlo, porque un feminismo que se arraiga en la opresión no es feminismo en absoluto.

The Conversation

Autor: Lina Abirafeh, directora del Instituto de los estudios sobre la mujer en Oriente Medio, Universidad Americana de Líbano.

Este artículo ha sido publicado originalmente en The Conversation. Puedes leer el artículo original aquí.

Cuando transformarse (casi) en cualquier personaje se vuelve una obra de arte más allá del cosplay

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Alyson Tabbitha 1

Hacer cosplay es todo un arte que no cualquiera puede crear, ya que se necesita creatividad, mucha imaginación y paciencia. Dentro de esta comunidad que crece día con día hemos visto verdaderas obras de arte, donde el presupuesto y la edad es lo de menos, la clave está en querer hacer las cosas.

Alyson Tabbitha es una chica de Florida con una impresionante capacidad para detectar los rasgos y aspectos clave de diversos personajes, con lo que es capaz de adaptarlos a su personalidad para así darles vida, esto sin importar que sea casi una misión imposible. Su asombroso trabajo ya la ha colocado como una de las cosplayers más importantes del mundo.

No es cosplay, es una verdadera transformación

Para Alyson no hay personaje en el que no se pueda transformar, incluso trata de buscar los más complejos para así tener un nuevo reto por delante. Su trabajo es tan impresionante que es a día de hoy una de las estrellas de la comunidad cosplayer en Estados Unidos, y es invitada especial a una gran cantidad de convenciones donde suele dar charlas y tutoriales de cómo ser cosplayer.

Según relata Alyson, su amor por los disfraces y el maquillaje llegó gracias a su madre, quien se dedica a crear caracterizaciones profesionales en teatro, televisión y cine, y quien se encargó de hacer los disfraces de Halloween cuando Alyson era pequeña. Esto siempre despertó su curiosidad e hizo que estuviera atenta al trabajo de su madre.

En 2014 Alyson decidió entrar de lleno en el mundo del cosplay de forma profesional al confeccionar sus propios disfraces, donde un punto importante es el uso del maquillaje, ya que éste le permite transformase sin importar los rasgos físicos. Desde entonces ha adoptado el cosplay no como un pasatiempo, sino como una forma de vida que la ha llevado a recorrer gran parte del mundo y le ha dado una legión de seguidores en redes sociales.

Alyson ha sido capaz de transformarse en diversos personajes de Hollywood y los videojuegos, como el Capitán Jack Sparrow o Edward Scissorhands, así como personajes de Final Fantasy y hasta la mismísima Reina Amidala de Star Wars, todo con un resultado sobresaliente.

Para los que deseen seguir el trabajo de Alyson lo pueden hacer directamente en Instagram, Facebook y YouTube.

Edward Scissorhands

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Captain Jack Sparrow

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El vampiro Lestat

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 Attack On Titan

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Skeleton Dragon

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 Leeloo - The Fifth Element

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 Widowmaker de Overwatch

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Vincent Valentine de Final Fantasy

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Gaara de Naruto

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Padmé Amidala de Star Wars

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Yuna de Final Fantasy

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Rikku de Final Fantasy X

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Lightning de Final Fantasy

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 Aranea Highwind de Final Fantasy XV

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Lulu de Final Fantasy X

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Paine de Final Fantasy X-2

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Elfo

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En Magnet | ¿Qué pasa cuándo no tienes dinero, pero sí ganas de imitar a tus héroes? Que inventas el Cosplay Low Cost

Los legendarios autos locos, reinterpretados a lo Mad Max: Fury Road por el diseñador de la película

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Portada Buena

Una de las series más divertidas que todo niño de los noventa pudo disfrutar durante su infancia fue Los autos locos. Aquel invento combinaba los elementos más estimulantes de la imaginación: personajes audaces y estúpidos, un universo demencial repleto de coches fascinantes y situaciones esperpénticas y carreras, pura competición.

Los autos locos (Wacky Cars en inglés) habían nacido en realidad treinta años atrás, en los sesenta, pero su resurrección de la mano de cadenas como Cartoon Network permitieron a un montón de millennials pasar largas tardes de merienda junto a ellos. Años después siguen siendo encantadores: Pierre Nodoyuna, los Hermanos Macana, el Súper Chatarra Special, todos ellos compusieron un arco estético maravilloso.

Pues bien, ¿qué sucedería si transformáramos aquellos legendarios dibujos animados en un Mad Max 2.0, en la regurgitación que George Miller hizo de su propia trilogía hace dos años? No hace falta imaginarse la respuesta: Mark Sexton, el hombre detrás de los diseños y del storyboard de Fury Road lo hizo por sí mismo. Y el resultado es espeluznante y tremendamente excitante.

Como se explica aquí, Sexton conoció a Miller en 1999 y durante dos años trabajó en el arco estético (los coches con las tripas expulsadas hacia fuera, la sociedad enferma sedienta de agua y reducida a un estadio primitivo, los maquillajes extravagantes y los ropajes precarios) que definiría finalmente a Fury Road. Y tras pasar por Happy Feet, Sexton terminó dibujando, a modo de pasatiempo, esta reinterpretación de Los autos locos.

Pierre Pierre Nodoyuna y Patán conduciendo el Súper Perrari.
Baron El Stuka Rakuda en manos del Barón Hans Fritz.
Calaveras El Rocomóvil de los Hermanos Macana.

Lo cierto es que la historia tiene más miga más allá de los dibujos: DC encargó al propio Sexton la creación de una pequeña línea de cómics inspirados en el mundo tremendamente plástico e icónico de Mad Max: Fury Road, por lo que su traslado a los dibujos animados de Hannah Barbera resultó de lo más sencillo. Más aún cuando por las mismas fechas Hannah Barbera sacó sus propios cómics de Wacky Cars rediseñados al modo adulto y distópico.

En el fondo, Mad Max tiene mucho de Los autos locos: en un mundo desesperado por llegar antes que los demás a su destino y llevado a la extenuación de sus propios recursos, el ser humano se convierte en una despiadada máquina competitiva que intercala locura y violencia de forma inmisericorde, y en el que la ruptura de la civilización deriva en nuevos códigos morales y estéticos donde, como en las tragedias griegas, sólo brillan héroes rotos.

Las dos caras de una misma moneda. Y por eso quedan tan bien juntos.

Beaver El Troncoswagen de Brutus y Listus.
Gruesome El Espantomóvil de Los Tenebrosos.
Lazy Luke El Alambique Veloz (de Arkansas) de Lucas el Perezoso y el Oso Miedoso.
Militar El Súper Chatarra Special del sargento Blast y el soldado Meekly.
Mob La Antigualla Blindada de Mafio y sus pandilleros, la Mafia del Hormiguero.
Penelope El Compact Pussycat de Penélope Glamour.
Perfecto El Superheterodino de Pedro el Bello.
Profesor El Auto/Súper Convertible del Profesor Locóvitch.
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